Mark Rothko

Mark Rothko
Mark Rothko visitando o Família Scott em 1959
Nome de nascença	Marcus Yakovlevich Rothkowitz
Nascido	(1903/09/25) 25 de setembro de 1903 Dvinsk, Vitebsk Governorate, Império Russo (agora Daugavpils, Letónia )
Morreu	25 de fevereiro de 1970 (1970/02/25) (66 anos) Manhattan, New York, Estados Unidos
Cônjuge	Edith Sachar (1932-?) Mary Ellen "Mell" Beistle (1945-?)
Nacionalidade	Americana
Campo	Pintura
Movimento	Expressionismo abstrato, Coloração Campo
Patronos	Peggy Guggenheim, John de Menil, Dominique de Menil

Mark Rothko ( russo : Марк Ротко; nascido Маркус Яковлевич Роткович; Marcus Yakovlevich Rothkowitz; 25 de setembro de 1903 - 25 de fevereiro de 1970) foi um Pintor americano de ascendência judaica letão. Ele é geralmente identificado como um Expressionista abstrato, embora ele próprio rejeitou essa etiqueta e até mesmo resistiu a classificação como um "pintor abstrato." Com Jackson Pollock e Willem de Kooning, ele é um dos mais famosos do pós-guerra Artistas americanos.

Infância

Mark Rothko nasceu em Dvinsk, Província de Vitebsk, no Império Russo . Seu pai, Jacob (Yakov) Rothkowitz, foi um farmacêutico e um intelectual que inicialmente forneceu seus filhos com uma secular e político, ao invés de religiosa, educação. Em um ambiente onde os judeus eram frequentemente acusada de muitos dos males que se abateram sobre a Rússia, a infância de Rothko foi atormentado pelo medo.

Apesar renda modesta de Jacob Rothkowitz, a família foi muito educado ("Éramos uma família de ler", lembrou a irmã de Rothko), e Rothko foi capaz de falar russo, iídiche e hebraico. Após o retorno de seu pai para o Judaísmo ortodoxo de sua própria juventude, Rothko, o caçula de quatro irmãos, foi enviado para o cheder com a idade de cinco anos, onde estudou o Talmud, embora seus irmãos mais velhos tinha sido educado no sistema escolar público.

A emigração da Rússia para os EUA

Temendo que seus filhos estavam prestes a ser convocado para o Exército Imperial Russo, Jacob Rothkowitz emigrou da Rússia para os Estados Unidos. Marcus permaneceu na Rússia com a mãe ea irmã mais velha Sonia. Juntaram-se a Jacob e os irmãos mais velhos em Portland, Oregon mais tarde, chegando a Ellis Island no inverno de 1913. A morte de Jacob, alguns meses depois deixou a família sem o apoio econômico. Sonia operado uma caixa registadora, enquanto Marcus trabalhou em um dos armazéns de seu tio, vendendo jornais aos empregados.

Marcus começou a escola nos Estados Unidos em 1913, de forma rápida aceleração da terceira para a quinta série, e completou o ensino secundário com honras na Lincoln High School, em Portland, em junho 1921 com a idade de dezessete anos. Ele aprendeu a quarta língua, Inglês, e tornou-se um membro ativo do centro da comunidade judaica, onde ele provou ser capaz de discussões políticas. Como seu pai, Rothko era apaixonado por questões como os direitos dos trabalhadores e direito das mulheres à contracepção. Ele ouviu ativista Emma Goldman falar em uma de suas palestras da Costa Oeste.

Rothko recebeu uma bolsa para Yale. No final do seu primeiro ano, a bolsa não foi renovado, e ele trabalhou como garçom e entregador para apoiar seus estudos. Ele encontrou a comunidade Yale ser elitista e racista. Rothko e um amigo, Aaron Director, iniciou uma revista satírica The Yale Saturday Evening Pest, que satirizou tom abafado, burguês da escola. Em todo o caso, a natureza de Rothko sempre foi mais a do homem autodidata que o aluno aplicado. "Um de seus colegas lembra que ele mal parecia estudar, mas que ele era um leitor voraz." No final de seu segundo ano, Rothko desistiu e não retornou até que ele foi premiado com um doutoramento honoris causa 46 anos mais tarde.

Início de carreira

No outono de 1923, Rothko encontrou trabalho na zona de moda de Nova York. Ao visitar um amigo no Art Students League de Nova York, ele viu estudantes esboçar um modelo. De acordo com Rothko, este foi o início de sua vida como artista. Mais tarde, ele se matriculou na Escola de Design, onde um de seus instrutores foi o artista e classe monitor de New York Arshile Gorky. Este foi provavelmente o seu primeiro encontro com um membro da avant-garde americano, embora os dois homens nunca se tornou perto, dada de Gorky dominante natureza. (Rothko se refere à liderança de Gorky na classe como "sobrecarregado com supervisão.") Naquele outono, ele fez cursos na Art Students League ensinado pelo artista cubista Max Weber, um colega judeu russo. Para os estudantes ansiosos para saber sobre o Modernismo, Weber, que tinha sido uma parte do francês avant-garde, foi visto como "um repositório vivo da história da arte moderna." Sob a tutela de Weber, Rothko começaram a ver a arte como uma ferramenta de expressão emocional e religiosa, e pinturas de Rothko partir desta época revelam a influência de seu instrutor. (Anos mais tarde, quando Weber participou de uma demonstração de trabalho de seu ex-aluno e expressou sua admiração, Rothko estava imensamente satisfeito.)

Círculo de Rothko

O movimento de Rothko para Nova York estabeleceu-o em uma atmosfera artística fértil. Pintores modernistas estavam tendo mais shows em Nova York Galerias todo o tempo, e os museus da cidade eram um recurso inestimável para promover o conhecimento e as habilidades de um artista de brotamento. Entre as importantes influências iniciais sobre Rothko foram as obras dos expressionistas alemães, a arte surrealista de Paul Klee, e as pinturas de Georges Rouault. Em 1928, Rothko exibiu trabalhos com um grupo de outros jovens artistas na Galeria Opportunity apropriadamente chamado. Suas pinturas incluídas escuro, mal-humorado, interiores expressionista, bem como cenas urbanas, e foram geralmente bem aceito entre os críticos e colegas. Apesar do sucesso modesto, Rothko ainda necessário para complementar sua renda, e em 1929 começou a dar aulas de pintura e escultura de argila na Academia Centre, onde permaneceu como professor até 1952. Durante esse tempo, ele conheceu Adolph Gottlieb, que, junto com Barnett Newman, Joseph Solman, Louis Schanker, e John Graham, era parte de um grupo de jovens artistas em torno do pintor Milton Avery, 15 anos Rothko de sénior. Conforme Elaine de Kooning, foi Avery que "deu Rothko a idéia de que [a vida de um artista profissional] era uma possibilidade. Estilizados pinturas da natureza de Avery, utilizando um rico conhecimento da forma e da cor, seria uma tremenda influência sobre Rothko. Logo, pinturas de Rothko assumiu assunto e cor semelhante à da Avery, como visto na Banhistas, ou da cena da praia de 1933-1934.

Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham, e seu mentor, Avery, passou um tempo considerável juntos, em férias no Lake George e Gloucester, Massachusetts, gastando seu dia pintura e suas noites discutindo arte. Durante uma visita de 1932 a Lake George, Rothko conheceu Edith Sachar, um designer de jóias, com quem se casou essa queda. No verão seguinte, seu primeiro one-man show foi realizado no Museu de Arte de Portland, que consiste principalmente de desenhos e aquarelas ; para esta exposição, Rothko tomou o passo incomum de mostrar trabalho feito por seus estudantes pré-adolescentes da Academia Centro ao lado de seu próprio país. Sua família era incapaz de entender a decisão de Rothko de ser um artista, especialmente considerando a terrível situação econômica da Depressão . Tendo problemas financeiros graves sofridos, os Rothkowitzes foram perplexo com aparente indiferença de Rothko de necessidade financeira; eles sentiam que ele estava fazendo a sua mãe um desserviço por não encontrar uma carreira mais lucrativa e realista.

Primeira exposição individual em Nova York

De volta a Nova York, Rothko teve sua primeira East Coast one-man show na galeria de Arte Contemporânea. Ele mostrou quinze pinturas a óleo, em sua maioria retratos, juntamente com algumas aquarelas e desenhos. Foram os óleos que iria capturar a atenção dos críticos; Uso de Rothko de campos ricos de cores movido além da influência de Avery. No final de 1935, juntou-se com Rothko Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg, Louis e Schanker Joseph Solman para formar " O Ten "(Whitney Dez Dissidentes), cuja missão (de acordo com um catálogo de uma mostra 1937 Mercury Gallery) era" para protestar contra a equivalência de renome da pintura americana e pintura literal. "O estilo de Rothko já estava se desenvolvendo na direção de seu renomado obras posteriores, no entanto, apesar desta exploração recém-descoberta de cor, Rothko voltou sua atenção para outra inovação formal e estilística, inaugurando um período de pinturas surrealistas influenciados por fábulas e símbolos mitológicos.

Rothko estava ganhando uma reputação crescente entre os seus pares, especialmente entre o grupo que se formou União dos Artistas. Iniciada em 1937, e incluindo Gottlieb e Soloman, União dos Artistas esperava criar uma galeria de arte municipal para mostrar exposições coletivas auto-organizadas. Em 1936, o grupo mostrou na Galeria Bonaparte na França, o que resultou em algumas notificações críticas positivas. (Pinturas de Rothko, um crítico comentou: "exibição valores coloristic autênticos".) Em seguida, em 1938, a mostra foi realizada na Galeria Mercury em Nova York, concebido como um protesto contra o Museu Whitney de Arte Americana, que o grupo considerado como tendo, uma agenda regionalista provincial. Foi também durante este período que Rothko, como Avery, Gorky, Pollock, De Kooning, e tantos outros, encontrou emprego com o Works Progress Administration.

Elaboração do estilo

Em 1936, Rothko começou a escrever um livro, nunca completou, sobre semelhanças na arte de crianças eo trabalho dos pintores modernos. De acordo com Rothko, o trabalho dos modernistas, influenciado pela arte primitiva, pode ser comparado ao de crianças em que "a arte criança se transforma em primitivismo, que é apenas a produção de um mimetismo do próprio filho." Neste manuscrito, ele observou que "o fato de que geralmente começa com um desenho já é acadêmico. Começamos com a cor." Rothko estava usando campos de cor em suas aquarelas e cenas da cidade.

A obra de Rothko amadureceu a partir de representação e temas mitológicos em campos retangulares de cor e luz, que mais tarde culminaram em suas obras finais para a Capela Rothko. No entanto, entre as cenas primitivistas e brincalhão urbanos e aquarelas do período inicial, e os, campos transcendentes tardias da cor, foi um longo período de transição, marcado por dois acontecimentos importantes na vida de Rothko: o início da II Guerra Mundial e sua leitura de Friedrich Nietzsche .

Maturidade

Rothko separado de Edith, no verão de 1937. Eles reconciliou vários meses mais tarde, ainda seu relacionamento permaneceu tenso. Em 21 de Fevereiro de 1938, Rothko, finalmente, tornou-se um cidadão dos Estados Unidos, motivada por temores de que a crescente influência nazista na Europa pode provocar súbita deportação dos judeus americanos. Preocupado com o anti-semitismo na América e na Europa, Rothko em 1940 abreviado seu nome de "Marcus Rothkowitz" para "Mark Rothko." O nome "Roth", uma abreviatura comum, ainda era identifiably judeu, então ele se estabeleceu em cima "Rothko."

Inspiração da mitologia

Temendo que a pintura moderna americana havia chegado a um beco sem saída conceptual, Rothko estava decidido a explorar diferentes de cenas urbanas e natureza assuntos. Ele procurou assuntos que complementam sua crescente preocupação com a forma, espaço e cor. A crise mundial de guerra emprestou esta busca uma urgência porque ele insistiu que o novo assunto tem um impacto social, no entanto, ser capaz de transcender os limites de símbolos políticos atuais e valores. Em seu ensaio, "The Romantics foi solicitado ", publicado em 1949, Rothko argumentou que o" artista arcaico ... achou necessário criar um grupo de intermediários, monstros, híbridos, deuses e semideuses ", da mesma maneira que a moderna homem encontrado intermediários no fascismo e do Partido Comunista . Para Rothko, "sem monstros e deuses, a arte não pode decretar um drama."

Uso de Rothko de mitologia como um comentário sobre a história atual não era novidade. Rothko, Gottlieb, e Newman lido e discutido as obras de Freud e Jung , em especial as suas teorias sobre os sonhos e os arquétipos do inconsciente coletivo, e eles entenderam símbolos mitológicos como imagens que operam em um espaço de consciência humana que transcende a história específica e cultura. Rothko disse mais tarde que sua abordagem artística foi "reformada" por seu estudo sobre os "temas dramáticos do mito." Ele teria parado pintura completamente em 1940 para mergulhar em Sir James Frazer The Golden Bough e Sigmund Freud A Interpretação dos Sonhos.

A influência de Nietzsche

Nova visão de Rothko tentariam abordar os requisitos mitológicas espirituais e criativas do homem moderno. A influência filosófica mais crucial em Rothko neste período foi de Friedrich Nietzsche 's O nascimento da tragédia. Nietzsche afirmava que a tragédia grega serviu para redimir o homem dos terrores da vida mortal. A exploração de novos temas em arte moderna deixou de ser o objetivo de Rothko. Desse momento em diante, sua arte teve o objetivo de aliviar o vazio espiritual do homem moderno. Ele acreditava que esse vazio resultou, em parte, da falta de uma mitologia, que, de acordo com Nietzsche, poderia abordar "o crescimento da mente de uma criança e - para um homem maduro, sua vida e lutas". Rothko acreditava que sua arte poderia libertar energias inconscientes previamente liberados pelas imagens mitológicas, símbolos e rituais. Ele se considerava um "mythmaker" e proclamou que "a experiência trágica alegre é para mim a única fonte de arte".

Muitas de suas pinturas neste período contrastar cenas bárbaras de violência com passividade civilizado, usando imagens tiradas principalmente de Esquilo de Oresteia trilogia. Em sua pintura 1942 The Omen da Águia, as imagens arquetípicas do "homem, pássaro, animal e árvore ... se fundem em uma única idéia trágico". Uma lista de pinturas de Rothko deste período ilustrar seu uso de mito: Antígona, Édipo, O Sacrifício de Ifigênia, Leda, As Fúrias, Altar de Orfeu. Rothko evoca imagens judaico-cristã no Getsêmani, A Última Ceia , e Ritos de Lilith. Ele também invoca egípcia (Quarto em Karnak) e Síria (The Bull) mito sírio. Logo após a II Guerra Mundial , Rothko acreditava que seus títulos limitados os maiores objetivos, transcendentes de seus quadros, então ele parou intitular suas pinturas.

Abstracionismo "Mythomorphic"

Na raiz de Rothko e Gottlieb apresentação de formas arcaicas e símbolos como assunto iluminantes existência moderna tinha sido a influência de Surrealismo, Cubismo e arte . Em 1936, participou de Rothko duas exposições no Museu de Arte Moderna, "cubismo ea arte abstrata" e "Fantastic Art, Dada e Surrealismo." Ambas as experiências influenciou grandemente a sua célebre Cena 1938 Subway.

Em 1942, após o sucesso de shows por Ernst, Miró, Tanguy, e Salvador Dalí, que tinha imigrado para os Estados Unidos por causa da guerra, Surrealismo tomou New York pela tempestade. Rothko e seus pares, Gottlieb e Newman, se encontraram e discutiram a arte e as ideias desses pioneiros europeus, bem como os de Mondrian. Eles começaram a se consideram herdeiros do avant-garde europeu.

Com forma mítica como um catalisador, eles iriam fundir os dois estilos europeus do surrealismo e da abstração. Como resultado, a obra de Rothko se tornou cada vez mais abstrata; talvez ironicamente, o próprio Rothko descreveu o processo como sendo um em direção a "clareza".

Novas pinturas foram revelados em um show de 1942 em Loja de departamentos Macy em New York City. Em resposta a uma avaliação negativa do New York Times, Rothko e Gottlieb emitiu um manifesto (escrito principalmente por Rothko), que declarou, em resposta a auto-proclamados "perplexidade" do crítico do Times sobre o novo trabalho, "Somos a favor da simples expressão do pensamento complexo. Estamos para a grande forma porque tem o impacto da inequívoca. Queremos reafirmar o plano do quadro. Estamos em formas planas, porque eles destroem a ilusão e revelar a verdade ". Em uma nota mais estridente, eles tomaram uma potshot para aqueles que queriam viver rodeado de arte menos desafiador, observando que seu trabalho necessariamente "deve insultar ninguém que está espiritualmente em sintonia com a decoração de interiores."

A visão de Rothko de mito como um recurso de reposição para uma era de vazio espiritual tinha sido posta em movimento décadas antes, por sua leitura de Carl Jung , TS Eliot , James Joyce e Thomas Mann, entre outros. Ao contrário de seus antecessores, Rothko seria, em seu período mais tarde, desenvolver sua filosofia do trágico ideal para o reino da pura abstração.

Romper com Surrealism

Em 13 de Junho de 1943, Rothko e Sachar separados novamente. Rothko sofreu uma longa depressão após seu divórcio. Pensando que uma mudança de cenário pode ajudar, Rothko voltou para Portland. De lá, ele viajou para Berkeley, onde encontrou o artista Clyfford Still, e os dois começaram uma amizade próxima. Ainda é profundamente pinturas abstratas seria de influência considerável sobre obras posteriores de Rothko. No outono de 1943, Rothko voltou para Nova York, onde conheceu observou coletor e negociante de arte Peggy Guggenheim, que era inicialmente relutante em assumir o seu trabalho. One-man show de Rothko no Guggenheim de The Art of This Century Gallery no final de 1945 resultou em poucas vendas (preços que variam de $ 150 a $ 750) e em avaliações menos do que favorável. Durante este período, Rothko tinha sido estimulada por Still paisagens abstratas de cor, e seu estilo mudou longe de surrealismo. Os experimentos de Rothko na interpretação do simbolismo inconsciente de formas cotidianas tinha corrido seu curso. Seu futuro estava com a abstração:

1945 obra-prima, Redemoinho lenta de Rothko na beira do mar, ilustra sua propensão recém-descoberta para a abstracção. Ele tem sido interpretada como uma meditação sobre o namoro de sua segunda esposa de Rothko, Mary Ellen "Mell" Beistle, a quem ele conheceu em 1944 e se casaram na primavera de 1945. Outras leituras notaram ecos de Botticelli O Nascimento de Vênus, que Rothko viu em um "Masters italiano" exposição empréstimo no Museu de Arte Moderna de 1940. Os presentes de pintura, nos cinzas sutis e pardos, duas formas humanóides abraçado em uma roda, atmosfera de formas e cores flutuante. O fundo rectangular rígida prenuncia experiências posteriores de Rothko na cor pura. A pintura foi terminada, não por coincidência, no ano a Segunda Guerra Mundial terminou.

Apesar do abandono de seu "Mythomorphic abstracionismo" (como descrito por ARTnews), Rothko ainda seria reconhecido pelo público, principalmente por seus trabalhos surrealistas, para o restante da década de 1940. O Whitney Museum incluía-los na sua exposição anual de arte contemporânea 1943-1950.

"Multiforms" de Rothko

O ano de 1946 viu a criação de transição "multiformes" pinturas de Rothko. O termo "multiforme" tem sido aplicado pelos críticos de arte; esta palavra nunca foi usado pelo próprio Rothko, mas é uma descrição exata destas pinturas. Várias delas, incluindo No. 18 e Untitled (ambos 1948), são menos de transição do que plenamente realizados. Rothko se descreveu essas pinturas como possuindo uma estrutura mais orgânica e como unidades independentes de expressão humana. Para ele, esses blocos borradas de várias cores, desprovido de paisagem ou a figura humana, muito menos mito e símbolo, possuía a sua própria força de vida. Eles continham um "sopro de vida" ele encontrou carente de mais pintura figurativa da época. Eles cheio de possibilidades, enquanto que sua experimentação com simbolismo mitológico havia se tornado uma fórmula cansado. Os "multiforms" trouxe Rothko a uma realização de seu, assinatura estilo maduro, o único estilo Rothko jamais abandonaria totalmente.

No meio deste período crucial de transição, Rothko tinha ficado impressionado com Clyfford Still campos abstratos da cor, que foram influenciados, em parte, pelas paisagens de Still do nativo North Dakota. Em 1947, durante um ensinamento semestre de verão na Escola de Belas Artes, Rothko Califórnia e ainda flertou com a idéia de fundar seu próprio currículo, e eles perceberam a ideia em Nova York, no ano seguinte. Nomeado "Os assuntos dos artistas School," eles empregaram David Hare e Robert Motherwell, entre outros. Embora o grupo separou mais tarde no mesmo ano, a escola era o centro de uma enxurrada de atividades na arte contemporânea. Além de sua experiência docente, Rothko começou a contribuir com artigos para duas novas publicações de arte, "olho do tigre" e "Possibilidades". Usando os fóruns como uma oportunidade para avaliar a cena artística atual, Rothko também discutido em detalhe o seu próprio trabalho e filosofia da arte. Esses artigos refletem a eliminação de elementos figurativos de sua pintura. Ele descreveu seu novo método como "aventuras desconhecidos em um espaço desconhecido," livre de "associação direta com qualquer particular, ea paixão do organismo."

Em 1949, Rothko ficou fascinado com Matisse Red Studio 's, adquirida pelo Museu de Arte Moderna naquele ano. Mais tarde, ele creditou-lo como outra principal fonte de inspiração para suas pinturas abstratas posteriores.

Período tardio

No. 14 no SF MoMA

Em breve, os "multiforms" desenvolvido para o estilo de assinatura; no início de 1949 Rothko exibiu essas novas obras no Betty Parsons Gallery. Para o crítico Harold Rosenberg, as pinturas eram nada menos do que uma revelação. Depois de pintar seu primeiro "multiforme", Rothko tinha se isolado para sua casa em East Hampton, em Long Island. Ele convidou somente um seleto poucos, incluindo Rosenberg, para ver as novas pinturas. A descoberta de sua forma definitiva veio em um período de grande aflição para o artista; sua mãe Kate tinha morrido em outubro de 1948. Foi durante esse inverno que Rothko aconteceu mediante o uso de blocos retangulares simétricas de dois a três adversária ou contrastantes, mas complementares, cores, em que, por exemplo, "os retângulos às vezes parecem mal para coalescem para fora do solo, as concentrações de substância. A barra verde em magenta, preto, verde, em Orange, por outro lado, parece vibrar contra a laranja em torno dele, criando um cintilação óptica ". Além disso, para os próximos sete anos, Rothko pintou em óleo apenas em grandes telas com formatos verticais. Muito projetos de grande escala foram utilizados para oprimir o espectador, ou, nas palavras de Rothko, para fazer o espectador sentir-se "envolveu dentro" da pintura. Para alguns críticos, o tamanho grande foi uma tentativa de compensar a falta de substância. Em retaliação, Rothko declarou:

Ele mesmo foi tão longe a ponto de recomendar que os telespectadores se posicionar tão pouco quanto dezoito polegadas de distância da tela para que eles possam experimentar uma sensação de intimidade, bem como admiração, uma transcendência do indivíduo, e uma sensação do desconhecido.

Como Rothko alcançou o sucesso, ele se tornou cada vez mais proteção de suas obras, virando para baixo várias vendas e exposições oportunidades potencialmente importantes.

Objectivos de Rothko, na estimativa de alguns críticos e espectadores, superou seus métodos. Muitos dos Expressionistas abstratos discutiu sua arte como apontar em direção a uma experiência espiritual, ou, pelo menos, uma experiência que excedeu os limites do puramente estético. Nos anos posteriores, Rothko enfatizou mais enfaticamente o aspecto espiritual de sua obra, um sentimento que culminaria na construção do Capela Rothko.

Muitos dos "multiforms" e pinturas de assinatura iniciais são compostos de cores brilhantes, vibrantes, especialmente vermelhos e amarelos, expressando energia e êxtase. Em meados dos anos 1950, no entanto, perto de uma década após a conclusão dos primeiros "multiforms," Rothko começou a empregar azuis escuros e verdes; para muitos críticos do seu trabalho esta mudança de cores era representante de uma crescente escuridão dentro da vida pessoal de Rothko.

O método de rothko consiste em aplicar uma camada fina de pasta misturada com o pigmento directamente sobre a tela não revestido e não tratada e para pintar óleos diminuiu significativamente directamente sobre esta camada, criando uma mistura densa de cores e formas que se sobrepõem. Suas pinceladas eram rápido e leve, um método que iria continuar a usar até a sua morte. Seu adeptness a aumentar a este método é evidente nas pinturas concluídas para a Capela. Com uma ausência de representação figurativa, o que não é o drama de ser encontrado em um tarde Rothko é no contraste de cores, irradiando um contra o outro. Suas pinturas podem então ser comparado a uma espécie de acordo de fuga-like: cada variação contraposta um contra o outro, mas todos já existente dentro de uma estrutura arquitectónica.

Rothko utilizadas diversas técnicas originais que ele tentou manter em segredo até mesmo de seus assistentes. Microscopia eletrônica e ultravioleta análise realizada pela MOLAB mostrou que ele empregou substâncias naturais, como ovo e cola, bem como materiais artificiais, incluindo resinas acrílicas, formaldeído fenol, modificado alquídica, e outros. Um dos seus objectivos era fazer com que as várias camadas de pintura secar rapidamente, sem mistura de cores, de modo que logo que ele poderia criar novas camadas na parte superior do que os anteriores.

Europeu viagens: fama crescente

Rothko e sua esposa visitaram a Europa durante cinco meses no início de 1950. A última vez que ele tinha sido na Europa foi durante sua infância na Letónia, naquele tempo parte da Rússia. No entanto, ele não retornou à sua terra natal, preferindo visitar as colecções de pintura importantes nos principais museus da Inglaterra, França e Itália. O afrescos de Fra Angelico no mosteiro de San Marco em Florence mais o impressionou. Espiritualidade e concentração de Fra Angelico na luz apelou para a sensibilidade de Rothko, assim como as adversidades econômicas enfrentadas artista, que Rothko viam como semelhante à sua. Tudo o que estava prestes a mudar, no entanto.

Rothko teve one-man shows no Betty Parsons Gallery em 1950 e 1951 e em outras galerias de todo o mundo, inclusive no Japão, São Paulo e Amsterdã . O "Quinze americanos" show 1952 com curadoria de Dorothy Canning Miller, no Museu de Arte Moderna formalmente anunciado os artistas abstratos e incluiu obras de Jackson Pollock e William Baziotes. Ele também criou uma disputa entre Rothko e Barnett Newman, depois de Newman acusado Rothko de ter tentado excluí-lo do show. Cultivar o sucesso como um grupo estava levando a luta interna e alega supremacia e liderança. Quando revista "Fortune" nomeou uma pintura de Rothko como um bom investimento, Newman e ainda marca-lhe um sell-out com aspirações burguesas. Clyfford Still escreveu para Rothko para pedir que as pinturas que ele havia lhe dado ao longo dos anos ser devolvido. Rothko estava profundamente deprimido pelo ciúme seus antigos amigos.

Durante a viagem a Europa 1950, a esposa de Rothko ficou grávida. Em 30 de dezembro, quando eles estavam de volta a Nova York, ela deu à luz uma filha, Kathy Lynn, chamado de "Kate" em honra da mãe de Rothko.

As reações a seu próprio sucesso

Pouco tempo depois, devido à ficha revista Fortune e mais compras por clientes, a situação financeira da Rothko começou a melhorar. Além das vendas de pinturas, ele também tinha dinheiro de seu cargo de professor na Colégio Brooklyn. Em 1954, ele exibiu em um show solo no Art Institute of Chicago, onde conheceu o negociante de arte Sidney Janis, que representou Pollock e Franz Kline. O relacionamento deles provou mutuamente benéfica.

Apesar de sua fama, Rothko sentiu um crescente isolamento pessoal e um sentimento de ser mal interpretado como um artista. Ele temia que as pessoas compraram suas pinturas simplesmente fora de moda e que o verdadeiro propósito de seu trabalho não estava sendo agarrado por colecionadores, críticos, ou audiências. Ele queria que suas pinturas de ir além de abstração, assim como além da arte clássica. Para Rothko, as pinturas eram objetos que possuía sua própria forma e potencial, e, portanto, devem ser enfrentadas como tal. Percebendo a inutilidade de palavras descrevendo este aspecto decididamente não-verbal de seu trabalho, Rothko abandonado todas as tentativas de responder àqueles que perguntam por seu significado e propósito, afirmando finalmente que o silêncio é "tão preciso." "'Superfícies minhas pinturas são expansivas e empurrar para fora em todas as direções, ou seu contrato de superfícies e correr para dentro em todas as direções. Entre estes dois pólos, você pode encontrar tudo o que eu quero dizer."

Rothko começou a insistir que ele não era um abstracionista e que tal descrição foi tão imprecisa como rotular-lhe um grande colorista. Seu interesse era

Para Rothko, a cor é "apenas um instrumento." Os multiforms e as pinturas de assinatura são, em essência, a mesma expressão de emoções humanas básicas como suas pinturas surrealistas mitológicas, embora de uma forma mais pura. O que é comum entre estas inovações estilísticas é uma preocupação para "tragédia, ecstasy e desgraça." Ele foi o comentário de Rothko sobre os espectadores quebrar em lágrimas antes de suas pinturas que podem ter convencido o de Menils para construir a Capela Rothko. O que quer que o sentimento de Rothko sobre interpretações de seu trabalho, é evidente que, em 1958, a expressão espiritual que pretendia retratar na tela foi crescendo cada vez mais escuro. Seus vermelhos brilhantes, amarelos e laranjas foram sutilmente transformado em azuis escuros, verdes, cinzas e pretos.

Amigo de Rothko, o crítico de arte Dore Ashton, aponta para conhecimento do artista com o poeta Stanley Kunitz como um vínculo significativo neste período ("conversas entre pintor e poeta alimentado em empresa de Rothko"). Kunitz viu Rothko como "um primitivo, um xamã que encontra a fórmula mágica e leva as pessoas a ele." Grande poesia e pintura, Kunitz acreditava, ambos tiveram "raízes na magia, encantamento e magia-casting" e eram, em sua essência, ética e espiritual. Kunitz instintivamente entendido o propósito da busca de Rothko.

Em novembro de 1958, Rothko deu um endereço para Pratt Institute. Em um tenor incomum para ele, ele discutiu a arte como um comércio e ofereceu "receita [a] de uma obra de arte - seus ingredientes - como fazê-lo - a fórmula.

1. Deve haver uma clara preocupação com a morte - insinuações de mortalidade ... arte trágica, arte romântica, etc., lida com o conhecimento da morte. 2. Sensualidade. Nossa base de ser concreto sobre o mundo. É uma relação lascivo para as coisas que existem. 3. A tensão. De qualquer conflito ou desejo controlada. 4. Ironia, Este é um ingrediente moderno - a auto-anulação e exame pelo qual um homem por um instante pode ir para outra coisa. 5. Wit e jogar ... para o elemento humano. 6. O efêmero e oportunidade ... para o elemento humano. 7. Esperança. 10% para tornar o conceito de trágico mais suportável.

Eu medir estes ingredientes muito cuidado quando eu pintar um quadro. É sempre a forma que se segue estes elementos e os resultados de imagem para as proporções destes elementos ".

Murais Seagram comissão / Four Seasons Restaurant

Em 1958, Rothko foi premiado com o primeiro dos dois principais comissões murais que provaram ao mesmo tempo gratificante e frustrante. A empresa de bebidas Joseph Seagram and Sons tinha terminado recentemente seu novo edifício na Park Avenue, projetado por arquitetos Mies Van der Rohe e Philip Johnson. Rothko concordou em fornecer pinturas para novo restaurante de luxo do edifício, The Four Seasons. Esta foi, como o historiador de arte Simon Schama colocá-lo, "trazer [ndo] seus dramas monumentais direita para o ventre da besta".

Para Rothko, esta comissão apresentou um novo desafio para ele foi a primeira vez que ele foi exigido não só para projetar uma série coordenada de pinturas, mas para produzir um conceito de espaço de arte para um interior amplo e específico. Nos três meses seguintes, Rothko completou quarenta pinturas, três séries completo em vermelho e marrom escuro. Ele alterou seu formato de horizontal para vertical, para complementar as características verticais do restaurante: colunas, paredes, portas e janelas.

Enquanto na Europa, os Rothkos viajou para Roma , Florence, Veneza e Pompéia . Em Florença, ele visitou Michelangelo 's Laurentian Library, para ver em primeira mão vestíbulo da biblioteca, de onde tirou mais inspiração para as pinturas murais. Ele observou que o "quarto tinha exatamente o sentimento que eu queria .... dá ao visitante a sensação de estar preso em um quarto com as portas e janelas em paredes de fechada." Além disso, ele foi influenciado pelas cores sombrias dos murais no Pompeiian Villa dos Mistérios. Após a viagem a Itália, os Rothkos viajou para Paris, Bruxelas , Antuérpia e Amesterdão , antes de retornar aos Estados Unidos.

Uma vez de volta a Nova York, Rothko e esposa Mell visitou o restaurante quase concluída Four Seasons. Chateado com atmosfera de refeições do restaurante, que ele considerava pretensiosa e inadequado para a exibição de suas obras, Rothko se recusou a continuar o projeto e voltou seu adiantamento em dinheiro para a Seagram & Sons Company. Seagram tinha a intenção de honrar surgimento de Rothko à proeminência através de sua seleção, e sua quebra de contrato e expressão pública de indignação foram inesperados.

Rothko manteve as pinturas encomendadas no armazenamento até 1968. Dado que Rothko tinha sabido com antecedência sobre a decoração de luxo do restaurante e da classe social de seus futuros clientes, os motivos para seu repúdio abrupta permanecem misteriosas. Uma personalidade temperamental, Rothko nunca explicou totalmente suas emoções conflitantes sobre o incidente. Uma leitura é oferecido por seu biógrafo, James EB Breslin: o projeto Seagram poderia ser visto como uma encenação de um familiar, neste caso a auto-criado "drama de confiança e traição, de avançar para o mundo, em seguida, retirar-se, com raiva , a partir dele .... Ele era um Isaac, que no último momento se recusou a ceder a Abraão. " A série final de Seagram murais foi dispersa e agora está pendurada em três locais: de Londres Tate Modern, do Japão Kawamura Memorial Museum eo National Gallery of Art, em Washington, DC

Em outubro de 2012, Black on Maroon , uma das pinturas da série Seagram, foi desfigurado com a escrita em tinta preta, enquanto em exposição na Tate Modern, por Wlodzimierz Umaniec. Estima-se que a restauração da pintura pode levar até 18 meses para ser concluído. A BBC 's Editor de Arte Will Gompertz explicou que a tinta da caneta do Umaniec tinha sangrado todo o caminho através da tela, causando "uma ferida profunda não um arranhão superficial" e que o vândalo tinha causado "danos significativos".

Crescente proeminência nos Estados Unidos

No Tower: Mark Rothko, uma exposição com 1.964 pinturas em preto-em-preto de Rothko de Capela Rothko.A exposição está dentro daGaleria Nacional de Arte de East Building, Torre Gallery,(torre principal, na foto), emWashington, DC

Espaço primeiro completou de Rothko foi criado na Phillips Collection, em Washington, DC, na sequência da compra de quatro pinturas de coletor Duncan Phillips. Fama e riqueza de Rothko tinha substancialmente aumentados; suas pinturas começaram a vender para colecionadores notáveis, incluindo os Rockefellers. Em janeiro de 1961, Rothko sentou ao lado de Joseph Kennedy em John F. Kennedy bola inaugural 's. Mais tarde, naquele ano, uma retrospectiva de sua obra foi realizada no Museu de Arte Moderna, a considerável sucesso comercial e de crítica. Apesar dessa notoriedade recém-descoberta, o mundo da arte já tinha virado a sua atenção dos expressionistas abstratos agora passé para a "próxima grande coisa", Pop Art, particularmente o trabalho de Warhol , Lichtenstein, e Rosenquist.

Rothko marcado artistas Pop-Art "charlatães e jovens oportunistas", e perguntou em voz alta durante uma exposição de Pop Art 1962, "São os jovens artistas conspirar para matar todos nós?" Na visão bandeiras de Jasper Johns, Rothko disse: "Trabalhamos durante anos para se livrar de tudo isso." Não era que Rothko não podia aceitar ser substituída, mas que não podia aceitar o que estava substituindo-o: ele encontrou Pop Art insípida.

Rothko recebeu um segundo projeto comissão mural, desta vez para uma parede de pinturas para a cobertura de da Universidade de Harvard Holyoke Centre. Ele fez vinte e dois esboços, das quais seis murais foram concluídas e apenas cinco foram instalados. Presidente Harvard Nathan Pusey, seguindo uma explicação sobre a simbologia religiosa da Triptych, tinha os quadros pendurados em janeiro de 1963, e mais tarde mostrada no Guggenheim. Durante a instalação, Rothko encontrou as pinturas de ser comprometida pela iluminação da sala. Apesar da instalação de máscaras de fibra de vidro, as pinturas foram removidos no final de 1970 e, devido à natureza fugitivo de alguns dos pigmentos vermelhos, foi colocada em depósito escuro e exibido apenas periodicamente.

Em 31 de agosto de 1963, o Mell deu à luz um segundo filho, Christopher. Naquele outono, Rothko assinado com a Galeria Marlborough para as vendas de seu trabalho fora dos Estados Unidos. Em Nova York, ele continuou a vender a obra de arte diretamente de seu estúdio. Bernard Reis, consultor financeiro de Rothko, foi também, sem o conhecimento do artista, o contabilista da Galeria e, junto com seus colegas de trabalho, mais tarde foi responsável por uma das história da arte de maiores escândalos.

A Capela Rothko

O Rothko Chapel está localizado ao lado do Menil Collection e The University of St. Thomas em Houston, Texas . O edifício é pequeno e sem janelas. É, uma estrutura geométrica "pós-moderna", localizado em um bairro Houston turn-of-the-century de classe média. A capela, a Menil Collection, e nas proximidades galeria Cy Twombly foram financiados pelo Texas milionários do petróleo John e Dominique de Menil.

Em 1964, Rothko se mudou para sua última estúdio em Nova York, em 157 leste 69ª Rua, equipar o estúdio com roldanas que transportam grandes paredes de material de lona para regular a luz de uma cúpula central, para simular a iluminação que planejava para a Capela Rothko. Apesar das advertências sobre a diferença de luz entre Nova York e Texas, Rothko persistiu com o experimento, estabelecendo para trabalhar nas telas. Rothko disse a amigos que pretendia a Capela de ser sua única instrução artística mais importante. Ele envolveu-se consideravelmente no projeto do prédio, insistindo que apresentam uma cúpula central, como a de seu estúdio. Arquiteto Philip Johnson, incapaz de comprometer-se com a visão de Rothko sobre o tipo de luz que ele queria no espaço, deixou o projeto em 1967, e foi substituído por Howard Barnstone e Eugene Aubry. Os arquitetos freqüentemente voou para Nova York para consultar e em uma ocasião trouxeram com eles uma miniatura do edifício para a aprovação de Rothko.

Para Rothko, a Capela era para ser um destino, um lugar de peregrinação muito longe do centro de arte (neste caso, New York), onde os requerentes de recém-arte de Rothko "religioso" poderia jornada. Inicialmente, a Capela, agora não-denominacional, era para ser especificamente Católica Romana , e durante os três primeiros anos do projeto (1964-1967) Rothko acredita-permaneceria assim. Assim, o projeto de Rothko do edifício e as implicações religiosas das pinturas foram inspiradas pela arte católica romana e arquitetura. Sua forma octogonal é baseado no Bizantino igreja de St. Maria Assunta, eo formato dos trípticos é baseada em pinturas do Crucificação. The de Menils acreditava que o aspecto "espiritual" universal da obra de Rothko complementaria os elementos do catolicismo romano.

Técnica de pintura de Rothko necessária considerável resistência física que o artista enfermo não era mais capaz de reunir. Para criar as pinturas que ele imaginou, Rothko foi forçado a contratar dois assistentes para aplicar a tinta castanha-marrom em cursos rápidos de várias camadas: "vermelhos tijolo, vermelhos profundos, malvas negros." Em metade das obras, Rothko nenhum do próprio tinta aplicada e foi para o conteúdo mais parte para supervisionar a, árduo processo lento. Ele sentiu a conclusão das pinturas a ser "tormento" eo resultado inevitável foi a de criar "algo que você não quer olhar."

A capela é o culminar de seis anos de vida de Rothko e representa a sua preocupação crescente gradualmente para o transcendente. Para alguns, a testemunhar estas pinturas é submeter seu auto para uma experiência espiritual, que, através da sua transcendência da matéria, que se aproxima da própria consciência. Ele força a se aproximar dos limites da experiência e desperta um para a consciência da existência de um próprio. Para outros, as casas Capela catorze grandes pinturas cujos escuro, superfícies quase impenetráveis ​​representam hermetismo e contemplação.

As pinturas da capela consistem de um tríptico monocromático na cor marrom suave na parede central (três painéis de 5-por-15-pé), e um par de trípticos, à esquerda e à direita feito de retângulos negros opacos. Entre os trípticos são quatro pinturas individuais (11 por 15 pés cada um), e uma individual de pintura adicional enfrenta o tríptico centro da parede oposta. O efeito é cercar o espectador com maciça, impondo visões de escuridão. Apesar de sua base no simbolismo religioso (o tríptico) e imagens de menos-que-sutil (a crucificação), as pinturas são difíceis de anexar especificamente ao simbolismo cristão tradicional, e pode agir sobre os espectadores subliminarmente. Investigação espiritual ou estético activo pode ser desencadeada a partir do visualizador da mesma forma um ícone religioso com simbolismo específico faz. Desta forma, o apagamento dos símbolos de Rothko tanto remove e cria barreiras para o trabalho.

Como se viu, essas obras seria sua declaração artística final para o mundo. Eles foram finalmente revelado na abertura da Capela Rothko em 1971. nunca viu a Capela concluída e nunca instalou as pinturas. Em 28 de fevereiro de 1971, na dedicação, Dominique de Menil, disse, "Estamos muito confuso com imagens e única arte abstrata pode trazer-nos ao limiar do divino", observando a coragem de Rothko em pintar o que poderia ser chamado de "fortalezas impenetráveis" de cor. O drama para muitos críticos da obra de Rothko é a posição desconfortável das pinturas entre, como perseguição, observa que "nada ou vapidity" e "digna" ícones mute 'oferta' o único tipo de beleza que encontramos aceitável hoje '. "

Legado

As obras completas sobre tela de Rothko, 836 pinturas, foram catalogadas pelo historiador de arte David Anfam em seu livro de 1998Mark Rothko: Os trabalhos em tela: Catálogo Raisonné, publicado pelaYale University Press em 1998.

A liquidação de sua propriedade tornou-se o assunto doRothko Case.

Um manuscrito inédito por Rothko sobre suas filosofias sobre a arte,a realidade do artista, foi editado por seu filho, Christopher Rothko, e foi publicado pelaYale University Press em 2006.

Red , um jogo baseado em Rothko, escrito por John Logan, abriu no Donmar Warehouse, em Londres, em 3 de dezembro de 2009. A um ato, jogo de noventa minutos, estrelado por Alfred Molina, centrada no período dos Murais Seagram. Ele recebeu excelentes críticas e tocou para casas vendidas-out. Em 2010, a Red estreou na Broadway, onde ganhou seis prêmios Tony, incluindo "Best Play". Molina jogado Rothko em Londres e Nova York.

A coleção da família de Mark Rothko obras de propriedade de Mark Rothko Estate foi representado pelaPace Gallery em Nova York desde 1978.

A cidade letã deDaugavpils, o local de nascimento do artista tarde, revelou um monumento ao artista na margem do rio Daugava, em 2003. Em 2013, o Centro de Arte Mark Rothko aberto em Daugavpils depois que a família Rothko tinha doado uma pequena coleção de obras originais de Rothko.

Mercado artístico

No início de novembro 2005 1953 pintura de RothkoHomenagem a Matissequebrou o recorde para toda a pintura do pós-guerra em um leilão público, vendendo por 22,5 milhões de dólares.

Em maio de 2007, de Rothko 1950 pintura Centro Branco (Amarelo, Rosa e Lavanda sobre Rosa) quebrou este recorde novamente, vendendo na Sotheby em Nova York por 72,8 milhões de dólares. A pintura foi vendida pelo banqueiro David Rockefeller, que participou do leilão.

Em maio de 2011, Leilões da Christie vendeu uma pintura de Rothko previamente desconhecido, representando o trabalho como # 836. O trabalho foi adicionado ao catálogo Rothko existente de 835 trabalhos depois de autenticação especialista. A pintura recém-descoberto, sem título, nº 17 , criado em 1961, veio à tona quando um colecionador particular colocá-la à venda, alegando que ele comprou-o diretamente do artista. Um óleo de sete pés de altura sobre tela em vermelho e rosa em um fundo ocre, a pintura abriu com um lance casa de 13 milhões de dólares e vendido por 30 milhões de dólares.

Em maio de 2012, 1961 pintura de Rothko Orange, Red, Yellow(# 693 no de Anfamcatálogo raisonné) foi vendido pela Christie, em Nova York por 86,9 milhões de dólares, estabelecendo um novovalor nominalrecorde para uma pintura do pós-guerra em um leilão público.