Akira Kurosawa

Akira Kurosawa 黒澤明
Nascido	(1910/03/23) 23 de março de 1910 Shinagawa, Tóquio, Japão
Morreu	06 de setembro de 1998 (1998/09/06) (idade 88) Setagaya, Tóquio, Japão
Ocupação	Diretor, guionista, produtor, editor
Anos ativos	1936-1993
Influenciado por	Fyodor Dostoyevsky , Maxim Gorky, John Ford, William Shakespeare , Kenji Mizoguchi
Influenciado	Sergio Leone, Federico Fellini, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, George Lucas, Steven Spielberg , Satyajit Ray, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovsky, Robert Altman, Takeshi Kitano, Michael Cimino, Sam Peckinpah, Hayao Miyazaki, Katsuhiro Otomo, Yoshiaki Kawajiri, Clint Eastwood, Andrzej Wajda, William Friedkin, Bernardo Bertolucci, John Woo, Walter Hill, Ridley Scott
Cônjuge (s)	Yōko Yaguchi (1945-1985) (de sua morte)
Crianças	Kazuko Kurosawa Hisao Kurosawa
Pais	Isamu Kurosawa Shima Kurosawa

Akira Kurosawa ( Japonês: 黒澤明, Hepburn: Kurosawa Akira, 23 de março de 1910 - 06 de setembro de 1998) foi um Japonês diretor de cinema, guionista, produtor, e editor. Considerado como um dos cineastas mais importantes e influentes da história do cinema, Kurosawa dirigiu 30 filmes em uma carreira de 57 anos.

Kurosawa entrou no Indústria cinematográfica japonesa em 1936, na sequência de um breve período como um pintor. Depois de anos trabalhando em inúmeros filmes como um assistente de diretor e roteirista, ele fez sua estréia como diretor em 1943, durante a Segunda Guerra Mundial com o popular filme de ação Sanshiro Sugata (aka Judo Saga). Após a guerra, o aclamado pela crítica Anjo Drunken (1948), em que Kurosawa elenco ator então desconhecido Toshiro Mifune em um papel de protagonista, cimentou a reputação do diretor como um dos jovens cineastas mais importantes do Japão. Os dois homens viria a colaborar em mais 15 filmes.

Rashomon, que estreou em Tóquio em agosto 1950, e que também estrelou Mifune, tornou-se, em 10 de Setembro de 1951, o vencedor surpresa da Leão de Ouro no Festival de Veneza e foi posteriormente lançado na Europa e América do Norte. O sucesso comercial e de crítica do filme abriu os mercados de filmes ocidentais pela primeira vez para os produtos da indústria cinematográfica japonesa, que por sua vez levou ao reconhecimento internacional para outros cineastas japoneses. Ao longo dos anos 1950 e início dos anos 1960, Kurosawa dirigiu cerca de um filme por ano, incluindo uma série de filmes altamente considerados como Ikiru (1952), Sete Samurais (1954) e Yojimbo (1961). Depois de meados dos anos 1960, tornou-se muito menos prolífico, mas o seu mais tarde, trabalho, incluindo seus últimos dois épicos, Kagemusha (1980) e Ran (1985) -continued a ganhar prêmios, incluindo o Palme d'Or para Kagemusha, embora mais frequentemente no estrangeiro do que no Japão.

Em 1990, ele aceitou o prémio da Academia para Lifetime Achievement. Postumamente, foi nomeado " Asian do Século "na categoria" Artes, Literatura e Cultura ", de Revista e AsianWeek CNN, citado como "uma das [cinco] as pessoas que mais contribuíram para a melhoria da Ásia nos últimos 100 anos".

Vida e carreira

Infância e juventude (1910-1935)

Kurosawa nasceu em 23 de março de 1910, em Oimachi no Ōmori distrito de Tóquio. Seu pai Isamu, um membro de um ex- família do samurai Prefeitura de Akita, trabalhou como diretor de Educação Física do Exército Instituto de ensino secundário inferior, enquanto sua mãe Shima veio de uma família do comerciante de estar em Osaka . Akira foi o oitavo filho e mais novo da família moderadamente ricos, com dois de seus irmãos já cresceram no momento de seu nascimento e um falecido, deixando Kurosawa de crescer com três irmãs e um irmão.

Além de promover o exercício físico, Isamu Kurosawa estava aberta às tradições ocidentais e considerada teatro e filmes de ter mérito educacional. Ele encorajou seus filhos para assistir a filmes; jovem Akira viram seus primeiros filmes com a idade de seis. Uma influência formativa importante era seu professor de escola primária Sr. Tachikawa, cujas práticas de ensino progressivo inflamado em seu jovem pupilo primeiro um amor de desenho e, em seguida, um interesse em educação em geral. Durante este tempo, o rapaz também estudou caligrafia e Kendo esgrima.

Outra influência importante infância foi Heigo Kurosawa, irmão mais velho de Akira por quatro anos. No rescaldo da Grande terremoto de Kanto de 1923, que devastou Tóquio, Heigo levou o 13-year-old Akira para ver a devastação. Quando o irmão mais novo queria desviar o olhar dos cadáveres humanos e carcaças de animais espalhadas por toda parte, Heigo proibiu-o de fazê-lo, em vez disso encorajar Akira para enfrentar seus medos por confrontá-los diretamente. Alguns comentaristas sugeriram que este incidente influenciaria mais tarde carreira artística de Kurosawa, como o diretor raramente era hesitante para enfrentar verdades desagradáveis em seu trabalho.

Heigo foi academicamente dotado, mas logo depois de não conseguir garantir um lugar em Tóquio de lugar o colegial, ele começou a separar-se do resto da família, preferindo concentrar-se em seu interesse em literatura estrangeira. No final de 1920, tornou-se um Heigo benshi (narrador filme mudo) para teatros Tóquio mostrando filmes estrangeiros, e rapidamente fez um nome para si mesmo. Akira, que neste momento planejado para se tornar um pintor, foi morar com ele, e os dois irmãos se tornaram inseparáveis. Através Heigo, Akira devorados não só filmes mas também performances de teatro e circo, enquanto exibem suas pinturas e trabalhar para a esquerdista Liga dos artistas proletários. No entanto, ele nunca foi capaz de ganhar a vida com sua arte, e, quando ele começou a perceber a maior parte do movimento proletário como "colocar ideais políticos não cumpridas diretamente para a tela", ele perdeu seu entusiasmo pela pintura.

Com o aumento da produção de falando fotos no início da década de 1930, narradores de cinema como Heigo começou a perder o trabalho, e Akira voltou a morar com seus pais. Em julho de 1933, Heigo cometeu suicídio. Kurosawa comentou sobre a sensação duradoura de perda que sentia pela morte de seu irmão eo capítulo de sua autobiografia que o descreve-escrito quase meio século depois do evento-é intitulado, "Uma História Eu não quero te dizer." Apenas quatro meses depois, o irmão mais velho de Kurosawa também morreu, deixando Akira, aos 23 anos, o único dos irmãos que ainda vivem Kurosawa, juntamente com suas três irmãs sobreviventes.

Director na formação (1935-1941)

Em 1935, o novo estúdio de cinema Photo Chemical Laboratories, conhecida como PCL (que mais tarde se tornou o maior estúdio, Toho), anunciado para diretores assistentes. Embora tivesse demonstrado nenhum interesse anterior no cinema como profissão, Kurosawa submetido a ensaio obrigatório, que pediu candidatos para discutir as deficiências fundamentais de filmes japoneses e encontrar maneiras de superá-los. Sua visão zombando-metade era que, se as deficiências foram fundamentais, não havia nenhuma maneira de corrigi-los. O ensaio de Kurosawa valeu-lhe uma chamada para fazer os exames de acompanhamento, e diretor Kajirō Yamamoto, que estava entre os examinadores, teve um gosto para Kurosawa e insistiu que o estúdio contratá-lo. A 25-year-old Kurosawa juntou PCL Em fevereiro de 1936.

Durante seus cinco anos como assistente de direção, Kurosawa trabalhou sob vários diretores, mas de longe a figura mais importante no seu desenvolvimento foi Kajiro Yamamoto. De seus 24 filmes como AD, ele trabalhou em 17 sob Yamamoto, muitos deles comédias que caracterizam o popular ator Kenichi Enomoto, conhecido como "Enoken." Yamamoto nutrido talento de Kurosawa, promovendo-o diretamente do terceiro assistente de direção de assistente chefe do diretor depois de um ano. Responsabilidades de Kurosawa aumentou, e ele trabalhou em tarefas que vão desde a construção e desenvolvimento estágio filme para scouting localização, polimento roteiro, ensaios, iluminação, dublagem, edição e de segunda unidade de direção. No último dos filmes de Kurosawa como assistente de direção, Horse (Uma, 1941), Kurosawa assumiu a maior parte da produção, como Yamamoto estava ocupado com as filmagens de outro filme.

Uma peça importante do conselho Yamamoto deu Kurosawa era que um bom diretor precisava dominar roteiros. Kurosawa logo percebeu que o potencial de ganhos de seus roteiros eram muito mais elevados do que o que ele foi pago como assistente de direção. Kurosawa escreveria mais tarde ou co-escrever todos os seus próprios filmes. Ele também freqüentemente escreveu roteiros para outros diretores. Este roteiro fora serviria Kurosawa como um lateral lucrativo com duração até 1960, muito tempo depois ele se tornou mundialmente famoso.

Filmes em tempo de guerra e casamento (1942-1945)

Nos dois anos seguintes a liberação de cavalo em 1941, Kurosawa procurou por uma história que ele poderia usar para lançar sua carreira como diretor. Para o fim de 1942, cerca de um ano após o início da guerra do Japão com os Estados Unidos, romancista Tsuneo Tomita publicou seu Musashi Miyamoto inspirado judo novela, Sanshiro Sugata, os anúncios para o qual intrigados Kurosawa. Ele comprou o livro no dia de sua publicação, comeram em uma sessão, e imediatamente pediu Toho para garantir os direitos do filme. Instinto inicial de Kurosawa como provada correta, dentro de poucos dias, outros três grandes estúdios japoneses também se ofereceu para comprar os direitos. Toho prevaleceu, e Kurosawa começou a pré-produção de seu trabalho de estréia como diretor.

Tiro de Sanshiro Sugata começou no local, em Yokohama, em Dezembro de 1942. A produção decorreu sem problemas, mas recebendo o filme completo passado os censores era um assunto completamente diferente. A censura considerado o trabalho também "British-American" (uma acusação equivale, na altura, a uma acusação de traição), e foi somente através da intervenção do diretor Yasujiro Ozu, que defendeu o filme, que Sanshiro Sugata foi finalmente aceito para lançamento em 25 de março de 1943. (Kurosawa tinha acabado de fazer 33.) O filme se tornou um sucesso de crítica e comercial. No entanto, o escritório de censura, mais tarde, decidir cortar cerca de 18 minutos de imagens, muito do que é agora considerado perdido.

Em seguida, ele virou-se para o assunto de operários fêmeas do tempo de guerra em O, um filme de propaganda mais bonito que ele atirou em um estilo semi-documentário no início de 1944. A fim de persuadir performances realistas de suas atrizes, o diretor tinha-los a viver em uma fábrica real durante as filmagens, comer a comida da fábrica e chamar cada outros por seus nomes de personagens. Ele usaria métodos semelhantes com seus artistas ao longo de sua carreira.

Durante a produção, a atriz que interpreta o líder dos trabalhadores da fábrica, Yōko Yaguchi, foi escolhido por seus colegas para apresentar suas demandas para o diretor. Ela e Kurosawa estavam em conflito permanente, e foi através destes argumentos que os dois, paradoxalmente, se tornaram próximos. Eles se casaram em 21 de maio de 1945, com Yaguchi grávida de dois meses (ela nunca retomou sua carreira de atriz), e que o casal iria permanecer juntos até sua morte em 1985. Eles têm dois filhos: um filho, Hisao, nascido 20 de dezembro de 1945 , que serviria como produtor em alguns dos últimos projetos do seu pai, e Kazuko, nascido 29 de abril de 1954, que se tornaria um figurinista.

Pouco antes de seu casamento, Kurosawa foi pressionado pelo estúdio de encontro a sua vontade de dirigir uma sequela de seu filme de estréia. O propagandístico muitas vezes flagrantemente Sanshiro Sugata Parte II, que estreou em maio de 1945, é geralmente considerado um de seus muito mais fracos imagens.

Kurosawa decidiu escrever o roteiro de um filme que seria amigável-censor e menos caro para produzir. Os Homens que pisa na cauda do tigre, baseado na peça Kabuki Kanjinchō e estrelando o comediante Enoken, com quem Kurosawa tinha muitas vezes trabalhou durante seus dias assistente do diretor, foi concluída em setembro de 1945. Por esta altura, o Japão tinha se rendido eo ocupação do Japão tinha começado. Os novos censores americanos interpretaram os valores supostamente promovidos na imagem como excessivamente "feudal" e proibiu o trabalho. (Não seria lançado até 1952, ano em outro filme de Kurosawa, Ikiru, também foi lançado.) Ironicamente, enquanto na produção, o filme já tinha sido atacada por censores do tempo de guerra japoneses como também Ocidental e "democrático" (que particularmente não gostava do porter em quadrinhos desempenhado pela Enoken), de modo que o filme provavelmente não teria visto a luz do dia, mesmo se a guerra tivesse continuado para além da sua conclusão.

Obras do pós-guerra primeiros (1946-1950)

A guerra terminou agora, Kurosawa, absorvendo os ideais democráticos da Ocupação, procurou fazer filmes que iria estabelecer um novo respeito para com o indivíduo eo self. O primeiro filme como este, No Regrets para a nossa juventude (1946), inspirado tanto pelo 1933 Takigawa incidente eo Hotsumi Ozaki caso de espionagem em tempo de guerra, criticou regime de pré-guerra do Japão para a sua opressão política. Atipicamente para o diretor, o personagem central heróica é uma mulher, Yukie ( Setsuko Hara), nascido em privilégio de classe média superior, que vem a questionar seus valores em um momento de crise política. O roteiro original teve que ser extensivamente reescrito e, por causa de seu tema polêmico (e porque o protagonista era uma mulher), o trabalho realizado dividido os críticos, mas, no entanto, conseguiu ganhar a aprovação do público, que transformaram variações sobre o título do filme ( "No regrets para ...") em uma espécie de pós-guerra bordão.

Seu próximo filme, Um Maravilhoso domingo estreou em julho de 1947 às revisões misturadas. É uma história de amor relativamente simples e sentimental lidar com um casal de pós-guerra empobrecida tentando desfrutar, dentro da devastação do pós-guerra de Tóquio, seu único dia de descanso semanal. O filme tem a influência de Frank Capra, DW Griffith e FW Murnau. Outro filme lançado em 1947 com a participação de Kurosawa foi o thriller de ação-aventura, Fuga da neve, dirigido por Senkichi Taniguchi do roteiro de Kurosawa. Ele marcou a estréia do intenso jovem ator Toshiro Mifune. Foi Kurosawa, que, com seu mentor Yamamoto, interveio para persuadir Toho para assinar Mifune, durante uma audição na qual o jovem impressionou muito Kurosawa, mas conseguiu alienar a maioria dos outros juízes.

Drunken Anjo é muitas vezes considerado primeiro grande trabalho do diretor. Embora o script, como todas as obras ocupação da era de Kurosawa, teve que passar por regravações forçadas devido a censura americana, Kurosawa considerou que este foi o primeiro filme em que ele foi capaz de expressar-se livremente. Uma história grittily realista de um médico que tenta salvar um gangster ( yakuza) com tuberculose , ele também foi o primeiro filme do diretor com Toshiro Mifune, que iria continuar a jogar personagens principais, quer a título principal ou em todos, exceto um (Ikiru) de próximos 16 filmes do diretor. Embora Mifune não foi escalado como o protagonista em Drunken Angel, sua performance explosiva como o gangster assim domina o drama que ele mudou o foco do personagem-título, o médico alcoólatra interpretado por Takashi Shimura, que já apareceu em vários filmes de Kurosawa. No entanto, Kurosawa não queria sufocar imensa vitalidade do jovem ator, e caráter rebelde de Mifune eletrizou o público em grande parte da forma que Postura desafiadora de Marlon Brando iria assustar o público de cinema americano alguns anos mais tarde. O filme estreou em Tóquio em abril de 1948, com várias críticas e foi escolhido pelo prestigiado Kinema Junpo críticos enquete como o melhor filme do seu exercício, o primeiro dos três filmes Kurosawa a receber tal honra.

Kurosawa, com o produtor Sojiro Motoki e colegas diretores e amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse e Senkichi Taniguchi, formou uma nova unidade de produção independente chamado Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyokai). Para o trabalho de estréia desta organização, e primeiro filme para Estúdios Daiei, Kurosawa voltou-se para uma peça contemporânea por Kazuo Kikuta e, juntamente com Taniguchi, adaptou-o para a tela. O duelo quieto estrelou Toshiro Mifune como um jovem médico idealista lutando com sífilis, uma tentativa deliberada por Kurosawa para quebrar o ator longe de ser estereotipado como gangsters. Lançada em março de 1949, foi um sucesso de bilheteria, mas é geralmente considerada uma das conquistas menores do diretor.

Seu segundo filme, de 1949, também produzido pela Film Art Association e lançado pela Shintoho, foi Stray Dog. O mais célebre das obras de Kurosawa a partir deste período, é uma filme de detetive (talvez o primeiro filme japonês importante nesse gênero) que explora o humor do Japão durante a sua recuperação pós-guerra dolorosa através da história de um jovem detetive, interpretado por Mifune, e sua obsessão sobre seu revólver, roubado por um jovem pobre que passa a usá-lo para roubar e matar. Adaptado de um romance inédito por Kurosawa no estilo de um escritor favorito de seu, Georges Simenon, foi a primeira colaboração do diretor com o roteirista Ryuzo Kikushima, que mais tarde iria ajudar a script de oito filmes de Kurosawa. Um famoso, seqüência praticamente sem palavras, com duração de mais de oito minutos, mostra o detetive, disfarçado como um veterano empobrecida, vagando pelas ruas em busca do ladrão arma; empregava Documentário real de bairros de Tóquio devastados pela guerra filmados pelo amigo de Kurosawa, Ishiro Honda, o futuro diretor de Gojira (aka, Godzilla). O filme foi considerado um precursor para a contemporânea polícia processual e camarada gêneros cinematográficos policial.

Escândalo, lançado pela Shochiku em abril de 1950, foi inspirado em experiências pessoais do diretor com, e raiva em relação a, japonês jornalismo amarelo. O trabalho é uma mistura ambicioso de drama de tribunal e cinema problema social sobre a liberdade de expressão e responsabilidade pessoal, mas mesmo Kurosawa considerado o produto acabado, como dramaticamente desfocado e insatisfatório, e quase todos os críticos concordam.

No entanto, seria o segundo filme de Kurosawa de 1950, Rashomon, que acabaria por vencer a ele toda uma nova audiência.

O reconhecimento internacional (1950-1958)

Depois de terminar a Scandal, Kurosawa foi abordado por Estúdios Daiei, que pediu ao diretor para fazer outro filme para eles. Kurosawa pegou um roteiro de um jovem aspirante a roteirista, Shinobu Hashimoto. (Eles acabaria por escrever nove filmes juntos.) Foi com base História curta experimental de Ryūnosuke Akutagawa Num Bosque, que narra o assassinato de um samurai e do estupro de sua esposa a partir de vários pontos de vista diferentes e conflitantes. Kurosawa viu potencial no script, e com a ajuda de Hashimoto, polido e expandiu-lo e, em seguida, armou-a Daiei, que estavam felizes em aceitar o projeto devido ao seu baixo orçamento.

Tiro de Rashomon começou em 07 de julho de 1950 e, após um extenso trabalho de localização na floresta primitiva de Nara, envolvido em 17 de agosto Apenas uma semana foi gasto na pós-produção apressada, prejudicado por um incêndio estúdio, o filme terminado e estreou no Teatro Imperial de Tóquio em 25 de agosto, expandindo em todo o país no dia seguinte. O filme foi recebido por críticas mornas, com muitos críticos perplexos com seu tema único e tratamento, mas foi um sucesso financeiro, no entanto, moderada para Daiei.

O próximo filme de Kurosawa, por Shochiku, foi O Idiota, uma adaptação do romance do escritor favorito do diretor, Fyodor Dostoyevsky . O cineasta se mudou a história da Rússia para a Hokkaido, mas é de outra maneira muito fiel ao original, fato visto por muitos críticos como prejudiciais para o trabalho. A edição mandatado-studio encurtado de corte original de Kurosawa de 265 minutos (quase quatro horas e meia) para apenas 166 minutos, tornando a narrativa resultante extremamente difícil de seguir. Ele é amplamente considerado hoje a ser um dos trabalhos menos bem sucedidos do diretor. Comentários contemporâneos foram muito negativo, mas o filme foi um sucesso moderado nas bilheterias, em grande parte por causa da popularidade de uma das suas estrelas, Setsuko Hara.

Enquanto isso, sem o conhecimento de Kurosawa, Rashomon tinha sido inscrito no prestigioso Festival de Veneza, devido aos esforços de Giuliana Stramigioli, um representante com sede no Japão de uma empresa de cinema italiano, que tinha visto e admirado o filme e convenceu Daiei para apresentá-lo. Em 10 de setembro de 1951, Rashomon foi premiado com maior prêmio do festival, o Golden Lion, chocando não só Daiei, mas o mundo do cinema internacional, que na época era em grande parte inconsciente de décadas de idade tradição cinematográfica do Japão.

Depois Daiei exibiu muito brevemente uma cópia legendada do filme em Los Angeles, RKO adquirido os direitos de distribuição para Rashomon nos Estados Unidos. A empresa foi tendo uma aposta considerável. Ele tinha colocado para fora apenas um filme legendado antes no mercado americano, ea única talkie japonês anterior lançado comercialmente em Nova York tinha sido Mikio Naruse de comédia, esposa! Seja como uma Rosa, em 1937: um flop crítica e de bilheteria. No entanto, run comercial Rashomon 's, muito ajudado por fortes comentários de críticos e até mesmo o colunista Ed Sullivan, foi muito bem sucedida. (Ele ganhou US $ 35.000 em suas primeiras três semanas em um único teatro de Nova York, uma quase inédita soma no momento.) Este sucesso por sua vez, levou a uma voga na América para filmes japoneses em toda a década de 1950, substituindo o entusiasmo para Cinema neo-realista italiano. (O filme também foi lançado, por outros distribuidores, na França, na Alemanha Ocidental, Dinamarca, Suécia e Finlândia). Entre os cineastas japoneses cujo trabalho, como resultado, começou a ganhar prêmios do festival e liberação comercial no Ocidente eram Kenji Mizoguchi ( A vida de Oharu, Ugetsu, Sansho o conselheiro municipal) e, um pouco mais tarde, Yasujiro Ozu ( Tokyo Story, Uma tarde de outono) -artists altamente respeitado no Japão, mas, antes desse período, quase totalmente desconhecido no Ocidente. Gerações posteriores de cineastas japoneses que iria encontrar aclamação fora do Japão a partir de- Nagisa Oshima e Shohei Imamura para Juzo Itami, Takeshi Kitano e Takashi Miike-foram capazes de passar através da porta que Kurosawa foi o primeiro a abrir.

Sua carreira impulsionada por sua fama internacional repentina, Kurosawa, agora reunido com seu estúdio filme original, Toho (que iria passar a produzir os seus próximos 11 filmes), começou a trabalhar em seu próximo projeto, Ikiru. As estrelas de cinema Takashi Shimura como um burocrata Tóquio cheias de câncer, Watanabe, em uma missão final para significado antes de sua morte. Para o roteiro, Kurosawa trouxe Hashimoto, bem como escritor Hideo Oguni, que iria sobre a co-escrever 12 filmes Kurosawa. Apesar assunto desagradável do trabalho, os roteiristas teve uma abordagem satírica, que alguns compararam à obra de Brecht, tanto para o mundo burocrático do seu herói e da colonização cultural americana do Japão. (Músicas pop americanas figurar com destaque no filme). Devido a esta estratégia, os cineastas são geralmente responsáveis por salvar a imagem do tipo de sentimentalismo comum aos dramas sobre personagens com doenças terminais. Ikiru abriu em outubro de 1952, com várias críticas-ganhou Kurosawa sua segunda Kinema Junpo "Melhor Filme" sucesso de award-e enorme caixa. Continua a ser o mais aclamado de todos os filmes do artista estabelecidos na era moderna.

Em dezembro de 1952, Kurosawa teve seus roteiristas Ikiru, Shinobu Hashimoto e Hideo Oguni, para uma residência isolada 45 dias em uma pousada para criar o roteiro de seu próximo filme, Sete Samurais. O trabalho conjunto foi o primeiro adequada de Kurosawa samurai filme, o gênero para o qual ele se tornaria o mais famoso. A história simples, sobre uma aldeia agrícola pobre na Sengoku período Japão, que contrata um grupo de samurais para defendê-la contra um ataque iminente por bandidos, foi dado um tratamento épico cheio, com um enorme elenco (em grande parte constituído por veteranos de produções anteriores Kurosawa) e ação meticulosamente detalhada, estendendo-se a quase três horas -e-um-meia de tempo de tela.

Três meses foram gastos em pré-produção e um mês de ensaios. Tiro pegou 148 dias distribuídos por quase um ano, interrompido por problemas de produção e de financiamento e problemas de saúde de Kurosawa. O filme finalmente inaugurado em Abril de 1954, metade de um ano atrás de sua data original de lançamento e cerca de três vezes acima do orçamento, tornando-o no momento em que o filme japonês mais caro já feito. (No entanto, os padrões de Hollywood, foi uma produção muito de orçamento modesto, mesmo para a época). O filme recebeu reação crítica positiva e se tornou um grande sucesso, tornando rapidamente de volta o dinheiro investido nele e fornecendo o estúdio com um produto que podia, e fez, mercado internacional, embora com edições extensas. Com o tempo e com as teatrais e casa lançamentos em vídeo da versão sem cortes, a sua reputação tem crescido constantemente. Ele agora é considerado por alguns comentaristas como o melhor filme japonês já feitos, e, em 1979, uma pesquisa de críticos de cinema japonês também votou-o o melhor filme japonês já feito.

Em 1954, os testes nucleares no Pacífico estavam causando tempestades radioativas no Japão (o único país a ter sido vítima de um bombardeio atômico), e um particular incidente março havia exposto um barco de pesca japonês para precipitação nuclear, com resultados desastrosos. É nesta atmosfera de ansiedade que o próximo filme de Kurosawa, Registro de um ser vivo, foi concebida. A história dizia respeito a um dono de fábrica idosos (Toshiro Mifune) tão aterrorizada com a possibilidade de um ataque nuclear que ele fica determinado a mover toda sua família (tanto legais como extra-conjugal) para que ele imagina é a segurança de uma fazenda no Brasil . Produção foi muito mais suave do que o filme anterior do diretor, mas poucos dias antes das filmagens terminou, compositor, colaborador de Kurosawa e amigo íntimo Fumio Hayasaka faleceu (da tuberculose), com a idade de apenas 41. A pontuação do filme foi terminado pelo aluno de Hayasaka, Masaru Sato, que viria a marcar todos os próximos oito filmes de Kurosawa. Ficha de um ser vivo abriu em Novembro de 1955 a críticas mistas e reação do público silenciado, tornando-se o primeiro filme Kurosawa a perder dinheiro durante a sua execução original teatral. Hoje, é considerado por muitos a estar entre os melhores filmes que lidam com os efeitos psicológicos do impasse nuclear global.

O próximo projeto de Kurosawa, Trono de Sangue, uma ricamente produzido adaptação de William Shakespeare 's Macbeth -set, como Os Sete Samurais, no Sengoku Era-representado uma transposição ambiciosa do Inglês trabalhar em um contexto asiático. Kurosawa instruiu sua atriz principal, Isuzu Yamada, a considerar o trabalho como se fosse uma versão cinematográfica de um japonês em vez de um clássico literário europeu. Apropriadamente, a atuação dos jogadores, particularmente Yamada, inspira-se fortemente sobre as técnicas estilizados do teatro Noh. Foi filmado em 1956 e lançado em janeiro de 1957, para uma resposta nacional ligeiramente menos negativo do que tinha sido o caso com o filme anterior do diretor. No exterior, Trono de Sangue, independentemente das liberdades que leva com o seu material de origem, rapidamente ganhou um lugar entre as adaptações de Shakespeare mais célebres.

Outra adaptação de uma obra teatral clássico europeu seguido quase imediatamente, com produção de The Lower Depths, com base numa jogar por Maxim Gorky, a ter lugar em Maio e Junho de 1957. Em contraste com o escopo gigantesco e varredura do Trono de Sangue, The Lower Depths foi filmado em apenas dois conjuntos confinados, melhor para enfatizar a natureza restrita da vida dos personagens. Embora fiel ao jogo, esta adaptação de material russo a um cenário completamente japonês, neste caso, o falecido Período de Edo ao contrário de seu mais cedo O Idiota, foi considerado como artisticamente bem-sucedida. O filme estreou em setembro de 1957, recebendo uma resposta mista semelhante ao do Trono de Sangue. No entanto, alguns críticos classificá-lo entre as obras mais subestimados do diretor.

Três filmes consecutivos de Kurosawa após sete samurais não tinham conseguido capturar o público japonês da forma que esse filme teve. O estado de espírito do trabalho do diretor foi crescendo cada vez mais pessimista e escuro, com a possibilidade de redenção através da responsabilidade pessoal agora muito questionada, particularmente em Trono de Sangue e as profundidades mais baixas. Ele reconheceu isso, e deliberadamente apontado para um filme mais leve e divertido para sua próxima produção, enquanto a mudança para o novo formato widescreen que tinha sido ganhando popularidade no Japão. A película resultante, A Fortaleza Escondida, é uma de ação e aventura comédia-drama sobre uma princesa medieval, seu general leal e dois camponeses que todos precisam viajar através das linhas inimigas, a fim de chegar a sua região de origem. Lançado em dezembro de 1958, The Fortress Oculto se tornou um enorme sucesso de bilheteria no Japão e foi calorosamente recebido pela crítica. Hoje, o filme é considerado um dos mais leves esforços de Kurosawa, embora permaneça popular, não menos importante, porque é um dos vários grandes influências (como Ele mesmo admitiu George Lucas) em Lucas 'imensamente popular 1977 space opera, Guerra Nas Estrelas.

Nascimento de uma empresa e do fim de uma era (1959-1965)

Começando com Rashomon, produções de Kurosawa tinha-se tornado cada vez mais amplo em escopo e por isso teve orçamentos do diretor. Toho, preocupado com este desenvolvimento, sugeriu que ele poderia ajudar a financiar suas próprias obras, portanto, tornando potenciais perdas do estúdio menor, enquanto por sua vez, permitindo-se mais liberdade artística como co-produtor. Kurosawa concordou, ea Companhia de Produção Kurosawa foi criada em Abril de 1959, com Toho como accionista maioritário.

Apesar de agora arriscar seu próprio dinheiro, Kurosawa escolheu uma história mais diretamente crítica do negócio japonesa e as elites políticas do que qualquer de seus trabalhos anteriores. O Bad Sono Bem, baseado em um roteiro pelo sobrinho de Kurosawa Mike Inoue, é um drama de vingança sobre um jovem que sobe a hierarquia de uma empresa japonesa corrupto com a intenção de expor os homens responsáveis pela morte de seu pai. Seu tema provou tópica: enquanto o filme estava em produção, manifestações de massa foram realizadas contra o novo Tratado de Segurança EUA-Japão, que foi visto por muitos japoneses, especialmente os jovens, como uma ameaça a democracia no país, dando muito poder às corporações e políticos. O filme estreou em setembro de 1960 a reação crítica positiva e sucesso de bilheteria modesta. A seqüência de abertura de 25 minutos, que descreve uma recepção de casamento corporativa interrompido por repórteres e policiais (que prender um executivo para a corrupção), é amplamente considerado como um dos conjunto de peças mais habilmente executadas de Kurosawa, mas o restante do filme é muitas vezes visto como decepcionante por comparação. O filme também tem sido criticado por empregar o herói Kurosawan convencional para combater um mal social que não pode ser resolvido por meio das ações de indivíduos, no entanto corajosos ou astúcia.

Yojimbo (The Bodyguard), o segundo filme de Kurosawa Production, gira em torno de um samurai sem mestre, Sanjuro, que dá uma volta em uma cidade do século 19 governado por duas facções opostas violentos e provoca-los para destruir um ao outro. O diretor usou este trabalho para jogar com muitas convenções de gênero, particularmente a ocidental, e, ao mesmo tempo que oferece um sem precedentes (para o ecrã japonês) representação gráfica da violência. Alguns comentaristas viram o caráter Sanjuro neste filme como uma figura de fantasia que magicamente inverte o triunfo histórico da classe comerciante corrupto sobre a classe samurai. Apresentando Tatsuya Nakadai em seu primeiro papel principal em um filme de Kurosawa, e com a fotografia inovadora por Kazuo Miyagawa (que atirou Rashomon ) e Takao Saito, o filme estreou em abril de 1961 e foi um imenso sucesso nas bilheterias, ganhando mais do que qualquer anterior filme Kurosawa. A reação da crítica foi igualmente positiva, eo filme foi uma grande influência sobre seu gênero no Japão, dando início a uma nova era de filmes de samurai violentos, conhecidos como "filmes cruéis" ( zankoku Eiga ). O filme e seu tom cômico blackly também foram amplamente imitado no exterior. de Sergio Leone Um Punhado de Dólares foi um remake do virtual (não autorizada) de cena por cena.

Após o sucesso de Yojimbo , Kurosawa encontrou-se sob a pressão de Toho para criar uma sequela. Kurosawa voltou-se para um roteiro que ele tinha escrito antes de Yojimbo , retrabalhando-lo para incluir o herói de seu filme anterior. Sanjuro foi o primeiro dos três filmes Kurosawa de ser adaptado a partir da obra do escritor Shūgorō Yamamoto (os outros seriam Barba Vermelha e Dodeskaden ). É mais leve no tom e mais perto de um filme de época convencional do que Yojimbo , embora a sua história de uma luta de poder dentro de um clã samurai é retratado com tons fortemente em quadrinhos. O filme estreou em 1 de Janeiro de 1962, superando rapidamente Yojimbo " sucesso de bilheteria s e ganhando críticas positivas.

Kurosawa tinha, entretanto, instruiu Toho para comprar os direitos do filme do Rei Ransom , um romance sobre um sequestro escrito pelo autor e roteirista americano Evan Hunter, sob o pseudônimo de Ed McBain, como uma de suas séries Precinct 87 de livros de crime. O diretor destina-se a criar uma obra que condena o seqüestro, o que ele considerava um dos piores crimes. O filme de suspense, intitulado High and Low , foi baleado durante a segunda metade de 1962 e lançado em março de 1963. Ele quebrou o recorde de bilheteria de Kurosawa (o terceiro filme em uma fila para fazê-lo), tornou-se o filme de maior bilheteria japonesa do ano , e ganhou brilhante comentários. No entanto, o seu triunfo foi um pouco manchada quando, ironicamente, o filme foi responsabilizado por uma onda de seqüestros que ocorreu no Japão por volta dessa época (ele mesmo recebeu ameaças de seqüestro dirigido a sua jovem filha, Kazuko). High and Low é considerado por muitos comentadores para estar entre os mais fortes obras do diretor.

Red Beard também marcou o ponto médio, cronologicamente, na carreira do artista. Durante seus últimos 29 anos na indústria cinematográfica (que inclui os seus cinco anos como assistente de direção), ele havia dirigido vinte e três filmes, enquanto nos restantes 28 anos, por muitas e complexas razões, ele iria completar apenas sete Mais. Além disso, por razões nunca explicou adequadamente, Red Beard seria seu último filme estrelado por Toshiro Mifune. Yu Fujiki, um ator que trabalhou em The Lower Depths , observou, a respeito da proximidade dos dois homens no set, "O coração de Mr. Kurosawa estava no corpo de Mr. Mifune." Donald Richie descreveu a relação entre eles como um único "simbiose". Praticamente todos os críticos concordam que o período mais forte da carreira de Kurosawa foi o único entre 1950 e 1965-finalizados por Rashomon e Red Beard -e que não é uma coincidência que esta fase corresponde quase exatamente ao tempo que ele e Mifune trabalharam juntos.

Hollywood desvio (1966-1968)

Ao contrato de exclusividade de Kurosawa com Toho chegou ao fim em 1966, a 56-year-old diretor estava contemplando seriamente a mudança. Observando o Estado problemático da indústria cinematográfica nacional, e já tendo recebido dezenas de ofertas do exterior, a idéia de trabalhar fora do Japão recorreu a ele como nunca antes.

Para o seu primeiro projecto estrangeira, Kurosawa escolheu uma história baseada em um artigo da revista Life. O Embassy Pictures thriller de ação, a ser filmado em Inglês e chamado simplesmente Runaway Train , teria sido o seu primeiro na cor. Mas a barreira da língua provou ser um grande problema, ea versão em Inglês do roteiro não foi ainda concluído pela filmagens tempo era para começar no Outono de 1966. A filmagem, o que exigiu a neve, foi transferida para o outono 1967, em seguida, cancelado em 1968. Quase vinte anos depois, outro estrangeiro a trabalhar em Hollywood, Andrei Konchalovsky, iria finalmente fazer Runaway Train , embora a partir de um roteiro totalmente diferente de Kurosawa.

O diretor, entretanto, tornou-se envolvido em um projeto muito mais ambicioso Hollywood. Tora! Tora! Tora! , produzido pela 20th Century Fox Produção e Kurosawa, seria um retrato do ataque japonês a Pearl Harbor , tanto o americano eo japonês pontos-de-vista, com Kurosawa helming a metade japonês e um cineasta de fala Inglês orientar a metade americano. Ele passou vários meses trabalhando no roteiro com Ryuzo Kikushima e Hideo Oguni, mas muito em breve o projeto começou a desvendar. O diretor escolhido para filmar as sequências americanos acabou por não ser o cineasta de prestígio Inglês David Lean, como os produtores tinham levado Kurosawa de acreditar, mas o de efeitos especiais muito menos célebre especialista, Richard Fleischer. O orçamento também foi cortada, eo tempo de tela alocada para o segmento japonês seria agora não ser mais de 90 minutos, um grande problema, tendo em conta que o roteiro de Kurosawa correu mais de quatro horas. Após inúmeras revisões, um roteiro corte mais ou menos finalizado foi acordado em maio de 1968. As filmagens começaram no início de dezembro, mas Kurosawa duraria apenas um pouco mais de três semanas como diretor. Ele esforçou-se para trabalhar com uma equipe desconhecida e os requisitos de uma produção de Hollywood, enquanto seus métodos de trabalho intrigado seus produtores americanos, que em última análise, concluiu que o diretor deve estar mentalmente doente. Na véspera de Natal 1968, os americanos anunciaram que Kurosawa tinha deixado a produção devido a "fadiga", efetivamente demiti-lo. (Ele acabou por ser substituído, por sequências japoneses do filme, com dois diretores, Kinji Fukasaku e Toshio Masuda.)

Tora! Tora! Tora! , finalmente liberado para comentários pouco entusiasmados em setembro de 1970, foi, como Donald Richie colocá-lo, uma "tragédia quase absoluto" na carreira de Kurosawa. Ele passou anos de sua vida em um projeto de pesadelo logístico para que ele finalmente não contribuir com um pé de filme baleado por si mesmo. (Ele tinha o seu nome removido dos créditos, embora o script usado para a metade japonesa ainda era seu e os seus co-writers '). Ele se afastou de seu colaborador de longa data, escritor Ryuzo Kikushima, e nunca trabalhei com ele novamente. O projeto tinha inadvertidamente expostos a corrupção em sua própria companhia de produção (uma situação que lembra de seu próprio filme, The Well Bad Sono ). Sua própria sanidade tinha sido posta em causa. O pior de tudo, a indústria de produção cinematográfica japonesa, talvez, o próprio homem-começou a suspeitar que ele nunca faria outro filme.

Uma década difícil (1969-1977)

Sabendo que sua reputação estava em jogo após o muito publicitado Tora! Tora! Tora! debacle, Kurosawa moveu-se rapidamente para um novo projeto para provar que ele ainda era viável. Para sua ajuda veio amigos e diretores famosos Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi e Kon Ichikawa, que juntamente com Kurosawa estabelecidos em julho de 1969 uma empresa de produção chamado o Clube dos Quatro Cavaleiros (Yonki não kai). Embora o plano era que os quatro diretores para criar um filme cada, tem sido sugerido que a verdadeira motivação para os outros três diretores era fazer com que seja mais fácil para Kurosawa para concluir com êxito um filme, e, portanto, encontrar o caminho de volta para o negócio.

O sucesso internacional de Kagemusha permitido Kurosawa para prosseguir com seu próximo projeto, Ran , outro épico em uma veia similar. O roteiro, baseado em parte em William Shakespeare 's Rei Lear , representado, um cruel sanguinário daimyo (senhor da guerra), interpretado por Tatsuya Nakadai, que, depois tolamente banindo seu único filho leal, rende seu reino para seus outros dois filhos, que então trair ele, mergulhando assim todo o reino em guerra. Como estúdios japoneses ainda sentia cauteloso sobre a produção de um outro filme que estaria entre o mais caro já feito no país, a ajuda internacional foi novamente necessário. Desta vez, ele veio do produtor francês Serge Silberman, que havia produzido filmes finais de Luis Buñuel. As filmagens não começou até Dezembro de 1983 e durou mais de um ano.

Em janeiro de 1985, a produção de Ran foi interrompido como 64-year-old mulher de Kurosawa Yōko adoeceu. Ela morreu em fevereiro 1. Kurosawa retornou para concluir seu filme e Ran estreou no Festival de Cinema de Tóquio em 31 de Maio, com um grande lançamento no dia seguinte. O filme foi um sucesso financeiro moderada no Japão, mas um maior no exterior e, como tinha feito com Kagemusha , Kurosawa embarcou em uma viagem para a Europa e América, onde frequentou estreias do filme em setembro e outubro.

Ran ganhou vários prêmios no Japão, mas não foi tão honrado lá como muitos dos melhores filmes do diretor da década de 1950 e 1960 tinha sido. O mundo do cinema ficou chocado, no entanto, quando o Japão passou sobre o filme em favor de outro como sua entrada oficial para competir por uma indicação ao Oscar na categoria de Melhor Filme Estrangeiro. Tanto o produtor e Kurosawa se atribuiu isso a um mal-entendido: por causa das regras arcanas da Academia, ninguém tinha certeza se Ran qualificado como um japonês filme, um francês filme (devido ao seu financiamento), ou ambos, de modo que não foi submetido a tudo. Em resposta ao que, pelo menos, parecia ser uma afronta descarada por seus próprios compatriotas, o diretor Sidney Lumet liderou uma campanha de sucesso para ter Kurosawa receber uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor daquele ano ( Sydney Pollack finalmente ganhou o prêmio de direção Out of Africa) . Ran ' figurinista s, Emi Wada, venceu apenas Oscar do filme.

Kagemusha e Ran , especialmente o último, são muitas vezes considerados entre os melhores trabalhos de Kurosawa. Depois de Ran " libertação s, Kurosawa seria apontar para ele como seu melhor filme, uma grande mudança de atitude para o diretor que, quando perguntado qual de suas obras foi o seu melhor, sempre tinha anteriormente respondeu "meu próximo".

Os trabalhos finais e últimos anos (1987-1998)

Para seu próximo filme, Kurosawa escolheu um assunto muito diferente de qualquer outra que ele já tinha filmado antes. Enquanto alguns dos seus anteriores imagens (por exemplo, Drunken Anjo e Kagemusha ) tinha incluído breves sequências de sonhos, sonhos era ser inteiramente baseada em próprios sonhos do diretor. Significativamente, pela primeira vez em mais de 40 anos, Kurosawa, para este projeto profundamente pessoal, escreveu o roteiro sozinho. Embora o seu orçamento estimado foi menor do que os filmes imediatamente anterior, estúdios japoneses ainda não estavam dispostos a voltar uma de suas produções, então Kurosawa voltou-se para um outro fã americano famoso, Steven Spielberg , que convenceu a Warner Bros para comprar os direitos internacionais para o concluída filme. Isso tornou mais fácil para o filho de Kurosawa, Hisao, como co-produtor e em breve-a-ser chefe de produção Kurosawa, para negociar um empréstimo no Japão, que cubra os custos de produção do filme. Tiroteio teve mais de oito meses para ser concluído, e sonhos estreou em Cannes em maio de 1990 a uma recepção educada, mas sem som, semelhante à reacção a imagem geraria outras partes do mundo.

Kurosawa agora virou-se para uma história mais convencional com Rhapsody em agosto -o primeiro filme do diretor inteiramente produzido no Japão desde Dodeskaden mais de vinte anos antes, que explorou as cicatrizes do bombardeio nuclear que destruiu Nagasaki no final da Segunda Guerra Mundial. Ele foi adaptado de um romance Kiyoko Murata, mas as referências do filme para o bombardeio de Nagasaki veio do diretor, em vez de a partir do livro. Este foi o seu único filme para incluir um papel para uma estrela de cinema americana: Richard Gere, que interpreta um pequeno papel como o sobrinho da heroína idosos. Tiroteio ocorreu no início de 1991, com a abertura de cinema em 25 de maio daquele ano para uma reação crítica amplamente negativo, especialmente nos Estados Unidos, onde o diretor foi acusado de promulgar ingenuamente sentimentos anti-americanos.

Kurosawa não perdeu tempo passar para seu próximo projeto: Madadayo , ou Not Yet . Com base em ensaios autobiográficos por Hyakken Uchida, o filme segue a vida de um professor japonês de alemão durante a Segunda Guerra Mundial e mais além. A narrativa centra-se nas comemorações do aniversário anuais com seus ex-alunos, durante o qual o protagonista declara sua falta de vontade de morrer apenas ainda-um tema que estava se tornando cada vez mais relevante para a 81-year-old criador do filme. As filmagens começaram em fevereiro de 1992 e envolveu até o final de setembro. Seu lançamento em 17 de abril de 1993, foi saudado por uma reação ainda mais decepcionado do que tinha sido o caso com seus dois trabalhos anteriores.

Kurosawa, no entanto, continuou a trabalhar. Ele escreveu os roteiros originais The Sea está olhando em 1993 e Depois da Chuva em 1995. Embora dando os toques finais no último trabalho em 1995, Kurosawa escorregou e quebrou a base de sua espinha. Após o acidente, ele iria usar uma cadeira de rodas para o resto de sua vida, pondo fim a qualquer esperança de ele dirigindo outro filme. Seu antigo desejo-a morrer no set durante as filmagens de um filme-nunca foi para ser cumprida.

Morte e obras póstumas

Depois de seu acidente em 1995, a saúde de Kurosawa começou a deteriorar-se. Enquanto sua mente afiada e permaneceu vivo, seu corpo estava desistindo, e para o último semestre da sua vida, o diretor foi largamente confinado à cama, ouvindo música e assistindo televisão em casa. Em 6 de setembro de 1998, Kurosawa morreu de um acidente vascular cerebral em Setagaya, Tóquio, com a idade de 88.

Após a morte de Kurosawa, várias obras póstumas com base em seus roteiros unfilmed foram produzidos. Depois da Chuva, dirigido porTakashi Koizumi, foi lançado em 1998, eThe Sea está olhando, dirigido porKei Kumai, estreou em 2002. Um script criado pelo Yonki no Kai ("Clube dos Quatro Cavaleiros") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi, e Kon Ichikawa), na época em queDodeskadenfoi feita, finalmente foi filmado e lançado (em 2000) comoDora-Heita, pelo único sobrevivente membro fundador do clube, Kon Ichikawa.

Métodos de trabalho, estilo e temas

Os métodos de trabalho

Todas as fontes biográficas, bem como próprios comentários do cineasta, confirmar que Kurosawa era um diretor completamente "hands-on", apaixonadamente envolvido em todos os aspectos do processo de filmagem. Como um entrevistador resumida, "ele (co-) escreve seus roteiros, supervisiona o projeto, ensaia os atores, define-se todos os tiros e, em seguida, faz a edição." Sua participação ativa se estendia desde o conceito inicial até a edição e marcação do produto final.

Escrita

Kurosawa enfatizou mais uma vez que o roteiro foi o fundamento absoluto de um filme de sucesso e que, apesar de um diretor medíocre pode às vezes fazer um filme passável fora de um bom roteiro, mesmo um excelente diretor nunca pode fazer um bom filme a partir de um mau roteiro . Durante o período pós-guerra, ele começou a prática de colaborar com um grupo rotativo de cinco roteiristas: Eijiro Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni, e Masato Ide. Sejam quais forem os membros deste grupo estava trabalhando em um filme em particular se reuniam em torno de uma mesa, muitas vezes em um recurso hot-molas, onde eles não se distrair com o mundo exterior. ( Os Sete Samurais , por exemplo, foi escrito dessa forma.) Muitas vezes, todos eles (exceto Oguni, que atuou como "árbitro") iria trabalhar em exatamente as mesmas páginas do roteiro, e Kurosawa iria escolher a versão mais bem escrita do diferentes projectos de cada cena em particular. Este método foi adotado "para que cada colaborador pode funcionar como uma espécie de folha, verificando o domínio do ponto-de-vista de qualquer pessoa."

Além do script real, Kurosawa, nesta fase, produzido muitas vezes extensas, notas fantasticamente detalhados para elaborar sua visão. Por exemplo, para sete samurais , ele criou seis cadernos em que ele criou (entre muitas outras coisas) biografias detalhadas dos samurais, incluindo o que eles usavam e comiam, como se andava, falava e se comportava quando recebidos, e até mesmo como cada amarrou seu sapatos. Para os 101 caracteres camponesas no filme, ele criou um registro que consiste em 23 famílias e instruiu os artistas que jogam esses papéis para viver e trabalhar como estas "famílias" para a duração do disparo.

Tiroteio

Muitos comentaristas observaram a ocorrência freqüente na obra de Kurosawa da complexa relação entre um velho e um homem mais jovem, que servem uns aos outros como o mestre eo discípulo, respectivamente. Este tema foi claramente uma expressão da experiência de vida do diretor. "Kurosawa reverenciado seus professores, em particular Kajiro Yamamoto, seu mentor na Toho", de acordo com Joan Mellen. "A imagem salutar de uma pessoa mais velha instruindo o jovem evoca sempre nos filmes de Kurosawa altos momentos de pathos". O crítico Tadao Sato considera o personagem recorrente do "mestre" para ser um tipo de pai substituto, cujo papel é o de testemunhar o crescimento moral do jovem protagonista e aprová-la.

Em seu primeiro filme, Sugata Sanshiro , após o Judo mestre Yano torna-se professor do personagem-título e guia espiritual, "a narrativa [é] elenco sob a forma de uma crônica estudar os estágios de crescente domínio e maturidade do herói." A relação mestre-aluno nos filmes do pós-guerra retratada em obras como como-era Drunken Anjo , Stray Dog , Os Sete Samurais , Red Beard e Dersu Uzala muito pouca instrução direta -involves, mas muito a aprendizagem através da experiência e exemplo; Stephen príncipe relaciona essa tendência à natureza privada e não-verbal do conceito de iluminação Zen.

Até o momento da Kagemusha , no entanto, de acordo com Prince, o significado dessa relação mudou. Um ladrão escolhido para atuar como o dobro de um grande senhor continua sua representação, mesmo após a morte de seu mestre: "a relação tornou-se espectral e é gerada a partir de além-túmulo com o mestre mantendo uma presença fantasmagórica Seu fim é a morte, e não a renovação. de compromisso com a vida que caracterizava o seu resultado em filmes anteriores. " No entanto, de acordo com o biógrafo do diretor, em seu último filme, Madadayo -que lida com um professor e sua relação com um grupo inteiro de ex-alunos-uma visão mais ensolarado do tema emerge. "Os alunos realizar uma festa anual da sua professora, com a presença de dezenas de ex-alunos, hoje adultos de várias idades ... Esta sequência estendida ... expressa, como só pode Kurosawa, as alegrias simples de relações aluno-professor, de parentesco , de estar vivo. "

O campeão heróico

Também é difícil não notar a importância de chuva para Kurosawa: "Chuva em filmes de Kurosawa nunca é tratada de forma neutra Quando ocorre ... nunca é uma garoa ou uma leve névoa, mas sempre um aguaceiro frenético, uma tempestade de condução.". "A batalha final [em Sete Samurais ] é uma luta espiritual e físico supremo, e é combatido em uma tempestade de cegueira, que permite Kurosawa para visualizar uma fusão definitiva dos grupos sociais ... mas esta visão culminante da ausência de classes, com típica Kurosawan ambivalência, tornou-se uma visão de horror. A batalha é um vórtice de roda chuva e lama ... A fusão definitiva da identidade social surge como expressão do caos infernal ".

Ciclos de violência

Começando com o Trono de Sangue (1957), uma obsessão com os ciclos históricos da inexorável selvagem violência com o que chama de Stephen Príncipe "o countertradition ao modo comprometido, heróico de cinema de Kurosawa" -primeiro aparece. De acordo com Donald Richie, dentro do mundo do filme, "Causa e efeito é a única lei. A liberdade não existe." eo príncipe alega que os seus eventos "estão inscritos em um ciclo de tempo que se repete infinitamente." (Ele utiliza como prova o facto de o senhor de Washizu, ao contrário do gentilmente rei Duncan da peça de Shakespeare, havia assassinado seus próprios anos Senhor, antes de tomar o poder, e depois é assassinado por sua vez, por Washizu (o personagem Macbeth), pela mesma razão.) "A qualidade fadado à ação de Macbeth ... foi transposta por Kurosawa com uma ênfase afiada sobre a ação predeterminada eo esmagamento da liberdade humana sob as leis do karma. "

Príncipe afirma que últimos épicos de Kurosawa, Kagemusha e particularmente Ran , marcar um ponto de viragem importante na visão do diretor do mundo. Em Kagemusha ", onde uma vez [no mundo de seus filmes] indivíduo [herói] poderia captar eventos com força e exigir que eles estejam em conformidade com os seus impulsos, agora o auto é o epifenómeno, mas de um processo temporal cruel e sangrenta, chão a poeira sob o peso ea força da história ". A seguir épico, Ran , é "uma crônica implacável da luxúria de base para o poder, traição do pai por seus filhos, e as guerras invasivos e assassinatos." O cenário histórico do filme é usada como "um comentário sobre o que Kurosawa agora percebe como a intemporalidade dos impulsos humanos para a violência e autodestruição." "A história tem dado lugar a uma percepção da vida como uma roda de sofrimento sem fim, sempre girando, sempre repetindo", que é comparado em muitas instâncias no roteiro com o inferno. "Kurosawa encontrou inferno para ser tanto o resultado inevitável do comportamento humano ea visualização apropriada de sua própria amargura e decepção."

As críticas

Apesar da aclamação extraordinária que a obra de Kurosawa recebeu no Japão e no exterior, os seus filmes, assim como Kurosawa como um indivíduo, também têm sido objecto de críticas consideráveis, muito do que dura. Abaixo estão resumidas algumas das críticas mais comuns do diretor, tanto as feitas em geral e as que são veiculadas principalmente no Japão.

Existe alguma controvérsia sobre a medida em que os filmes de Kurosawa do período Segunda Guerra Mundial poderia ser considerado fascista propaganda . O historiador cultural Peter B. alta vê cinema de guerra de Kurosawa, como parte da tendência propagandístico do Japão na guerra e como um exemplo de muitas dessas convenções de guerra. Alta refere-se a seu segundo filme, The Most Beautiful , como uma "rendição escuro e sombrio das fórmulas padrão do [front home] gênero." Outra controvérsia gira em torno de sua suposta recusa em reconhecer a culpa de guerra do Japão. Em um dos últimos filmes de Kurosawa, Rhapsody, em agosto , um sobrevivente idoso do ataque atômico em Nagasaki é visitado por seu meio-japonês, sobrinho meia-americano, Clark ( Richard Gere), que aparece (pelo menos para alguns espectadores) para pedir desculpas ., como um americano, para a destruição de guerra da cidade O New York Times crítico Vincent Canby escreveu sobre este filme: "Um monte de pessoas em Cannes ficaram indignados que o filme não faz menção a Pearl Harbor e as atrocidades de Japão na China ... Se Clark pode pedir desculpas por bombardear Nagasaki, por que não pode Granny desculpas pelo ataque a Pearl Harbor? "

Um número de críticos reagiram negativamente às personagens femininas em filmes de Kurosawa. Joan Mellen, em sua análise deste assunto, sustentou que, no momento da Red Beard (1965), "as mulheres em Kurosawa tornaram-se não só irreal e incapaz de bondade, mas totalmente desprovido de autonomia, seja física, intelectual ou emocional ... Mulheres no seu melhor só pode imitar as verdades homens descobrir. " Kurosawa estudioso Stephen Príncipe concorda com a opinião de Mellen, embora menos de censura: "Ao contrário de um diretor de orientação masculina como Sam Peckinpah, Kurosawa não é hostil para as mulheres, mas a sua falta geral de interesse por eles deve ser considerada como uma grande limitação de seu trabalho. "

No Japão

No Japão, os críticos e outros cineastas têm por vezes acusada de elitismo seu trabalho, por causa de seu foco em, indivíduos e grupos de homens heróicos excepcionais. Em seu comentário sobre a edição em DVD deluxe de sete samurais , Joan Mellen sustenta que certas cenas dos personagens samurais Kambei e Kyuzo, que para ela revelar Kurosawa "privilegiar" estes samurai, "apoiar o argumento expresso por vários críticos japoneses que Kurosawa era um elitista ... Kurosawa foi quase um diretor progressiva, eles argumentaram, já que seus camponeses não podiam descobrir entre suas próprias fileiras líderes que pode salvar a aldeia. Em vez disso, o que justifica a estrutura de classes desigual de sua sociedade e nossa, os camponeses devem contar com o aristocracia, a classe alta, e, em particular, samurai, para garantir a sua sobrevivência ... Kurosawa defendeu-se contra essa acusação em sua entrevista comigo. "Eu queria dizer que depois de tudo o que os camponeses eram o mais forte, estreitamente agarrado à terra. .. Foi o samurai que eram fracos porque eles estavam sendo soprado pelos ventos do tempo. '"

Por causa da popularidade de Kurosawa com o público europeu e norte-americanos desde o início dos anos 1950 em diante, ele não escapou da acusação de deliberadamente catering para os gostos dos ocidentais para alcançar ou manter essa popularidade. Joan Mellen, gravar a reação violentamente negativo (em 1970) do diretor de esquerda Nagisa Oshima de Kurosawa e sua obra, afirma: "Isso Kurosawa tinha trazido filme japonês para um público ocidental significava [para Oshima] que ele deve ser proxenetismo aos valores ocidentais e da política ". Kurosawa sempre negou veementemente favorecer aos gostos ocidentais: "Ele nunca tem servido para um público estrangeiro", escreve Audie Bock, "e condenou aqueles que o fazem."

Kurosawa foi muitas vezes criticado por seus compatriotas para percebido comportamento "arrogante". Foi no Japão que o (inicialmente) depreciar apelido de "Kurosawa Tennō" - "O imperador Kurosawa" -foi cunhado. "Como tennō ", afirmou Yoshimoto," Kurosawa é dito para enclausurar-se em seu próprio mundo pequeno, o que é completamente cortado da realidade cotidiana da maioria dos japoneses. O tennō apelido é usado neste sentido criar uma imagem de Kurosawa como um diretor que abusa de seu poder exclusivamente para fins de auto-indulgência ".

Impacto mundial

Reputação entre os cineastas

Muitos diretores célebres ter sido influenciado por Kurosawa e / ou ter manifestado admiração por seu trabalho. Os cineastas citados abaixo são agrupadas de acordo com três categorias: a) aqueles que, como o próprio Kurosawa, reputações críticas internacionais estabelecidos na década de 1950 e início de 1960; b) os chamados " Nova Hollywood "diretores, ou seja, os cineastas norte-americanos que, em sua maior parte, as suas reputações estabelecidas no início e meados da década de 1970; e c) outros diretores asiáticos.

Ingmar Bergman chamou o seu próprio filme A Fonte da Donzela"turístico, uma imitação ruim de Kurosawa", e acrescentou: "Naquela época, a minha admiração pelo cinema japonês estava no auge. Eu era quase um samurai mim mesmo!"Federico Fellini em entrevista declarou o diretor de "o maior exemplo vivo de tudo o que um dos autores do cinema deve ser" -apesar de admitir ter visto apenas um de seus filmes,Os Sete Samurais.Roman Polanski em 1965 Kurosawa citado como um dos seus três cineastas favoritos (com Fellini eOrson Welles), destacandoSete Samurais,Trono de SangueeA Fortaleza Escondida. para louvorBernardo Bertolucci considerada a influência do mestre japonês para ser seminal: "Os filmes de Kurosawa e La Dolce Vitade Fellini são as coisas que me empurraram, me sugado para dentro ser um diretor de cinema. "

Admiradores "Nova Hollywood" de Kurosawa incluíram Robert Altman, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg , Martin Scorsese, George Lucas, e John Milius. Robert Altman, quando viu pela primeira vez Rashomon (durante o período em que ele trabalhou regularmente na televisão, em vez de longas metragens), ficou tão impressionado com o feito de seu diretor de fotografia de disparar vários tiros com a câmera apontada directamente para o sol-alegadamente foi o primeiro filme em que isso foi feito com sucesso, que ele alega que ele foi inspirado no dia seguinte para começar a incorporar tiros do sol em seu trabalho na televisão. Foi Coppola, que disse de Kurosawa, "Uma coisa que distingue [ele] é que ele não fez uma obra-prima ou duas obras-primas. Ele fez, você sabe, oito obras-primas. " Ambos Spielberg e Scorsese têm elogiado o papel do homem mais velho como professor e papel modelo de como um sensei , para usar o termo japonês. Spielberg declarou: "Eu aprendi mais dele do que de qualquer outro cineasta sobre a face da terra", enquanto Scorsese comentou: "Deixe-me dizer simplesmente: Akira Kurosawa foi o meu mestre, e ... o mestre de modo muitos outros cineastas ao longo dos anos. " Como já observado acima, vários desses cineastas também foram fundamentais para ajudar Kurosawa obter financiamento para seus últimos filmes: Lucas e Coppola serviu como co-produtores em Kagemusha , enquanto o nome Spielberg, emprestado para a produção 1990, Sonhos , ajudou a trazer essa foto a ser concretizadas.

Como o primeiro cineasta asiático para conseguir a proeminência internacional, Kurosawa tem, naturalmente, serviu de inspiração para outros asiáticos auteurs . De Rashomon , o mais famoso diretor de Índia, Satyajit Ray, disse: "O efeito do filme sobre mim [na primeira vê-lo em Calcutá em 1952] era elétrico Eu vi-o três vezes em dias consecutivos, e se perguntou se cada vez. havia um outro filme em qualquer lugar que deu essa prova sustentado e deslumbrante de comando de um diretor sobre todos os aspectos da produção cinematográfica ". Outros admiradores asiáticos incluem o ator e diretor japonês Takeshi Kitano, Hong Kong cineasta John Woo e continente diretor chinês Zhang Yimou, que chamou Kurosawa "o diretor asiático por excelência."

Remakes

Prêmios e honras

Legado

Kurosawa Production Co., fundada em 1959, continua a supervisionar muito do legado de Kurosawa. O filho do diretor, Hisao Kurosawa, é o atual chefe da empresa. Sua subsidiária americana, Kurosawa Enterprises, está localizado em Los Angeles. Direitos relativos às obras de Kurosawa são detidos por Kurosawa Production e os estúdios de cinema em que ele trabalhou, mais notavelmente Toho. Kurosawa Production trabalha em estreita colaboração com a Fundação Akira Kurosawa, criada em Dezembro de 2003 e também gerido por Hisao Kurosawa. A fundação organiza anualmente competição curta-metragem e lidera projectos relacionados com Kurosawa, incluindo uma recentemente arquivado para construir um memorial museu para o diretor.

Em 1981, a Kurosawa Estúdio de Cinema, inaugurado em Yokohama; dois locais adicionais já foram lançados no Japão. Uma grande coleção de material de arquivo, incluindo roteiros digitalizados, fotos e artigos de notícias, foi disponibilizado através do Arquivo Digital Akira Kurosawa, um site japonês mantido por Ryukoku Universidade Arquivos Digitais Centro de Investigação em colaboração com a Produção Kurosawa. Akira Kurosawa Escola de da Universidade de Anaheim Filme foi lançado na Primavera de 2009 com o apoio de Produção Kurosawa. Oferece programas on-line na tomada de filme, com sede em Anaheim e um centro de aprendizagem em Tóquio.

Dois prêmios de cinema também foram nomeados em honra de Kurosawa. O Kurosawa Akira Award pelo conjunto da obra em direção de cinema é concedido durante a San Francisco International Film Festival, enquanto o Prêmio Akira Kurosawa é dado durante o Tokyo International Film Festival. Em comemoração do 100º aniversário do nascimento de Kurosawa em 2010, um projeto chamado AK100 foi lançado em 2008. O Projeto AK100 tem como objetivo "expor os jovens, que são os representantes da próxima geração, e todas as pessoas em todos os lugares, para a luz e do espírito de Akira Kurosawa e do maravilhoso mundo que ele criou. "

Universidade Anaheim, em cooperação com a Família Kurosawa Akira Kurosawa estabeleceu a Escola de Cinema da Universidade Anaheim para oferecer on-line e misturado programas de Akira Kurosawa e cinema aprendizagem.

Filmografia

Em home vídeo

Todos os trinta filmes dirigidos por Kurosawa estão disponíveis em DVD em todo o mundo, a maioria deles de mais de um distribuidor e em mais de um código de região. Seus filmes começaram a ser lançado em Blu-ray.