Pintura de la acuarela

Acuarela ( Inglés americano ) o acuarela ( Commonwealth e Irlanda), también acuarela del francés, es una pintura método. Una acuarela es la medio o de la resultante obra en la que el pinturas están hechas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua. La ayuda tradicional y más común para las pinturas de acuarela es papel; otras ayudas incluyen papiro, los papeles de la corteza, los plásticos, vitela o cuero, tela , madera, y lona. Acuarelas suelen ser transparentes, y aparecen luminosa porque los pigmentos se establecen en una forma relativamente pura con pocas cargas que oscurecen los colores pigmento. Acuarela también se puede hacer opaco mediante la adición de blanco chino. En Asia oriental, la pintura de la acuarela con las tintas se conoce como pintura del cepillo o la pintura de desplazamiento. En Chino, Coreano, y Pintura japonesa ha sido el medio dominante, a menudo en negro monocromo o marrones. India, Etiopía y otros países también tienen una larga tradición. Fingerpainting con pinturas de agua se originó en China.

Historia

Aunque la pintura acuarela es muy antigua, que data quizás a las pinturas rupestres de Europa paleolítica, y se ha utilizado para la iluminación de manuscritos por lo menos desde la época egipcia, pero sobre todo en la Edad Media europea, su historia continua como medio artístico comienza en el Renacimiento. El artista del Renacimiento del norte de Alemania Albrecht Dürer (1471-1528) que pintó varios botánicos, la fauna y el paisaje acuarelas finas, generalmente se considera uno de los primeros exponentes del medio. Una importante escuela de acuarela en Alemania fue dirigido por Hans Bol (1534-1593) como parte de la Durero Renacimiento .

A pesar de este comienzo temprano, acuarelas fueron utilizados generalmente por los pintores de caballete barrocos sólo para bocetos, copias o caricaturas (dibujos de diseño a pequeña escala). Entre notables primeros practicantes de la acuarela fueron Van Dyck (durante su estancia en Inglaterra), Claude Lorrain, Giovanni Benedetto Castiglione, y muchos Holandés y Artistas flamencos. Sin embargo, botánicos y de fauna silvestre ilustraciones son tal vez la tradición más antigua y más importante de la pintura de acuarela. Las ilustraciones botánicas se hizo popular en el Renacimiento, tanto como la mano teñidas ilustraciones en madera en libros o periódicos de gran formato y dibujos a tinta como polarizados en vitela o papel. Artistas botánicos siempre han estado entre los acuarelistas más exigentes y logradas, e incluso hoy en día acuarelas-con su capacidad única para resumir, aclarar e idealizar a todo color, se utilizan para ilustrar las publicaciones científicas y museos. Ilustración de Vida Silvestre llegó a su apogeo en el siglo 19 con artistas como John James Audubon, y hoy en día muchas guías de campo naturalistas todavía están ilustrados con acuarelas.

Escuela de Inglés

Varios factores contribuyeron a la propagación de la acuarela en el siglo 18, sobre todo en Inglaterra. Entre las clases elitistas y aristocráticas, la acuarela fue uno de los adornos accidentales de una buena educación, especialmente para las mujeres. Por el contrario, watercoloring también fue valorado por los topógrafos, cartógrafos, militares e ingenieros por su utilidad en la representación de propiedades, terrenos, fortificaciones o la geología en el campo y para ilustrar las obras públicas o proyectos encargados. Artistas de la acuarela fueron llevados comúnmente con las expediciones geológicas o arqueológicas financiadas por la Sociedad de Dilettanti (fundada en 1733) para documentar los descubrimientos en el Mediterráneo, Asia y el Nuevo Mundo. Estos estimulan la demanda de pintores topográficas que produjo pinturas memento de sitios famosos (y lugares) a lo largo del Grand Tour a Italia que fue recorrida por cada hombre joven o mujer de moda de la época. En el siglo 18, el clérigo Inglés William Gilpin escribió una serie de libros muy populares que describen sus "pintorescos" viajes a través de Inglaterra rural y se ilustra con sus propias acuarelas monocromas sentimental de los valles fluviales, antiguos castillos e iglesias abandonadas; su ejemplo popularizó acuarelas como una forma de revista turística personal. La confluencia de estos intereses culturales, de ingeniería, científicos, turísticos y aficionados culminaron en la celebración y promoción de la acuarela como un "arte nacional" claramente Inglés. Entre los muchos acuarelistas significativa de este período fueron Thomas Gainsborough , John Robert Cozens, Francis Towne, Miguel Ángel Rooker, William Pars, Thomas Hearne y John Warwick Smith. William Blake publicó varios libros de poesía coloreada a mano grabado, ilustraciones para el Infierno de Dante, y también experimentó con gran monotipo trabaja en acuarela.

Desde finales del siglo 18 hasta el siglo 19, el mercado de los libros impresos y arte interna contribuyó sustancialmente al crecimiento del medio. Acuarelas fueron la utilizan como documento de base a partir del cual se desarrollaron paisaje o turísticos grabados coleccionables y originales de la acuarela pintados a mano o copias de cuadros famosos contribuyeron a muchas carteras de arte de clase superior. Andanadas satíricas por Thomas Rowlandson, muchos de ellos publicados por Rudolph Ackermann, también fueron muy populares.

Los tres artistas españoles acreditados con el establecimiento de la acuarela como un medio independiente, pintura madura son Paul Sandby (1730-1809), a menudo llamado "el padre de la acuarela Inglés", Thomas Girtin (1775-1802), que fue pionero en su uso para gran formato, romántica o pintoresco pintura de paisaje, y Joseph Mallord William Turner (1775-1851), quien trajo la pintura de acuarela al más alto grado de poder y refinamiento y creó con ella cientos de cuadros históricos, topográficos, arquitectónicos y mitológicos magníficas. Su método de desarrollo de la acuarela en etapas, comenzando con las zonas de color amplias, vagas establecidas en papel mojado, a continuación, el perfeccionamiento de la imagen a través de una secuencia de lavados y esmaltes, le permitió producir un gran número de pinturas con la eficiencia del taller y lo convirtió en un multimillonario en parte a través de las ventas de su galería de arte personal, la primera de su tipo. Entre los contemporáneos importantes y de gran talento de Turner y Girtin eran John Varley, John Sell Cotman, Anthony Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell y Samuel Prout. El pintor suizo Louis Ducros también fue ampliamente conocido por su gran formato, pinturas románticas de la acuarela.

La confluencia de la actividad amateur, mercados editoriales, coleccionismo clase media y técnica de la pintura del siglo 19 llevó a la formación de inglés sociedades pintura de la acuarela: la Sociedad de Pintores de Acuarelas (1804, ahora conocido como el Royal Watercolour Society), y la Sociedad Color Agua Nueva (1832). (Una Sociedad Escocesa de Pintores en el color de agua fue fundada en 1878.) Estas sociedades siempre exposiciones anuales y referencias comprador para muchos artistas y también participan en las rivalidades mezquinas de estado y debates estéticos, sobre todo entre los defensores de la tradicional ("transparentes") acuarela y la los primeros en adoptar el color posible con bodycolor o gouache (acuarela "opaco") más denso. Los períodos georgianos y victorianos tardíos producen el cenit de la acuarela británica, entre las obras más impresionantes del siglo 19 en el papel, de Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint, William Henry Hunt, John Frederick Lewis, Myles Birket Foster, Frederick Walker, Thomas Collier y muchos otros. En particular, el agraciado, lapidaria y pinturas de género atmosféricos por Richard Parkes Bonington creado una moda internacional para la pintura de acuarela, especialmente en Inglaterra y Francia, en la década de 1820.

La popularidad de acuarelas estimuló muchas innovaciones, incluyendo papeles más pesados y más fuertemente tamaño tejían y pinceles (llamados "lápices") fabricados expresamente para la pintura de acuarela. Tutoriales Acuarela fueron publicadas por primera vez en este período por Varley, Cox y otros, innovando las instrucciones paso a paso de pintura que todavía caracteriza el género hoy en día; "Los elementos de dibujo", un tutorial de la acuarela por el crítico de arte Inglés John Ruskin, ha dejado de imprimirse sólo una vez desde que se publicó por primera vez en 1857. marcas comerciales paintmaking aparecido y pinturas fueron envasados en tubos metálicos o pasteles secos que podrían ser "borró" (disuelto) en el estudio de porcelana o utilizado en portátiles cajas de pintura metálica en el campo. Avances contemporáneos en la química hicieron muchos nuevos pigmentos disponibles, incluyendo azul de Prusia, azul ultramar, azul cobalto, Viridian, cobalto violeta, amarillo de cadmio, aureolin (cobaltinitrite potasio), blanco de zinc y una amplia gama de carmín y lagos de granza. Estos a su vez estimuló un mayor uso del color a través de todos los medios de la pintura, pero en acuarelas inglés en particular por los prerrafaelistas pintores.

Pintura de la acuarela también se hizo popular en los Estados Unidos durante el siglo 19; destacados practicantes tempranos incluyen John James Audubon, así como principios Pintores Escuela del Río Hudson, como William H. Bartlett y George Harvey. A mediados de siglo, la influencia de John Ruskin dio lugar a un creciente interés en acuarelas y particularmente en el uso de un detallado estilo "Ruskinian" de artistas como John W. Henry Colina, William Trost Richards, Roderick Newman, y Fidelia Bridges. La Sociedad Americana de Pintores en Acuarela (hoy Sociedad Americana Acuarela) fue fundada en 1866. Las principales-finales del siglo 19 exponentes estadounidenses del medio incluidos Thomas Moran, Thomas Eakins, John La Farge, John Singer Sargent, Childe Hassam, y, por excelencia, Winslow Homer.

Europa

Acuarela era menos popular en el continente, aunque muchos buenos ejemplos fueron producidos por los pintores franceses, entre ellos Eugène Delacroix, François Marius Granet, Henri-Joseph Harpignies y el satírico Honouré Daumier.

Desafortunadamente la adopción descuidado y excesivo de brillantes colores, tintes derivados del petróleo (anilina y pigmentos compuestos de ellos), que se desvanecen rápidamente al exponerse a la luz, y los esfuerzos para conservar adecuadamente los 20.000 pinturas de Turner heredados por el Museo Británico en 1857, conducido a un examen y re-evaluación negativa de la permanencia de los pigmentos en la acuarela. Esto provocó un fuerte descenso en su estado y valor de mercado. Sin embargo, exponentes aislados seguían prefiriendo y desarrollar el medio en el siglo 20. En Europa, los magníficos paisajes marítimos y acuarelas fueron producidos por Paul Signac, y Paul Cézanne desarrolló un estilo de pintura de acuarela compuesto enteramente de la superposición de pequeños esmaltes de color puro.

Siglo 20

Entre los muchos artistas del siglo 20 que produjo importantes obras en acuarela, debe hacerse mención de Wassily Kandinsky, Emil Nolde, Paul Klee, Egon Schiele y Raoul Dufy; en Estados Unidos los principales exponentes incluyeron Charles Burchfield, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe , Charles Demuth y John Marin, el 80% de su producción total es de en acuarela. En este período de la acuarela de América (y el aceite) la pintura era a menudo imitativa del Europeo impresionismo y post-impresionismo, pero el individualismo significativo floreció dentro de los estilos "regionales" de la pintura de la acuarela en la década de 1920 a 1940, en particular el " Cleveland School "o" Escuela de Ohio "de pintores centran en la Cleveland Museum of Art y el " Pintores Ambiente de California ", muchos de ellos asociados con los estudios de animación de Hollywood o la Instituto de Arte Chouinard (ahora California Institute of the Arts). Los pintores de California explotados variada geografía de su estado, el clima mediterráneo y "automovilidad" revigorizar el exterior o la tradición "plein air"; entre los más influyentes fueron Phil Dike, Millard Sheets, Rex Brandt, Dong Kingman y Milford Zornes. La Sociedad del color de agua de California, fundada en 1921 y más tarde rebautizado como Sociedad Nacional de la Acuarela, patrocinado exposiciones importantes de su trabajo.

Aunque el aumento de la expresionismo abstracto, y la influencia trivialización de pintores aficionados y estilos de pintura y publicidad o taller de influencia, condujo a una disminución temporal de la popularidad de la pintura de acuarela después c.1950, acuarelas siguen siendo utilizados por artistas como Joseph Raffael, Andrew Wyeth, Philip Pearlstein, Eric Fischl, Gerhard Richter, Anselm Kiefer y Francesco Clemente. En España, Ceferino Olivé creado un estilo innovador, también seguido por sus estudiantes, tales como Rafael Alonso López-Montero y Francesc Torné Gavaldà. En México los principales exponentes son Ignacio Barrios, Edgardo Coghlan, Ángel Mauro, Vicente Mendiola y Pastor Velázquez.

Modernos pinturas de acuarela ahora son tan duraderos y colorido como aceite o acrílico pinturas, y el reciente renovado interés por el dibujo y el arte multimedia también ha estimulado la demanda de trabajos finos en acuarela. Como los mercados de arte continúan expandiéndose, sociedades pintura continúan agregando miembros y el envejecimiento baby boomers se jubilan cada vez más a pasatiempos más contemplativas, de la acuarela en el amateur y el nivel profesional sigue siendo cada vez más y más popular.

Pintar

Pintura de la acuarela consta de cuatro ingredientes principales:

• pigmentos , naturales o sintéticos, minerales u orgánicas;
• goma árabe como un aglutinante para mantener el pigmento en suspensión y fijar el pigmento a la superficie de la pintura;
• aditivos como glicerina, hiel de buey, la miel , conservantes: para alterar la viscosidad, la clandestinidad, la durabilidad o el color del pigmento y vehículo de mezcla; y
• solvente, la sustancia utilizada para diluir o diluir la pintura para la aplicación y que se evapora cuando la pintura se endurece o se seca.

El término " watermedia "se refiere a cualquier medio de la pintura que utiliza agua como disolvente y que se puede aplicar con un pincel , bolígrafo o pulverizador; esto incluye más tintas, acuarelas , témperas, gouaches y moderno pinturas acrílicas.

El término se refiere a las pinturas de acuarela que utilizan solubles en agua, hidratos de carbono complejos como aglutinante. Originalmente (siglos 16 al 18) aglutinantes acuarela fueron azúcares y / u ocultar las colas, pero desde el siglo 19 el aglutinante preferido es natural, goma árabe, con glicerina y / o la miel como aditivos para mejorar la plasticidad y la disolubilidad del aglutinante, y con otros productos químicos añadidos para mejorar la vida útil del producto.

Bodycolor se refiere a pintar que es opaco en vez de, acuarela generalmente opaca transparente, que también se conoce como gouache. Pinturas acrílicas modernas se basan en una química completamente diferente que utiliza solubles en agua resina acrílica como aglutinante.

Acuarelas Comerciales

Acuarelistas antes c.1800 tuvieron que hacer pinturas a sí mismos utilizando pigmentos comprados a un boticario o "Colourman" especializado; las pinturas comerciales más tempranas eran pequeños bloques, resinosos que tuvieron que ser humedecida y laboriosamente "borró" en el agua. William Reeves (1739-1803) establecido en el negocio como un Colorman sobre 1766. En 1781 él y su hermano, Thomas Reeves, se adjudicaron la Paleta de Plata de la Sociedad de las Artes, por la invención de la acuarela húmeda de pintura pastel, una conveniencia de la introducción de los cuales coincide con la "edad de oro" de la pintura de acuarela Inglés de ahorro de tiempo.

Modernos pinturas de acuarelas comerciales están disponibles en dos formas: tubos o sartenes. La mayoría de las pinturas son vendidos en tubos metálicos plegables en tamaños estándar (típicamente 7,5, 15 o 37 ml.), Y se formulan a una consistencia similar a la pasta de dientes. Pinturas Pan (en realidad, pequeñas tortas o barras de pintura en un recipiente de plástico abierta secas) se venden generalmente en dos tamaños, sartenes completas (aproximadamente 3 cc de pintura) y sartenes media (favorecidos por cajas de pinturas compactos). Pans son históricamente más viejo, pero comúnmente se percibe como menos conveniente; que son los más utilizados en cajas de pintura de metal portátiles, también introdujo a mediados del siglo 19, y son los preferidos por el paisaje o los pintores naturalistas.

Entre las marcas más utilizadas de acuarelas comerciales actuales son Daler Rowney, Daniel Smith, DaVinci, Holbein, Maimeri, M. Graham. Reeves, Schmincke, Sennelier, Talens, y Winsor & Newton.

Gracias a la química moderna industrial ecológica, la variedad, la saturación (brillo) y la permanencia de los colores de los artistas disponibles en la actualidad es mayor que nunca. Sin embargo, la industria de materiales de arte es demasiado pequeña como para ejercer alguna influencia en el mercado de tinte global o la fabricación de pigmentos. Con raras excepciones, todas las pinturas modernas acuarela utilizan pigmentos que fueron fabricados para su uso en tintas de impresión, pinturas automotrices y arquitectónicas, manchas de madera, hormigón, cerámica y plásticos colorantes, envase de consumo, alimentos, medicinas, textiles y cosméticos. Los fabricantes de pintura compran muy pequeños suministros de estos pigmentos, molino (mecánica de la mezcla) con el vehículo, solventes y aditivos, y el paquete de ellos.

Nombres de Color

Muchos artistas están confundidos o engañados por las prácticas de etiquetado comunes en la industria de materiales de arte. El nombre comercial de una pintura, como "indio amarillo" o "verde esmeralda", es a menudo sólo una evocación poética de color o apodo de propiedad; no hay ningún requisito legal que describe el pigmento que da a la pintura su color.

Para remediar esta confusión, en 1990 la industria de materiales de arte voluntariamente empezó a publicar los ingredientes de pigmento en el envase de pintura, utilizando el nombre de pigmento común (como "azul cobalto" o "rojo de cadmio"), y / o un código de identificación de pigmentos estándar, el nombre genérico índice de color (PB28 para el azul cobalto, PR108 para el rojo cadmio) asignado por la Sociedad de Tintoreros y Coloristas (Reino Unido) y la Asociación Americana de Químicos y Coloristas Textiles (EE.UU.) y conocido como el Colour Index International. Esto permite a los artistas para elegir pinturas de acuerdo con sus ingredientes de pigmento, en lugar de las etiquetas poéticas asignadas a ellos por los vendedores. Pintura pigmentos y formulaciones varían entre los fabricantes, y las pinturas de acuarela con el mismo nombre de color (por ejemplo, "verde savia") de diferentes fabricantes pueden ser formulados con ingredientes completamente diferentes.

Transparencia

Pinturas de la acuarela son habitualmente evaluados en unos pocos atributos clave. En los debates partidistas del mundo del arte Inglés del siglo 19, gouache fue enfático en contraste con acuarelas tradicionales y denigrado por su alto poder cubriente o la falta de "transparencia"; Fueron exaltados acuarelas "transparentes". Las pinturas con bajo poder escondite se valoran porque permiten un dibujo subyacente o grabado para mostrar en la imagen, y porque los colores se pueden mezclar visualmente por capas de pinturas en el papel (que en sí puede ser blanco o coloreado). El color resultante cambiará dependiendo del orden de estratificación de los pigmentos. De hecho, hay muy pocas acuarelas genuinamente transparentes, tampoco hay acuarelas completamente opacos (con la excepción de la aguada); y cualquier pintura de acuarela puede ser más transparente simplemente diluyendo con agua.

Colores "transparentes" no contienen dióxido de titanio (blanco) o más de la pigmentos de la tierra ( siena, umber, etc.) que son muy opaco. La afirmación del siglo 19 que acuarelas "transparentes" ganancia "luminosidad" porque funcionan como un panel de vidrio de color establecido en el papel - el color se intensificó debido a que la luz pasa a través del pigmento, se refleja en el papel, y pasa una segunda vez a través de la pigmento en su camino hacia el espectador-es falso: las pinturas de acuarela no forman una capa de pintura de cohesión, al igual que acrílico o pinturas de aceite, sino que simplemente se dispersan pigmentos partículas azar a través de la superficie del papel. Acuarelas son más intensos que los acrílicos o aceites porque los pigmentos se establecen en una forma más pura, con menos cargas (tales como caolín) oscurecer los colores pigmento. Las múltiples capas de acuarela no logran un efecto muy luminoso debido a menos cargas que oscurecen las partículas de pigmento.

Características Pigmentos

La tinción es una característica asignada a las pinturas de acuarela: una pintura tinción es difícil de quitar o de ascensor desde el soporte de la pintura después de que se ha aplicado o seca. Colores de tinción Menos pueden aclararse o eliminarse casi por completo cuando está mojado, o cuando se vuelven a humedecer y luego "levantados" por acariciar suavemente con un cepillo limpio, húmedo y luego borrados con una toalla de papel. De hecho, las características de tinción de una pintura dependen en gran parte de la composición del soporte (papel) en sí, y en el tamaño de partícula del pigmento. La tinción se incrementa si el fabricante de la pintura usa un dispersante para reducir el tiempo de molienda de pintura (mezcla), porque los actos dispersantes para conducir las partículas de pigmento en las grietas en la pasta de papel, embotamiento el color final.

Granulación se refiere a la aparición de partículas de pigmento, visibles separadas en el color de acabado, producido cuando la pintura se diluye sustancialmente con agua y se aplica con un trazo de pincel jugosa; pigmentos notables para su granulación acuarela incluyen Viridian (PG18), azul cerúleo (PG35), violeta de cobalto (PV14) y algunos pigmentos de óxido de hierro (PBr7).

La floculación se refiere a una formación de grumos peculiar típico de pigmentos ultramar (PB29 o PV15). Ambos efectos se muestran los efectos sutiles de agua como la pintura se seca, son exclusivos de acuarelas, y se consideran atractiva por acuarelistas consumados. Esto contrasta con la tendencia en las pinturas comerciales para suprimir texturas de pigmento a favor de color homogéneo y plana.

Grados

Pinturas de acuarela Comerciales vienen en tres grados: "Artista" (o "Professional"), "Estudiantes", y "Scholastic".

• Acuarelas del artista contienen una carga de pigmento completo, suspendido en un aglutinante, generalmente goma natural árabe. Pinturas de calidad del artista se formulan usualmente con menos cargas ( caolín o tiza) que se traduce en más rica de color y mezclas vibrantes. Acuarelas convencionales se venden en forma húmeda, en un tubo, y se adelgazan y se mezclan en un plato o paleta. Úsalos en papel y otras superficies absorbentes que se han preparado para aceptar pintura a base de agua.
• Pinturas de grado del estudiante tienen menos pigmento, y con frecuencia se formulan utilizando dos o más pigmentos menos costosos. Acuarelas estudiantiles tienen características de trabajo similares a las acuarelas profesionales, pero con menores concentraciones de pigmento, fórmulas menos costosas, y una gama menor de colores. Pigmentos más caros se replican en general por tonos. Los colores se Diseñado para ser mezclado, aunque la intensidad de color es menor. Hues pueden no tener las mismas características de la mezcla como colores regulares resistencia completa.
• Acuarelas Scholastic vienen en sartenes en lugar de tubos, y contienen pigmentos de bajo costo y colorantes suspendidas en un ligante sintético. Formulaciones lavables cuentan con colores que se eligen para ser no mancha, fácilmente lavable, adecuado para su uso incluso para los niños pequeños con una supervisión adecuada. Son una excelente opción para la enseñanza de los artistas principiantes las propiedades de color y las técnicas de la pintura.

Reservas

Como no hay una acuarela blanco transparente, las partes blancas de una pintura de la acuarela son más a menudo áreas del papel "reservada" (izquierda sin pintar) y se dejó ver en la obra terminada. Para preservar estas áreas blancas, muchos pintores usan una variedad de resiste, incluyendo cinta adhesiva, cera transparente o un látex líquido, que se aplican sobre el papel para protegerlo de la pintura, luego se apartaron para revelar el papel blanco. Resista la pintura también puede ser una técnica eficaz para el comienzo de los artistas de la acuarela. El pintor puede usar crayones de cera o pasteles de aceite antes de pintar el papel. La cera o aceite medios repelen, o se resisten a la pintura de acuarela. Pintura blanca ( dióxido de titanio o PW6 óxido de zinc PW4) es la mejor opción para insertar mechas o acentos blancos en una pintura. Si se mezcla con otros pigmentos, pinturas blancas pueden hacer que se desvanecen o cambian el tono bajo exposición a la luz. Pintura blanca ( gouache) mezclado con un "transparente" pintura de acuarela hará que la transparencia a desaparecer y que la pintura se verá mucho más apagado. Pintura blanca aparecerá siempre aburrida y calcáreo junto al blanco del papel; sin embargo, esto puede ser utilizado para algunos efectos.

Cepillos

Un cepillo consta de tres partes: el mechón, la férula y el mango.

• El penacho es un haz de pelos de animales o fibras sintéticas atadas firmemente juntos en la base;
• La férula es un manguito metálico que rodea el mechón, da el mechón su forma de sección transversal, proporciona soporte mecánico a presión, y protege del agua el desgaste de la junta de cola entre el recortado, base plana de los mechones y el mango;
• El mango de madera laqueada, que suele ser más corta en un pincel de acuarela que en un cepillo de la pintura al óleo, tiene una clara forma-ancha justo detrás de la férula y se afina hacia la punta.

Cuando la pintura, pintores suelen tener el pincel justo detrás de la férula de las pinceladas más suaves.

Los pelos y fibras

Cepillos sostienen pintura (la "perla") a través de la la acción capilar de los pequeños espacios entre los pelos de mechones o fibras; la pintura se libera a través del contacto de la pintura húmeda y el papel seco y la flexión mecánica del penacho, que abre los espacios entre los pelos de mechones, la relajación de la restricción capilar en el líquido. Debido a que la pintura de acuarela adelgazado es mucho menos viscoso que el aceite o acrílico pinturas, los pinceles preferidos por los pintores de acuarela tienen un penacho más suave y más denso. Esto se logra habitualmente mediante el uso de cabello natural cosechado de los animales de granja planteado o atrapado, en particular, sable, ardilla o mangosta. Cepillos menos costosos, o cepillos diseñados para el trabajo grueso, pueden utilizar la crin y cerdas de cerdo o buey hocico, las orejas.

Sin embargo, como con las pinturas, la química moderna ha desarrollado muchas fibras sintéticas y de forma que rivalizan con la rigidez de las cerdas y imitan el resorte y la suavidad del cabello natural. Hasta hace relativamente poco, cepillos de nylon no pudo contener un depósito de agua en absoluto por lo que eran muy inferiores a los cepillos de pelo natural. En los últimos años, las mejoras en la celebración y señalando propiedades de filamentos sintéticos ellos han ganado mucha mayor aceptación entre los acuarelistas.

No hay regulación de los mercados en el etiquetado se aplica a los pinceles de artistas, pero la mayoría de los cepillos de premios acuarelistas de kolinsky (rusos o chinos) sable. Lo mejor de estos pelos tienen un característico color marrón rojizo, más oscuro cerca de la base, y un eje cónico que se señaló en la punta, pero más ancho a mitad de camino hacia la raíz. Pelo de ardilla es bastante delgada, recta y típicamente oscuro, y hace mechones con una muy alta capacidad de líquido; mangosta tiene una sal y pimienta coloración característica. Los cepillos de cerda son más rígidos y de color más claro. "Camello" a veces se utiliza para describir los pelos de varias fuentes (ninguno de ellos un camello).

En general, los pinceles de pelo natural tienen chasquido y apuntando superior, una mayor capacidad (mantener un cordón más grande, producir una carrera más larga continua, y la mecha hasta más pintura en húmedo) y una liberación más delicada. Los pinceles sintéticos tienden a volcar demasiado de la perla pintura al comienzo del trazo de pincel y dejar un charco más grande de pintura cuando el cepillo se levanta del papel, y no pueden competir con el señalador de pinceles de marta naturales y son mucho menos duradero . Por otro lado, son generalmente mucho más barato que el pelo natural, y los mejores pinceles sintéticos son ahora muy útil; también son excelentes para texturizar, dando forma o color de elevación, y para la tarea mecánica de romper o pintura frotando disolverlo en agua.

Un pincel de pelo de alta calidad tiene cinco atributos clave: apuntando (en una ronda, la punta del mechón trata de una punta fina, precisa que no separados o escisión, en un piso, el mechón forma una navaja borde delgado, perfectamente recto) ; complemento (o "primavera"; el mechón se flexiona en respuesta directa a la presión aplicada al papel, y rápidamente vuelve a su forma original); la capacidad (el mechón, por su tamaño, tiene una gran gota de pintura y no libera como el cepillo se mueve en el aire); de liberación (la cantidad de pintura liberada es proporcional a la presión aplicada al papel, y el flujo de pintura puede ser controlada precisamente por la presión y la velocidad de la carrera como el cordón de pintura se agota ); y durabilidad (un cepillo de calidad grande, alto puede soportar décadas de uso diario).

La mayoría de los pinceles de pelo natural se venden con el mechón en forma cosméticamente con almidón o goma, por lo que los cepillos son difíciles de evaluar antes de comprar, y la durabilidad es evidente sólo después de un uso prolongado. Las fallas más comunes de pinceles de pelo natural son que el penacho arroja pelos (aunque un poco derramamiento es aceptable en un nuevo cepillo), la férula se afloja, o el mango de madera se contrae, se comba, grietas o escamas de su capa de laca.

Formas

Cepillos naturales y sintéticos se venden con la forma de mechón para diferentes tareas. Entre los más populares son:

• Rondas. El penacho tiene una sección transversal redonda, pero un perfil cónico, más ancho cerca de la férula (la "panza") y afilada en la punta (el "punto"). Estos son los cepillos de propósito general que pueden abordar casi cualquier tarea.
• Pisos. El penacho es comprimido lateralmente por la férula en una cuña plana; el mechón aparece cuadrada cuando se ve desde el lado y tiene un borde perfectamente recto. "Brights" son pisos en el que el penacho es tan larga que ancha; Cepillos "un golpe" son más largos que su anchura. "cepillos Sky" o "cepillos de lavado" se ven como cepillos housepainting miniatura; el mechón es generalmente de 3 cm a 7 cm de ancho y se utiliza para pintar grandes superficies.
• Lampazos (cabello natural solamente). Un cepillo redondo, generalmente de pelo de ardilla y, de forma decorativa, con una férula de pluma de ave que se envuelve con alambre de cobre; estos tienen una capacidad muy alta para su tamaño, especialmente bueno para mojado en la pintura húmeda o de lavado; cuando está húmedo que pueden absorber grandes cantidades de pintura.
• Avellana (o "lengua de gato", pelo solamente). Un cepillo híbrido: un plano que llega a un punto, como una ronda, útil para pinceladas de forma especial.
• (Sólo pelo) Aparejador. Un extremadamente largo, mechón delgado, originalmente utilizado para pintar el aparejo en retratos náuticas.
• Fan. Un pequeño apartamento en el que el mechón se extendió en forma de abanico; utilizado para texturizar o pintar, líneas de rayado paralelas irregulares.
• Acrílico. Un cepillo con cerdas sintéticas plana, unida a una (generalmente transparente) mango de plástico con una punta biselada utilizado para la puntuación o raspado.

Un solo cepillo puede producir muchas líneas y formas. Una "vuelta", por ejemplo, puede crear líneas finas y gruesas, tiras anchas o estrechas, curvas y otros efectos pintados. Un cepillo plano cuando se utiliza en el extremo puede producir líneas finas o guiones, además de la amplia franja típica con estos cepillos, y sus pinceladas mostrar el ángulo característico de las esquinas de mechones.

Cada acuarelista trabaja en géneros específicos y tiene un estilo de pintura personal y la "disciplina de herramientas", y éstos determinan en gran medida su preferencia por los pinceles. Los artistas suelen tener algunos favoritos y hacer más trabajo con sólo uno o dos cepillos. Cepillos suelen ser el componente más costoso de las herramientas del acuarelista, y una selección de cepillo de propósito general mínimo incluirían:

• 4 ronda (para el detalle y pincel seco)
• 8 ronda
• 12 o 14 ronda (para grandes áreas de color o lavados)
• 1/2 "o 1" plana
• 12 mop (para los lavados y capilaridad)
• 1/2 "de acrílico (para disolver o mezclar pinturas, y fregar las pinturas antes de levantar desde el papel)

Los principales fabricantes de pincel de acuarela incluyen DaVinci, Escoda, Isabey, Rafael, Kolonok, Robert Simmons, Daler-Rowney, Arcos y de Winsor & Newton. Al igual que con los papeles y pinturas, es común que los minoristas encargan cepillos bajo su propio sello de un fabricante establecido. Entre ellas se encuentran barato Joe, Daniel Smith, Dick Blick y Utrecht.

Tamaños

El tamaño de un cepillo redondo se designa por un número, que puede variar de 0000 (para una muy pequeña vuelta) a 0, a continuación, del 1 al 24 o superior. Estas cifras se refieren al tamaño de las latón molde brushmakers ' utilizado para dar forma y alinear los pelos del mechón antes de que se liga y se recorta, y como con hormas de zapatos, estos tamaños varían de un fabricante a otro. En general un cepillo redondo # 12 tiene un mechón de aproximadamente 2 a 2,5 cm de largo; penachos son generalmente más gorda (más amplio) en cepillos en Inglaterra que en cepillos en el continente: un # 14 ronda alemán o francés es aproximadamente el mismo tamaño que un Inglés # 12. Pisos pueden ser designados ya sea por un sistema de numeración similar pero separado, pero más a menudo se describen por el ancho de la virola, medida en centímetros o pulgadas.

Lápiz de la acuarela

Lápiz de la acuarela es otra herramienta importante en técnicas de acuarelas. Esta hidrosoluble de color lápiz permite dibujar los detalles finos y mezclar con agua. Tomó nota de los artistas que usan lápices acuarelables incluyen ilustrador Travis Charest. Una herramienta similar es el pastel de la acuarela, más amplio que el lápiz de la acuarela, y capaz de cubrir rápidamente una gran superficie.

Papel

La mayoría de los acuarelistas antes c.1800 tuvieron que utilizar cualquier papel estaba a la mano: Thomas Gainsborough estaba encantado de comprar un poco de papel utilizado para imprimir una guía turística de baño, y el joven David Cox preferido un papel pesado usado para envolver paquetes.James Whatman ofreció por primera vez untejió el papel de acuarela en 1788, y la primera machinemade ("cartucho") papeles de un molino accionado a vapor en 1805.

Todos los papeles de arte pueden ser descritos por ocho atributos: el acabado, color, peso, final, el tamaño, las dimensiones, la permanencia y el embalaje. Pintores Acuarela normalmente pintan en el papel específicamente formulado para aplicaciones watermedia. Papeles watermedia Bellas son fabricados bajo las marcas de los Arcos, Bockingford, Cartiera Magnani, Fabriano, Hahnemuehle, Lanaquarelle, El Langton, El Langton Prestige, Millford, Saunders Waterford, Gran Colombia, Winsor & Newton y Zerkall; y ha habido un reciente resurgimiento notable en papeles hechos a mano, especialmente los de Twinrocker, Velke Losiny, Ruscombe Mill y St. Armand.

Amueblar

La materia prima o material contenido tradicional de papeles de acuarela es la celulosa, un hidrato de carbono estructural que se encuentra en muchas plantas. Las fuentes más comunes de celulosa de papel son el algodón, el lino, o alfa celulosa extraída de la pulpa de madera. Para hacer papel, la celulosa se ​​humedece, mecánicamente o macerado golpeó, tratada químicamente, se enjuaga y se filtró a la consistencia de la harina de avena fina, se vertió luego en moldes de fabricación de papel. En hechos a mano los papeles, la pulpa es la mano vierte ("cast") en moldes de papel individuales (una pantalla de malla estirada dentro de un marco de madera) y se agita con la mano en una capa uniforme. En la producción de papel industrial, la pulpa está formada por grandes máquinas de fabricación de papel que se propagan al papel cilindros ya sea-grandes cilindros metálicos calentados que giran a gran velocidad ( Machinemade documentos) o cilindros de malla de alambre que giran a baja velocidad ( mouldmade papeles). Ambos tipos de máquina de producir el papel en un rollo o continuo web , que se corta entonces en hojas individuales.

Peso

El peso base del papel es una medida de su densidad y espesor. Se describe como el peso en gramos de un metro cuadrado de una sola hoja de papel, o gramos por metro cuadrado (gsm). La mayoría de los papeles de acuarela que se venden hoy en día están en el rango entre 280 gsm a 640gsm. (El sistema imperial anterior, expresado como el peso en libras de una resma o 500 hojas de papel, independientemente de su tamaño, obsoleto en algunas zonas, está siendo utilizado en los Estados Unidos. Los pesos más comunes en virtud de este sistema son 300 libras (más pesado), papel de 200 libras 140 libras, y el 90 lb.) Más pesado a veces es preferible a un peso más ligero o papel más delgado, ya que no se tuerce y tiene capacidad para fregar y lavados extremadamente húmedas. Los papeles de la acuarela son típicamente casi un blanco puro, a veces ligeramente amarillo (llamado blanco natural), aunque muchos papeles tintados o coloreados están disponibles. Un importante de diagnóstico es el traqueteo del papel, o el sonido que hace cuando se mantiene en alto por una esquina y se agita vigorosamente. Documentos que son densos y hechas de pulpa muy macerado tener un traqueteo metálico brillante, mientras que los papeles que son esponjoso o hecha con pulpa ligeramente macerado tienen un sonajero de goma amortiguado.

Acabado

Todos los papeles obtener una textura del molde utilizado para hacerlos: a tejió resultado de brillo de una pantalla metálica uniforme (como una pantalla de ventana); un pusieron resultado de brillo de una pantalla hecha de alambres horizontales estrechamente espaciados separados por alambres verticales muy espaciados. El acabado también se ve afectada por los métodos utilizados para mecha y secar el papel después de que se "redactado" (eliminado) del molde de papel o se retira el cilindro de fabricación de papel.

Los papeles de la acuarela vienen en tres acabados básicos: caliente prensadas (HP), presión en frío (CP, o en el Reino Unido "No", porque "no prensado en caliente"), y rugoso (R). Estos varían mucho de un fabricante a otro.

• Papeles ásperos suelen secan colgándolos como lavandería ("secado desván") para que las hojas no estén expuestos a ningún tipo de presión después de que se expresan; el acabado tejió tiene una picada, textura desigual que es muy apreciado por su capacidad para acentuar la textura de los pigmentos de acuarela y pinceladas.
• Prensado en frío papeles se secan en grandes pilas, entre absorbente sintió mantas; Esto actúa para aplanar aproximadamente la mitad de la textura encontrada en las hojas en bruto. Documentos CP se valoran por su versatilidad.
• Hot presionado papeles son hojas prensadas en frío que se pasan a través, cilindros calentados compresión de metal (llamado "calendario"), que Aplasta todo la textura de las hojas. Papeles HP se valoran porque son relativamente no absorbente: pigmentos permanecen en la superficie del papel, iluminando el color, y el agua no se absorbe, por lo que puede producir una variedad de manchas de agua o marcas mientras se seca.

Estas designaciones son sólo relativa; el documento CP de un fabricante puede ser más duro que el documento R de otro fabricante. Fabriano incluso ofrece una "prensa blando" (SP) lámina intermedia entre CP y HP.

Dimensionamiento

Los papeles de la acuarela son tradicionalmente de tamaño, o tratados con una sustancia para reducir la absorción de celulosa. Encolado interno se añade a la pasta de papel después del aclarado y antes de que se cuela en el molde de papel; dimensionamiento "bañera" externo o se aplica a la superficie del papel después de que el papel se haya secado. El dimensionamiento tradicional ha sido gelatina, goma árabe o colofonia, aunque sustitutos sintéticos modernos ( dímeros de alquilo tales como Aquapel) se utilizan ahora en su lugar. Los papeles altamente absorbentes que no contienen dimensionamiento se designan waterleaf .

Dimensiones

La mayoría de los trabajos de arte se venden como hojas sueltas de papel en tamaños estándar. El más común es la hoja completa (22 "x 30"), y hojas medio hojas (15 "x 22") o un cuarto (15 "x 11") derivada de ella. Hojas más grandes (y menos estandarizados) incluyen la doble elefante (a menos de una pulgada o dos de 30 "x 40") y emperador (40 "x 60"), que son las hojas más grandes disponibles en el mercado. Los trabajos también se fabrican en rollos, hasta alrededor de 60 "de ancho y 30 pies de largo. Por último, los documentos también se venden como acuarela" bloques ", un pad de 20 o más hojas de papel, corte de idénticas dimensiones y pegado en los cuatro lados , lo que proporciona una gran estabilidad dimensional y la portabilidad, aunque los papeles de bloque tienden a tener acabados suaves. El pintor sólo funciona en la hoja expuesta y, cuando terminó, utiliza un cuchillo para cortar el adhesivo alrededor de los cuatro lados, que separa la pintura y revelar la fresca papel debajo.

Permanencia

Por último, los mejores trabajos de arte se designan archivística , lo que significa que va a durar sin deterioro significativo durante un siglo o más. Archivo significa que los papeles están hechos totalmente de celulosa de alta alfa o algodón o lino de fibra 100% (es decir, que se lignina , como causas de lignina oscurecimiento y fragilización bajo exposición a la luz), pH neutro (lo que significa que no hay acidez residual que queda de el tratamiento químico de la pulpa), tamponada (una pequeña cantidad de un compuesto alcalino, por lo general carbonato de calcio, se añade a la pasta para neutralizar el efecto de los ácidos atmosféricos), y libre de cualquier abrillantadores de papel artificiales o blanqueadores (por ejemplo, colorantes ultravioleta ). Las denominaciones de contenido "100% algodón" o "100% de trapo de algodón" tienen poca importancia a la calidad real o manipulación de los atributos del papel. (Una amplia gama de papeles que utilizan fibras vegetales alternativos, algunos de ellos no archivística, están disponibles de los fabricantes asiáticos, algunos pintores de acuarela incluso emplean láminas de plástico imprimible, se vende bajo marcas como Yupo y Polyart.) Papel sintético tiene un alto ph valor y funciona bien con toda la pintura watermedia

Prueba de calidad

Una prueba útil de la calidad del papel es simplemente para quemar un pequeño trozo de papel en un cenicero: celulosa pura completamente quema a una ceniza gris blanquecino tenue. La capacidad de absorción de un artículo es evaluado por lamerlo. La resistencia mecánica del papel se evalúa repetidamente doblándola hacia atrás y adelante a lo largo de un solo pliegue. La estabilidad del papel (cantidad de cockling cuando empapado) y su respuesta a la pintura de elevación (el papel no debe triturar o romper) es mejor probado por hacer una pintura en él.

Extensión

Todas las fibras de celulosa absorben la humedad y se expanden a lo largo de la longitud de la fibra cuando está mojado; esto produce el pandeo familiares o deformación llama cockling . Uniformemente humedecida, papeles Machinemade típicamente enrollamiento a lo largo de una dimensión, revelando la curvatura del cilindro que se formaron en; algunos papeles mouldmade y todos los papeles hechos a mano berberechos en un patrón irregular aleatorio. Papeles hechos a mano por lo general tienen cuatro deckles naturales (plumas, bordes irregulares) dejados por el molde de papel; mouldmade papeles tienen dos deckles naturales a lo largo de los bordes de la banda, y dos deckles simulados producidos por el corte de la hoja con un chorro de agua comprimida; papeles Machinemade no tienen deckles.

En el siglo 19, antes de la alta calidad moderno y pesos pesados ​​de papel estaban disponibles, los pintores de acuarela prefirieron papeles "estirar" antes de pintar sobre ellos, para minimizar o eliminar cockling y proporcionar un soporte firme pintura. El documento fue primero completamente sumergido en agua durante 10 a 15 minutos, y luego puso completamente plano en un tablero. Los bordes del papel se fijaron con cinta engomada, pegamento almidón o tachuelas, y el documento se dejan secar. (Como papel se seca se encoge, produciendo una alta tensión a través de la superficie del papel; pintado en cuando, esta tensión toma la expansión producida por el cockling papel, de modo que el papel permanece plana). Cuando la pintura se terminó, el ​​engomado o pegado borde del papel, incluyendo el deckle (que fue considerado antiestético) se recorta. Muchos pintores de acuarela todavía estirar sus papeles, sino porque deckles naturales son apreciados hoy por su efecto decorativo, hecho a mano, la preferencia moderna es trabajar en papeles sin estirar, ya sea mediante el uso de un peso pesado de papel, al permitir que el papel se seque antes de que sea demasiado saturado, o explotando los efectos artísticos que cockling puede producir.

Técnicas

Pintura de la acuarela tiene la reputación de ser muy exigente; es más exacto decir que las técnicas de la acuarela son exclusivos de la acuarela. A diferencia del petróleo o la pintura acrílica, donde las pinturas esencialmente quedan donde se ponen y se secan más o menos en la forma que se aplican, el agua es un socio activo y complejo en el proceso de pintura de acuarela, cambiando tanto la capacidad de absorción y la forma del papel cuando es húmedo y los contornos y el aspecto de la pintura mientras se seca. La dificultad en la pintura acuarela es casi en su totalidad en aprender a anticipar y aprovechar el comportamiento del agua, en lugar de intentar controlar o dominarlo.

Muchas dificultades ocurrir porque las pinturas de acuarela no tienen alto poder cubriente, por lo que los esfuerzos anteriores no pueden ser simplemente pintado; y el soporte del papel es a la vez absorbente y delicado, por lo que las pinturas no pueden ser simplemente raspan, al igual que la pintura al óleo de un lienzo, pero deben ser laboriosamente (ya menudo sólo parcialmente) levantado por rehumectación y secante. A menudo, esto induce a los estudiantes pintores ansiedad pronunciada y la inhibición sobre la fabricación de un error irreversible. Acuarela tiene una asociación de larga data con el dibujo o grabado, y el procedimiento común para reducir este tipo de errores es hacer una precisión, débil esbozo de dibujo a lápiz del tema a pintar, usar cepillos pequeños, y para pintar áreas limitadas de la pintura única después de todas las áreas de pintura adyacentes han secado completamente.

Otra característica de las pinturas de acuarela es que el aglutinante de hidratos de carbono es sólo una pequeña proporción del volumen de pintura en bruto, y gran parte del aglutinante se dibuja entre las fibras de celulosa hidrófilos de papel húmeda como la pintura (y papel) se seca. Como resultado, las pinturas de acuarela no forman una capa envolvente de vehículos alrededor de las partículas de pigmento y una película continua de vehículo se seca sobre el apoyo pintura, pero dejan partículas de pigmento dispersas y multifilares como pequeños granos de arena en el papel. Esto aumenta la dispersión de la luz tanto del pigmento y superficies de papel, causando un blanqueamiento característica o aclaramiento del color de la pintura mientras se seca. Las partículas de pigmento expuestas también son vulnerables a la luz ultravioleta dañina, lo que puede poner en peligro la permanencia de pigmento.

Backruns (también llamadas floraciones, oozles, marcas de agua, lavados o escurridos). Debido a que las fibras de celulosa hidrófilos y estrechamente espaciados del papel proporcionan tracción para la acción capilar, el agua y la pintura húmeda tienen una fuerte tendencia a migrar de húmedo a las superficies secas de la pintura. Como la zona más húmeda empuja dentro de la secadora, se ara hasta pigmento largo de su borde, dejando un área de color más claro detrás de él y una banda más oscura de pigmento largo de un borde irregular, serrado. Backruns pueden ser sutiles o pronunciada, dependiendo de la consistencia de la pintura en las dos zonas y la cantidad de desequilibrio de humedad. Backruns pueden ser inducidas mediante la adición de más pintura o agua a una zona de pintura cuando se seca, o mediante secado (secado) un área específica de la pintura, haciendo que el más húmedo áreas a arrastrarse en que lo rodea. Backruns se utilizan a menudo para simbolizar un destello de la luz o el contorno de iluminación en un objeto, o simplemente para el efecto decorativo.

Pintura de Difusión . Debido a desequilibrio osmótico, pintura concentrada aplicada a un papel prehumedecida tiene una tendencia a difundirse o expandirse en el agua pura que lo rodea, sobre todo si la pintura ha sido molido usando un dispersante (agente tensioactivo). Esto produce una característica plumoso, delicado borde alrededor de la zona de color, que se puede mejorar o parcialmente en forma de por la inclinación de la superficie del papel antes de que se seque el agua, dando forma a la difusión con el flujo de agua de la superficie.

Echar Color . Algunos artistas vierten grandes cantidades de pintura ligeramente diluida en áreas separadas de la superficie de la pintura, a continuación, mediante el uso de un cepillo, una botella de agua y / o inclinación juiciosa del soporte pintura aerosol, hacen que las zonas húmedas se fusionen con suavidad y se mezclan. Después de que el color se ha mezclado y se deja reposar durante unos minutos, la pintura se inclina verticalmente a la hoja todo el exceso de humedad (los colores más claros a través de las más oscuras), dejando tras de sí un papel manchado con variaciones de color, delicados al azar, lo que puede estar en forma aún más con un pincel mojado o añadido de pintura, mientras que el papel está todavía húmeda. Una variación popular utiliza áreas separadas de pintura roja, amarilla y azul, que cuando se mezclaba y se drena producir un efecto llamativo de la luz en la oscuridad; áreas de blanco se reservan cubriendo primero con una película de plástico, cinta adhesiva o un látex líquido resistir. (La técnica fue inventado, y se utiliza para efecto similar, por JMW Turner .)

En el otro extremo de húmedo en las técnicas húmedas, pincel seco es la técnica de la acuarela por la precisión y el control, supremamente ejemplifica en muchas pinturas botánicas y en las acuarelas drybrush de Andrew Wyeth. crudo (sin diluir) la pintura es recogido con una prehumedecido, cepillo pequeño (generalmente un # 4 o menor), luego se aplica al papel con pequeña eclosión o pinceladas entrecruzan. La punta del pincel debe ser humedecido pero no sobrecargado de pintura, y la pintura debe ser lo suficientemente fluido para transferir al papel con una ligera presión y sin disolver la capa de pintura debajo. El objetivo es construir o mezclar los colores de la pintura con toques precisos cortos que mezclan para evitar la aparición de puntillismo. El efecto acumulativo es objetiva, de textura y altamente controlada, con el valor más fuerte posible contrasta en el medio. A menudo es imposible distinguir una buena acuarela pincel seco de una fotografía color o pintura al óleo, acuarelas y muchos drybrush son barnizada o lacada después de que se hayan completado para mejorar esta semejanza.

Scumbling (en el siglo 19, llamada "desmoronamiento de color" o "arrastrando el color") es una técnica no relacionada de cargar un pincel grande, húmeda plana o redonda con pintura concentrado, que absorbe el exceso, a continuación, ligeramente arrastrando el lateral o talón de la mechón a través del papel para producir una apariencia de textura rugosa, por ejemplo para representar hierba de la playa, superficies rocosas o agua resplandeciente. La cantidad de textura que puede ser producida depende del acabado o diente del papel (R o papel CP funciona mejor), el tamaño del pincel, la consistencia y la cantidad de la pintura en el cepillo, y la presión y la velocidad de la pincelada. Papel húmedo hará que el color scumbled se difunda un poco antes de que se seque.

La dilución y mezcla de pinturas de acuarela

Al utilizar acuarelas, es importante utilizar toda la gama de consistencia de la pintura. El color más denso posible se obtiene mediante el uso de la pintura, ya que viene desde el tubo. El color más claro se obtiene mediante el uso de pintura fuertemente diluido con agua, o aplicada al papel y luego borrado de distancia con una toalla de papel. En general, la pintura directamente del tubo debe ser utilizado sólo con la aplicación de pincel seco: si la pintura se utiliza para cubrir completamente el papel que normalmente se seca a una apariencia correosa aburrida (llamado bronceado ). Por lo general, pintura tubo una parte debe ser diluido con 2 ó 3 partes de agua para eliminar el bronceado en la pintura aplicada con un pincel grande para secar el papel; con 4 a 6 partes de agua para producir el color más saturado; y con todavía más agua para producir delicados matices de color y texturas para mejorar pigmento (granulación o floculación). El punto principal es tomar ventaja de la gama completa de efectos de pintura que se producen en diferentes consistencias de pintura.

Paletas mínimos

Paleta es también el término para una selección específica de pinturas (o "colores"). Aunque las marcas comerciales acuarela incluyen típicamente hasta 100 o más colores de la pintura en tubos, mezclas de pigmentos sustractivos pueden producir una gama completa de colores de un pequeño número de pinturas específicas. De hecho, como una cuestión de economía, la conveniencia o la técnica, los pintores han preferido a menudo paletas comprenden la selección práctica más pequeña de las pinturas.

La paleta de práctica más pequeño consta de una pintura neutra oscuro, por lo general incluye un pigmento negro de carbono o, en las obras antes de 1800, una tinta de sepia. Como esta única pintura sólo puede comunicarse gradaciones de valor de su fuerza (oscura) de papel blanco, produce imágenes monocromáticas, a menudo complementada y afilado por un dibujo subyacente o adiciones en pluma y tinta.

Una elección familiar es la paleta de "primaria" que consiste en una magenta (tradicionalmente, pero erróneamente identificado como "rojo"), amarillo y cian (tradicionalmente "azul") de pintura, cada uno representando un color primario sustractivo. Esta paleta puede mezclar todos los colores posibles, aunque las mezclas de color púrpura, naranja y verde son característicamente más bien aburrido u oscuro, y la mayoría de las mezclas de color requieren el uso de las tres pinturas. Por consiguiente, la paleta primaria es útil para demostrar que compacidad también afecta conveniencia (la dificultad de mezclar cualquier color común) y la saturación de color (generalmente, la gama mezcla de pintura o el número total de colores únicos, es posible mezclar con una paleta). Tenga en cuenta que Leonardo, en sus cuadernos, citado rojo, amarillo, verde y azul (junto con el blanco y negro) como "las primarias del pintor" el, a pesar de que no puede haber tenido una paleta específica en mente; pero sustituyendo la pintura cian con una profunda pintura azul (como el azul ultramar), y la adición de una pintura verde, mejora en gran medida la saturación de ambas mezclas púrpuras y verdes en una compacta selección de cuatro pintura, y permite que un negro neutro u oscuro para ser mezclado directamente, usando sólo rojo y verde.

En el siglo 19 un six pintura paleta "primaria dividido" fue presentado y todavía es defendida hoy en día como una solución a las limitaciones de mezcla de la paleta de pintura de tres "primaria". Se basa en los tres colores primarios sustractivos tradicionales (rojo, amarillo y azul), cada uno en una versión "caliente" y "cool" (pigmentos específicos que figuran como ejemplos para cada opción de color):

• "Calentar" amarillo: Cadmio Medio Amarillo (PY35)
• "Cool" amarillo: Cadmio Limón (PY35)
• Rojo "caliente": Cadmio Scarlet (PR108)
• Rojo "cool": Quinacridona Carmine (PV19)
• Como una cuestión de conveniencia, pintores suelen añadir también uno o más pinturas hechas con un pigmento de óxido de hierro (los llamados pigmentos "tierra") y comercializados bajo las denominaciones de marketing ocre amarillo, siena natural, sombra natural, quemado siena, ocre quemado y / o rojo veneciano. Exactamente los mismos colores marrones o de color ocre se pueden combinar con cualquiera de los seis paletas de pintura, pero es tedioso hacer. Como los colores oscuros también requieren mezcla inconveniente, la mayoría de los pintores prefieren agregar una pintura neutra oscura premezclado que contiene un carbono (negro) de pigmento y un pigmento de teñido para producir un sesgo leve del color, por lo general se vende bajo los nombres de marketing índigo, tinte gris, neutral del payne o sepia.

  Resistencia a la luz de la pintura

  Una consideración final es resistencia a la luz, o la capacidad de un pigmento para conservar su apariencia original de color bajo la exposición a la luz. Esto generalmente se indica como una calificación numérica, desde I (alta resistencia a la luz) a III o IV (baja resistencia a la luz), en el tubo de la pintura o de la información técnica de pintura disponible del fabricante. Solidez a la luz es una cuestión crucial con acuarelas, porque el pigmento de pintura no está rodeado por un aglutinante de protección se secaron (como en aceite o pinturas acrílicas), pero se deja expuesto en la superficie del papel. En el siglo 19, acuarelas adquirieron una reputación en el mercado de la impermanencia relativa que continúa suprimiendo su precio de hoy, y pintores que admiran este medio será tomar decisiones para mejorar su situación en el mercado: de hecho, las pinturas de acuarela resistentes a la luz de los documentos de archivo son más duraderas que cualquier pintura al óleo sobre lienzo. El medio de la pintura más estable es en colores pastel, acuarelas, pero resistentes a la luz modernos ahora son más estables que los de aceite o acrílico medios. Desafortunadamente, fabricante de la pintura calificaciones solidez a la luz no siempre son confiables. Sin embargo, debido a que han demostrado ser no permanente en acuarelas, ciertos pigmentos (pinturas) nunca deben ser usados ​​bajo ninguna circunstancia. Estos incluyen: aureolin (PY40), carmín de alizarina (PR83), auténtica rosa más loco (NR9), genuino carmín (NR4), genuino bermellón (PR106), la mayoría de los rojos y naranjas naftol, todos los colorantes (incluyendo la mayoría de las "acuarelas líquidas" y el marcador bolígrafos) y pinturas premezcladas con un pigmento blanco, incluidas las pinturas comercializados bajo los nombres de NAPOLES amarillo, verde o azul. amberes La mayoría de estos son colorantes inventados en el siglo 19 o antes de que han sido sustituidos por alternativas modernas mucho más duraderos, y estos suelen ser vendidos como pinturas "hue" (por ejemplo, "la alizarina carmesí tonalidad" es un pigmento moderna que se parece carmesí de alizarina) . Prácticas de etiquetado Industria es incluir una calificación de resistencia a la luz en el envase de pintura y pintores sólo debe utilizar las pinturas que tienen una calificación de solidez a la luz de la I o II en virtud de las normas de ensayo publicados la Sociedad Americana de Pruebas y Materiales (ASTM International ahora).