Pintura ocidental
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A história da pintura ocidental representa um contínuo, embora perturbado, tradição de antiguidade até o presente momento. Até meados do século 19 que estava preocupado principalmente com representacional e Modos clássicos de produção, após o que mais moderno, abstrato e formas conceituais ganhou favor.
Desenvolvimentos em Western pintura historicamente a paralela aqueles na pintura oriental, em geral alguns séculos mais tarde. Africano arte, Arte islâmica, Arte indiana, Arte chinesa, e Arte japonesa cada um teve uma influência significativa na arte ocidental, e, eventualmente, vice-versa.
Inicialmente, servindo o patrocínio imperial, privado, cívica e religiosa, pintura ocidental encontrado mais tarde o público no aristocracia ea classe média. A partir dos Idade Média através dos renascentistas pintores trabalhou para a igreja e uma aristocracia rica. Começando com os barrocos artistas da era recebido encomendas particulares a partir de uma classe média mais educada e próspera. A idéia de " arte pela arte "começou a encontrar expressão no trabalho dos românticos pintores como Francisco de Goya , John Constable e JMW Turner . Durante o comercial do século 19 galerias se estabeleceu e continuou a prestar patrocínio no século 20.
Pintura ocidental atingiu o seu apogeu na Europa durante o Renascimento, em conjunto com o refinamento do desenho, uso de perspectiva, arquitetura ambiciosa, tapeçaria, vitral , escultura, eo período antes e após o advento da A impressão da imprensa. Seguindo a profundidade da descoberta e da complexidade das inovações da Renascença, a rica herança da pintura ocidental (do barroco para A arte contemporânea). A história da pintura continua no século 21.
Pré-história
Grutas de Bhimbetka, pintura rupestre, Idade da Pedra , Índia
Auroque Pintura Rupestre, Lascaux, França
Lascaux, cavalo
Lascaux, touros e cavalos
Bison , no grande salão de policromes, Caverna de Altamira, Espanha
Petroglyphs, da Suécia, Nordic Idade do Bronze (pintado)
Pictogramas da Grande Galeria, Parque Nacional de Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 BCE
Cueva de las Manos (espanhol para Caverna das Mãos), na província de Santa Cruz, na Argentina, c.550 BC
A história da pintura atinge volta no tempo para artefatos de seres humanos pré-históricos, e se estende por todas as culturas. Os mais antigos pinturas conhecidas estão no Grotte Chauvet em France, reivindicado por alguns historiadores para ter aproximadamente 32.000 anos de idade. Elas são gravados e pintados usando ocre vermelho eo pigmento preto e mostram cavalos, rinoceronte, leões, búfalo, mammoth ou seres humanos frequentemente caçando. Há exemplos de pinturas rupestres de todo o mundo-em França, Índia, Espanha, Portugal, China, Austrália, etc Há muitos temas comuns ao longo dos muitos lugares diferentes que as pinturas foram encontrados; o que implica a universalidade de propósito e semelhança dos impulsos que poderia ter criado a imagem. Várias hipóteses têm sido feitas quanto ao significado destas pinturas tiveram que as pessoas que as fizeram. Homens pré-históricos podem ter pintado animais para "pegar" seu alma ou espírito, a fim de caçá-los mais facilmente, ou as pinturas pode representar uma visão animista e uma homenagem a envolvente natureza , ou podem ser o resultado de uma necessidade básica de expressão que é inata aos seres humanos, ou podem ser gravações das experiências de vida dos artistas e histórias relacionadas de os membros do seu círculo.
Pintura ocidental
Egito, Grécia e Roma
Sennedjem ara seus campos com um par de bois, c. 1200 aC
Antigo Egipto , A Deusa Isis , pintura de parede, c. 1360 aC
Antigo Egito , Rainha Nefertari
Antigo Egito , papiro
Painéis Pitsa, uma das poucas pinturas do painel sobrevivente de Grécia arcaica, ca. 540-530 aC
Simpósio cena no Túmulo do Diver no Paestum, circa 480 aC Arte grega
Knossos
Arte romana, Pompeia
Arte romana
Arte romana
Arte romana
Arte romana
Arte romana
Arte romana
Antigo Egipto , uma civilização com fortes tradições de arquitetura e escultura (ambos originalmente pintado em cores brilhantes), teve muitas pinturas murais em templos e edifícios, e ilustrações pintadas em papiro manuscritos. Pintura de parede egípcia e pintura decorativa é muitas vezes gráfico, às vezes mais simbólico do que realista. Pintura egípcia retrata figuras em contorno em negrito e plana silhueta, em que a simetria é uma característica constante. Pintura egípcia tem estreita ligação com a sua linguagem escrita chamada Hieróglifos egípcios. Símbolos pintados são encontrados entre as primeiras formas de linguagem escrita. Os egípcios também pintou em linho, restos dos quais sobrevivem até hoje. Pinturas egípcias antigas sobreviveram devido ao clima extremamente seco. Os antigos egípcios criaram pinturas para tornar o vida após a morte do falecido um lugar agradável. Os temas incluídos jornada através do outro mundo ou suas divindades protetoras introdução do falecido para os deuses do submundo. Alguns exemplos de tais pinturas são pinturas dos deuses e deusas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osíris e Ísis . Algumas pinturas em tumbas mostram atividades que o falecido estavam envolvidos em quando eles estavam vivos e que desejam continuar a fazer por toda a eternidade. No Novo Reino e, mais tarde, o Livro dos Mortos foi enterrado com a pessoa sepultada. Considerou-se importante para uma introdução à vida após a morte.
Ao norte do Egito foi a civilização minóica na ilha de Creta. As pinturas de parede encontradas no palácio de Cnossos são semelhantes aos do Egípcios, mas muito mais livre no estilo.
Por volta de 1100 aC, as tribos do norte da Grécia conquistaram a Grécia ea sua arte tomou um novo rumo. A cultura da Grécia antiga é notável por suas contribuições excepcionais para as artes visuais. Pintura em cerâmica grega e cerâmica dá um vislumbre especialmente informativa para a forma como a sociedade na Grécia Antiga funcionava. Muitos bons exemplos de Preto-figura pintura vaso e Vermelho-figura pintura do vaso ainda existem. Alguns pintores gregos famosos que trabalharam em painéis de madeira e são mencionadas em textos são Apeles, Zeuxis e Parrhasius; no entanto, com a única excepção de a Painéis Pitsa, há exemplos da Antiga pintura do painel grego sobreviver, apenas descrições escritas por seus contemporâneos ou Romanos posteriores. Zeuxis viveu no século 5 aC e foi dito ser o primeiro a usar sfumato. Conforme Plínio, o Velho, o realismo de suas pinturas era tal que as aves tentaram comer as uvas pintadas. Apelles é descrito como o maior pintor de antiguidade, e é conhecido pela técnica perfeita no desenho, cor brilhante, e modelagem.
Arte romana foi influenciado pela Grécia e pode em parte ser tomado como descendente da pintura grego antigo. No entanto, pintura romana tem características únicas importantes. Quase todos os sobreviventes obras romanas são as pinturas murais, muitos de vilas em Campania, no sul da Itália. Tal pintura podem ser agrupadas em quatro grandes "estilos" ou períodos e podem conter os primeiros exemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva, e pura paisagem. Quase os retratos pintados única sobreviventes do mundo antigo são um grande número de Múmia Retratos de forma busto encontrados no Cemitério antigo da tarde Al-Fayum. Embora estes não eram nem o melhor período, nem a mais alta qualidade, eles são impressionantes em si mesmos, e sugerir a qualidade do melhor trabalho antigo. Um número muito pequeno de Do final de miniaturas livros ilustrados Antique também sobreviver, assim como um pouco maior número de cópias dos mesmos a partir do primeiro período medieval.
Idade média
Algodão Genesis Uma miniatura de Abraham Reunião Anjos
Bizantino ícone, século 6
Mosaicos bizantinos em arte Ravenna
, Século sexta-bizantino
Irmãos Limbourg
Irmãos Limbourg
Livro de Horas
A captação de Jerusalém durante a Primeira Cruzada , c. 1099
O Morgan Folha, a partir do Winchester Bíblia 1160-1175, cenas da vida de David
Yaroslavl Evangelhos c. 1220
Carolíngia
Carolíngia São Marcos
Retrato Evangelista
Giottino
Vitale da Bologna
Simone Martini
Simone Martini
Cimabue
Giotto
Giotto
Giotto
Andrei Rublev
Andrei Rublev, Ascensão, 1408
Ambrogio Lorenzetti
Pietro Lorenzetti
-
Duccio
Bonaventura Berlinghieri, São Francisco de Assis, 1235
Chora Church
Catedral do Arcanjo
Voronet Monastery
A ascensão do cristianismo transmitido um espírito diferente e destinam-se a estilos de pintura. Arte bizantina, uma vez que seu estilo foi estabelecida por volta do século 6, colocou grande ênfase na retenção tradicional iconografia e estilo, e evoluiu gradualmente durante os mil anos do Império Bizantino e as tradições vivas do grego e russo ortodoxo ícone-pintura. Pintura bizantina tem um sentimento hierática e ícones foram e ainda são vistos como uma representação da revelação divina. Havia muitos frescos, mas menos delas do que sobreviveram mosaicos . Arte bizantina tem sido comparado ao contemporâneo abstração, em sua planicidade e representações estilizadas de figuras e paisagens. Alguns períodos da arte bizantina, especialmente os chamados Arte macedônio de cerca do século 10, são mais flexíveis na abordagem. Afrescos do Renascimento Palaeologian dos primeiros c14th sobreviver no Igreja Chora em Istambul.
No pós-Antique Europa católica o primeiro distintivo estilo artístico a surgir, que incluiu pintura era a Arte insularidade das ilhas britânicas, onde os exemplos únicos sobreviventes são miniaturas em Manuscritos iluminados, como o Livro de Kells . Estes são os mais famosos para sua decoração abstrata, embora os números, e às vezes cenas, também foram descritos, especialmente em Retratos evangelista. Carolíngio e Arte Otoniana também sobrevive principalmente nos manuscritos, embora alguns pintura mural permanecem, e mais estão documentados. A arte deste período Insular e combina influências "bárbaros" com uma forte influência bizantina e uma aspiração para recuperar monumentalidade clássica e equilíbrio.
Paredes de Românica e Igrejas góticas eram decoradas com afrescos, bem como escultura e muitos dos poucos remanescentes murais têm grande intensidade, e combinar a energia de arte decorativa Insular com uma nova monumentalidade no tratamento de figuras. Muito mais miniaturas em Manuscritos iluminados sobrevivem do período, mostrando as mesmas características, que continuam no Período gótico.
Pintura do painel torna-se mais comum durante o Românico, sob a forte influência de ícones bizantinos. Em meados do século 13, Arte medieval e Pintura gótica tornou-se mais realista, com os princípios de interesse na representação de volume e perspectiva na Itália com Cimabue e, em seguida, seu pupilo Giotto. De Giotto em, o tratamento da composição pelas melhores pintores também tornou-se muito mais livre e inovador. Eles são considerados os dois grandes mestres medievais de pintura na cultura ocidental. Cimabue, dentro da tradição bizantina, usou uma abordagem mais realista e dramático para a sua arte. Seu aluno, Giotto, tomou estas inovações para um nível mais elevado que por sua vez as bases para a pintura tradição ocidental. Ambos os artistas foram pioneiros no movimento para o naturalismo.
Igrejas foram construídas com mais e mais janelas eo uso de coloridos vitrais tornar um grampo em decoração. Um dos mais famosos exemplos deste é encontrado na catedral de Notre Dame de Paris. Por volta do século 14 sociedades ocidentais foram mais rica e mais cultivada e pintores encontraram novos clientes no nobreza e até mesmo o burguesia. Manuscritos iluminados assumiu um novo caráter e magros, mulheres vestidas elegantemente judiciais foram mostrados em suas paisagens. Este estilo logo se tornou conhecido como internacionais do estilo pinturas do painel do tempera e retábulos ganhou importância.
Renascimento e Maneirismo
Fra Angelico
Filippo Lippi
Andrea Mantegna
Masaccio a expulsão de Adão e Eva do Éden, antes e depois da restauração
Paolo Uccello
Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Ticiano
Sandro Botticelli
Piero della Francesca
Giorgione
Jacopo Tintoretto
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Rogier van der Weyden
Robert Campin
Hieronymus Bosch
Pieter Bruegel
Hans Holbein, o Jovem
El Greco
O Renaissance (francês para "renascimento"), um movimento cultural que mede aproximadamente a 14 até o século de mid-17th, anunciava o estudo de fontes clássicas, bem como os avanços na ciência que influenciou profundamente a vida intelectual e artístico europeu. Em Itália artistas como Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti , Raphael , Giovanni Bellini e Ticiano pintura levou a um nível mais elevado através da utilização de perspectiva, o estudo da anatomia humana e proporção, e através de seu desenvolvimento de um refinamento sem precedentes nas técnicas de desenho e pintura.
Pintores flamengos, holandeses e alemães do Renascimento, como Hans Holbein, o Jovem, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, Hieronymous Bosch, e Pieter Bruegel representam uma abordagem diferente de seus colegas italianos, um que é mais realista e menos idealizada. Pintura de gênero tornou-se uma expressão idiomática popular entre os pintores do norte como Pieter Bruegel. A adoção de pintura a óleo cuja invenção foi tradicionalmente, mas erroneamente, creditada a Jan Van Eyck, (uma figura de transição importante que preenche pintura na Idade Média, com a pintura do início do Renascimento), tornou possível uma nova verossimilhança em retratar a realidade. Ao contrário dos italianos, cujo trabalho se baseou fortemente a partir da arte da Grécia e Roma antigas, os nortistas manteve um resíduo estilístico da escultura e manuscritos iluminados da Idade Média.
Pintura renascentista reflete a revolução de idéias e ciência ( a astronomia , geografia ) que ocorreram nesse período, o Reforma, e a invenção do A impressão da imprensa. Dürer, considerado um dos maiores de gravadores, afirma que os pintores não são mera artesãos, mas pensadores bem. Com o desenvolvimento de pintura de cavalete na Renascença, pintura ganhou a independência da arquitetura. Seguindo séculos dominados por imagens religiosas, assunto secular matéria lentamente retornou à pintura ocidental. Artistas incluídos visões do mundo ao seu redor, ou os produtos de sua própria imaginação em suas pinturas. Aqueles que podiam arcar com a despesa poderia tornar-se patronos e retratos da comissão de si mesmos ou de sua família.
No século 16, as imagens móveis que poderiam ser facilmente pendurados nas paredes, em vez de pinturas afixados estruturas permanentes, entrou em demanda popular.
O Alto Renascimento deu origem a uma arte estilizada conhecido como Maneirismo. No lugar das composições equilibradas e abordagem racional à perspectiva que caracterizam a arte no início do século 16, os maneiristas procurado instabilidade, artifício, e dúvida. Os rostos não perturbados e gestos de Piero della Francesca e as Virgens calmas de Raphael são substituídas pelas expressões problemáticas de Pontormo ea intensidade emocional de El Greco.
Barroco e rococó
Artemisia Gentileschi
Frans Hals
Jan Vermeer
Diego Velázquez
Nicolas Poussin
Jusepe de Ribera
Salvator Rosa
Claude Lorrain
Giovanni Battista Tiepolo
Antoine Watteau
Jean-Honouré Fragonard
François Boucher
Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun
Maurice Quentin de La Tour
Joshua Reynolds
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Francis Hayman
Angelica Kauffmann
Pintura barroca está associado com o barroco movimento cultural, um movimento muitas vezes identificado com o absolutismo ea Contra-Reforma católica ou Revival; a existência de pintura barroca importante em estados não-absolutistas e protestantes também, no entanto, ressalta sua popularidade, como o estilo se espalhou por toda a Europa Ocidental.
Pintura barroca caracteriza-se pela grande drama, cor rica, profunda e intensa luz e sombras escuras. Arte barroca foi concebido para evocar a emoção e paixão em vez da racionalidade calma que tinha sido premiado durante o Renascimento. Durante o período que se inicia por volta de 1600 e continuando ao longo do século 17, a pintura é caracterizado como barroco . Entre os maiores pintores do Barroco são Caravaggio , Rembrandt , Frans Hals, Rubens , Velázquez, Poussin, e Jan Vermeer. Caravaggio é um herdeiro do humanista pintura do Alto Renascimento. Sua abordagem realista para a figura humana, pintado diretamente da vida e spotlit dramaticamente contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Pintura barroca muitas vezes dramatiza cenas usando efeitos de luz; isso pode ser visto nas obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain e La Tour.
Durante o século 18, Rococo seguido como uma extensão mais leve do barroco, muitas vezes frívola e erótico. Rococo desenvolvido primeiramente nas artes decorativas e design de interiores na França. Sucessão de Luís XV trouxe uma mudança nos artistas da corte e da forma artística em geral. Década de 1730 representou o auge do desenvolvimento Rococo na França exemplificado pelas obras Antoine Watteau e François Boucher. Rococo ainda manteve o gosto barroco para formulários complexos e intrincados padrões, mas por este ponto, ele tinha começado a integrar uma variedade de características diversas, incluindo o gosto pelo design oriental e composições assimétricas.
O estilo rococó espalhar com artistas franceses e publicações gravadas. Foi prontamente recebidas nas áreas católicas da Alemanha, Bohemia e Áustria , onde foi fundida com as animadas tradições barroco alemão. Alemão rococó foi aplicado com entusiasmo para igrejas e palácios, particularmente no sul, enquanto Frederician rococó desenvolvido no Reino da Prússia.
Os mestres franceses Watteau, Boucher e Fragonard representam o estilo, como fazer Giovanni Battista Tiepolo e Jean-Baptiste-Siméon Chardin que foi considerado por alguns como o melhor pintor francês do século 18 - o Anti-rococó. Retratista foi um componente importante de pintura em todos os países, mas especialmente na Inglaterra, onde os líderes eram William Hogarth , em um estilo realista sem corte, e Francis Hayman, Angelica Kauffmann (que era suíça), Thomas Gainsborough e Joshua Reynolds em estilos mais lisonjeiras influenciados por Anthony van Dyck . Enquanto na França durante a era de Rococo Jean-Baptiste Greuze (o pintor favorito de Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, e Élisabeth Vigée-Lebrun foram altamente realizado Retratistas e Pintores de história.
William Hogarth ajudou a desenvolver uma base teórica para Rococo beleza. Embora não intencionalmente fazendo referência ao movimento, ele argumentou em seu Análise da beleza (1753) que as linhas onduladas e curvas S proeminentes em Rococo foram a base para a graça e beleza na arte ou na natureza (ao contrário da linha recta ou no círculo de Classicismo). O começo do fim para Rococo veio no início dos anos 1760 como figuras como Voltaire e Jacques-François Blondel começou a exprimir a sua crítica à superficialidade e à degeneração da arte. Blondel lamentou a "confusão ridícula de escudos, dragões, juncos, de palmas e plantas" em interiores contemporâneos.
Por 1785, Rococo tinha passado fora de moda na França, passa a ter a ordem e seriedade do Neoclássico artistas como Jacques-Louis David.
Século 19: Neo-classicismo, pintura de história, romantismo, impressionismo, cargo impressionismo, Simbolismo
Jacques-Louis David 1787
John Singleton Copley de 1778
Antoine-Jean Gros, 1804
John Constable 1802
Francisco Goya 1814
Théodore Géricault 1819
Caspar David Friedrich c.1822
Karl Brullov 1827
Eugène Delacroix, 1830
JMW Turner 1838
Ivan Aivazovsky 1850
Gustave Courbet 1849-1850
Jean Auguste Dominique Ingres 1862
Jan Matejko 1862
Camille Corot c.1867
Claude Monet 1872
Edgar Degas 1876
Édouard Manet 1882
Aleksander Gierymski 1884
Albert Bierstadt 1886
Valentin Serov 1887
Vincent van Gogh 1888
Ilya Repin 1891
Józef Chełmoński 1896
Paul Gauguin 1897-1898
Georges-Pierre Seurat 1884-1886
Thomas Eakins, 1884-1885
Albert Pinkham Ryder, 1890
Winslow Homer 1899
Witold WOJTKIEWICZ 1905
Paul Cézanne 1906
Depois Rococo surgiu no final do século 18, na arquitetura, na pintura e, em seguida, grave neo-classicismo , melhor representado por artistas como David e seu herdeiro Ingres. Trabalho de Ingres já contém muita da sensualidade, mas nenhum a espontaneidade, que foi caracterizar o Romantismo . Este movimento voltou sua atenção para a paisagem e natureza, bem como a figura humana ea supremacia da ordem natural acima vontade da humanidade. Existe um filosofia panteísta (ver Spinoza e Hegel) dentro dessa concepção que se opõe iluministas ideais vendo destino da humanidade em uma luz mais trágico ou pessimista. A idéia de que os seres humanos não estão acima das forças da Natureza está em contradição com gregos antigos e renascentistas ideais onde a humanidade estava acima de todas as coisas e é dono de seu destino. Este pensamento levou artistas românticos para descrever o sublimes, igrejas em ruínas, naufrágios, massacres e loucura.
Pelos pintores do século mid-19 tornou-se liberada das demandas de seu patrocínio apenas para retratar cenas de religião, mitologia, retratos ou história. A idéia "arte pela arte" começou a encontrar expressão na obra de pintores como Francisco de Goya, John Constable e JMW Turner. Pintores românticos virou pintura de paisagem em um gênero major, considerada até então como um gênero menor ou como um fundo decorativo para composições figura. Alguns dos principais pintores deste período são Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner , Caspar David Friedrich e John Constable . Francisco Goya obra tardia 's demonstra o interesse romântico no irracional, enquanto o trabalho de Arnold Böcklin evoca mistério e as pinturas de Artista movimento estético James Abbott McNeill Whistler evocar tanto sofisticação e decadência. Nos Estados Unidos, a tradição romântica da pintura de paisagem era conhecido como o Hudson River School: expoentes incluem Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran, e John Frederick Kensett. Luminism foi um movimento na pintura de paisagem americana relacionada com a Hudson River School.
A liderança Pintor Escola de Barbizon Camille Corot pintado em ambos um romântico e um veia realista; seu trabalho prefigura Impressionismo , assim como as pinturas de Eugène Boudin, que era um dos primeiros pintores paisagistas franceses a pintar ao ar livre. Boudin também foi uma importante influência sobre o jovem Claude Monet , a quem, em 1857, ele introduziu a Pintura plein air. Uma força importante na viragem para Realismo em meados do século era Gustave Courbet. No último terço do século como os impressionistas Édouard Manet, Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt , e Edgar Degas trabalhou em uma abordagem mais direta do que já havia sido exibido publicamente. Eles evitaram alegoria e narrativa em favor de respostas individualizadas para o mundo moderno, às vezes pintados com pouco ou nenhum estudo preparatório, contando com destreza de desenho e uma paleta cromática muito. Manet, Degas, Renoir, Morisot, e Cassatt concentrada principalmente no sujeito humano. Ambos Manet e Degas reinterpretado cânones clássicos figurativas dentro de situações contemporâneas; em caso de Manet as re-imaginações reuniu-se com a recepção do público hostil. Renoir, Morisot, e Cassatt virou-se para a vida doméstica para a inspiração, com Renoir focando o nu feminino. Monet, Pissarro, Sisley e usou a paisagem como o seu motivo primário, a transitoriedade da luz e tempo desempenhando um papel importante em seu trabalho. Enquanto Sisley mais estreitamente aderiu aos princípios originais da percepção da paisagem impressionista, Monet procurou desafios em condições cada vez mais cromáticas e mutáveis, culminando em sua série de obras monumentais de lírios de água pintados em Giverny.
Pissarro adotado algumas das experiências de Pós-impressionismo. Ligeiramente mais jovens pós-impressionistas, como Vincent van Gogh , Paul Gauguin, e Georges-Pierre Seurat, juntamente com Paul Cézanne levou a arte para a borda da modernismo; por Gauguin Impressionismo deu lugar a um simbolismo pessoal; Seurat transformado cor quebrado do impressionismo em um estudo óptico científico, estruturado em composições friso-como; Turbulento método de Van Gogh de aplicação de tinta, juntamente com uma utilização sonora de cor, previu Expressionismo e Fauvismo, e Cézanne, desejando unir composição clássica com uma abstração revolucionária de formas naturais, viria a ser visto como um precursor da arte do século 20. A magia do impressionismo foi sentida em todo o mundo, inclusive nos Estados Unidos, onde se tornou parte integrante da pintura de Impressionistas americanos, como Childe Hassam, John Henry Twachtman, e Theodore Robinson. Ele também exerceu influência sobre os pintores que não eram essencialmente impressionista em teoria, como o pintor retrato e paisagem John Singer Sargent. Ao mesmo tempo, nos Estados Unidos, na virada do século 20, existia um realismo quase nativa e insular, como ricamente incorporada no trabalho figurativo de Thomas Eakins, a Escola Ashcan, e as paisagens e marinhas de Winslow Homer, cujos quadros foram profundamente investido na solidez das formas naturais. A paisagem visionário, um motivo em grande parte dependente da ambiguidade do noturno, encontrou seus defensores em Albert Pinkham Ryder e Ralph Albert Blakelock.
No final do século 19 também houve vários, tanto dessemelhante, grupos de Pintores simbolistas cujas obras ressoou com artistas mais jovens do século 20, especialmente com a Fauvistas eo Surrealistas. Entre eles estavam Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops, e Jan Toorop, e Gustav Klimt, entre outros, incluindo a Simbolistas russos como Mikhail Vrubel.
Pintores simbolistas minado mitologia e imaginário de sonho para uma linguagem visual da alma, buscando pinturas evocativas que trouxe à mente um mundo estático do silêncio. Os símbolos utilizados são o simbolismo não familiarizados emblemas do grosso da população iconografia, mas referências intensamente pessoais, privadas, obscuras e ambíguas. Mais uma filosofia do que um estilo real das artes, os pintores simbolistas influenciou a contemporânea Art Nouveau movimento e Les Nabis. Em sua exploração de temas de sonho, pintores simbolistas são encontrados através dos séculos e culturas, como eles são ainda hoje; Bernard Delvaille descreveu Surrealismo de René Magritte como "Simbolismo além de Freud ".
Século 20
Henri Matisse , de 1905, Fauvismo
Henri Matisse , 1909, tarde Fauvismo
Pablo Picasso de 1907, início de cubismo
Georges Braque de 1910, Cubismo Analítico
A herança de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin, e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. No início do século 20 Henri Ma e vários outros artistas jovens, incluindo o pré-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck revolucionou o mundo da arte Paris com "selvagem", multi-colorido, expressivo, paisagens e pinturas de figuras que os críticos chamados Fauvismo (como pode ser visto na galeria acima). Henri Matisse segunda versão 's de A dança significa um ponto-chave em sua carreira e no desenvolvimento da pintura moderna. Ela reflete o fascínio incipiente de Matisse com arte primitiva: as intensas cores quentes contra o fundo azul esverdeado legal ea sucessão rítmica de nus dançando transmitir os sentimentos de libertação emocional e . hedonismo Pablo Picasso fez seus primeiros cubistas pinturas com base na ideia de Cézanne que toda representação da natureza pode ser reduzido para três sólidos: cubo , esfera e cone. Com a pintura Les Demoiselles d'Avignon de 1907, (ver galeria) Picasso criou dramaticamente uma imagem nova e radical que descreve uma cena do bordel crua e primitiva com cinco prostitutas, mulheres violentamente pintadas, que relembram Máscaras africanas tribais e seus próprios novos cubistas invenções. cubismo analítico (veja a galeria) foi desenvolvido conjuntamente por Pablo Picasso e Georges Braque, exemplificado pelo Violino e Castiçal, Paris, (visto de cima) de cerca de 1908 através de 1912. cubismo analítico, a primeira manifestação clara do cubismo, foi seguido por cubismo sintético , praticado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e inúmeros outros artistas para a década de 1920. cubismo sintético é caracterizada pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos da colagem, papier collé e uma grande variedade de assuntos mescladas.
O Salon d'Automne de 1905 trouxe notoriedade e atenção aos trabalhos de Henri Matisse e Fauvismo. O grupo ganhou o seu nome, depois crítico Louis Vauxcelles descreveram seu trabalho com a frase " Donatello au milieu des fauves "(" Donatello entre as feras "), contrastando as pinturas com um renascimento do tipo escultura que dividiu o quarto com eles. Henri Rousseau (1844-1910), um artista que Picasso conhecia e admirava e que não era um Fauve, teve sua grande cena da selva "The Hungry Lion joga-se no antílope" também pendurado perto das obras de Matisse e que pode ter tido uma influência sobre o particular termo sarcástico usado na imprensa. Comentário Vauxcelles 'foi impresso em 17 de outubro de 1905 no jornal diário Gil Blas, e passou para o uso popular.
Embora as fotos foram amplamente derided- "Um pote de tinta foi arremessado na cara do público", declarou o crítico Camille Mauclair (1872-1945) -que também atraiu alguma atenção favorável. A pintura que foi apontada para a maioria dos ataques foi de Matisse Mulher com um chapéu; Na compra deste trabalho por Gertrude e Leo Stein teve um efeito muito positivo sobre Matisse, que estava sofrendo a desmoralização da má recepção de sua obra.
Durante os anos entre 1910 e o fim da Primeira Guerra Mundial e após o auge do cubismo , vários movimentos surgiram em Paris. Giorgio de Chirico se mudou para Paris em julho de 1911, onde se juntou a seu irmão Andrea (o poeta e pintor conhecido como Alberto Savinio). Através de seu irmão que ele conheceu Pierre Laprade um membro do júri no Salon d'Automne, onde expôs três de seus trabalhos de sonho: Enigma da Oracle, Enigma de uma tarde e Auto-Retrato. Durante 1913, ele exibiu seu trabalho no Salon des Indépendants e Salon d'Automne, seu trabalho foi notado por Pablo Picasso e Guillaume Apollinaire e vários outros. Suas pinturas atraentes e misteriosos são considerados fundamentais para os primórdios da Surrealismo. Canção do amor de 1914, é uma das mais famosas obras de De Chirico e é um exemplo precoce do estilo surrealista, apesar de ter sido pintado dez anos antes do movimento foi "fundada" pelo André Breton em 1924 (veja a galeria).
Nas duas primeiras décadas do século 20 e depois de o cubismo, vários outros movimentos importantes emergiram; Futurismo ( Balla), da arte abstracta ( Kandinsky) Der Blaue Reiter ( Wassily Kandinsky e Franz Marc), Bauhaus ( Kandinsky e Klee), Orfismo, ( Delaunay e Kupka), Sincronismo ( Russell), De Stijl ( van Doesburg e Mondrian), Suprematismo ( Malevich), Construtivismo ( Tatlin), Dadaísmo ( Duchamp, Picabia e ARP), e Surrealismo ( De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí e Ernst). Pintura moderna influenciou todas as artes visuais, a partir de Arquitetura e design modernista, a cinema avant-garde, teatro e dança moderna e tornou-se um laboratório experimental para a expressão da experiência visual, da fotografia e poesia concreta para anunciar arte e moda. A pintura de Van Gogh exerceu grande influência sobre do século 20 Expressionismo , como pode ser visto no trabalho do Fauvistas, Die Brücke (um grupo liderado pelo pintor alemão Ernst Kirchner), eo expressionismo de Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Chaim Soutine e outros.
Pioneiros da abstração
Piet Mondrian, 1911, cedo De Stijl
Marcel Duchamp, 1912, cubismo e Futurismo
Wassily Kandinsky, 1913, nascimento de Arte abstrata
Robert Delaunay, 1912-1913, Orfismo
-
Morgan Russell, 1913-1914 Sincronismo
Giacomo Balla, 1913-1914, Futurismo
Kazimir Malevich, 1916, Suprematismo
Theo van Doesburg, 1917, De Stijl, Neoplasticismo
Wassily Kandinsky, um pintor russo, gravurista e arte teórico, um dos artistas mais famosos do século 20 é geralmente considerado o primeiro pintor importante de moderna arte abstrata . Como um início modernista, em busca de novos modos de expressão visual e expressão espiritual, ele teorizou como fez contemporânea ocultistas e teosofistas, que a abstração pura visuais teve vibrações corolário com som e música. Eles propuseram que pura abstração poderia expressar pura espiritualidade. Suas primeiras abstrações foram geralmente intitulado como o exemplo na (acima galeria) Composição VII, fazendo conexão com o trabalho dos compositores de música. Kandinsky incluiu muitas das suas teorias sobre a arte em seu livro referente ao espiritual na arte. A arte de Piet Mondrian também foi relacionado aos seus estudos espirituais e filosóficas. Em 1908 ele tornou-se interessado no movimento teosófico lançado por Helena Petrovna Blavatsky no final do século 19. Blavatsky acreditava que era possível alcançar um conhecimento mais profundo da natureza do que o previsto por meios empíricos, e grande parte da obra de Mondrian para o resto de sua vida foi inspirado por sua busca para que o conhecimento espiritual. Outros grandes pioneiros da abstração precoce incluem pintor sueco Hilma af Klint, pintor russo Kazimir Malevich, e Swiss pintor Paul Klee. Robert Delaunay era um artista francês que está associado com Orfismo, (uma reminiscência de uma ligação entre a pura abstração eo cubismo). Seus últimos trabalhos foram mais abstrato, que lembra Paul Klee. Suas contribuições fundamentais para a pintura abstrata referem-se a seu uso corajoso da cor e um amor claro da experimentação de profundidade e tom. A convite do Wassily Kandinsky, Delaunay e sua esposa do artista Sonia Delaunay, se juntou O Cavaleiro Azul ( Der Blaue Reiter), a Munich grupo baseado do abstratas artistas, em 1911, e sua arte tomou um rumo para o abstrato. Ainda outros pioneiros importantes da pintura abstrata incluem Pintor checo, František Kupka e Sincronismo, um movimento de arte fundada em 1912 por artistas americanos Stanton MacDonald-Wright e Morgan Russell que se assemelha Orfismo.
Fauvismo, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Henri Matisse , Fauvismo, 1905
André Derain, Fauvismo, 1906
Maurice de Vlaminck, Fauvismo, 1906
Wassily Kandinsky, Der Blaue Reiter, 1903
Alexej von Jawlensky, Der Blaue Reiter, 1909
Franz Marc, Der Blaue Reiter, 1913-1914
Ernst Kirchner, Die Brücke, 1913
Otto Mueller, Die Brücke, 1919
Les Fauves (francês para os animais selvagens ) eram pintores 20 do início do século, experimentando com a liberdade de expressão através da cor. O nome foi dado, com humor e não como um elogio, ao grupo pelo crítico de arte Louis Vauxcelles. fauvismo foi um breve e frouxamente um agrupamento dos artistas 20 do início do século cujos os trabalhos sublinharam qualidades painterly, eo uso imaginativo de cor profunda sobre os valores representacionais. Fauvistas fez o tema da pintura de fácil leitura, perspectivas exageradas e uma previsão interessante presciente do Fauves foi expressa em 1888 por Paul Gauguin de Paul Sérusier,
"Como você vê essas árvores são amarelas Então, coloque em amarelo;?. Essa sombra, e azul, pintá-lo com pura ultramarino; estas folhas vermelhas? Coloque no vermelhão. "
Os líderes do movimento eram Henri Matisse e André Derain - rivais amigáveis de uma espécie, cada um com seus próprios seguidores. Em última análise, Matisse tornou-se o yang para Picasso 's yin no século 20. Pintores Fauvist incluído Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, o pintor holandês Kees van Dongen, e parceiro de Picasso no cubismo, Georges Braque entre outros.
Fauvismo, como um movimento, não tinha teorias concretas, e foi de curta duração, começando em 1905 e terminando em 1907, eles tinham apenas três exposições. Matisse era visto como o líder do movimento, devido à sua antiguidade na idade e auto-definição prévia no mundo da arte acadêmica. Sua 1905 retrato de Mme. Matisse A Linha Verde, (acima), causou sensação em Paris, quando foi exibido pela primeira vez. Ele disse que queria criar arte para encantar; arte como uma decoração era seu propósito e pode-se dizer que o seu uso de cores brilhantes tenta manter a serenidade da composição. Em 1906, por sugestão de seu marchand Ambroise Vollard, André Derain foi para Londres e produziu uma série de pinturas como Charing Cross Bridge, London (acima) no estilo fauvista, parafraseando a famosa série pelo impressionista pintor Claude Monet .
Em 1907 Fauvismo não era mais um novo movimento chocante, logo foi substituído pelocubismona tela do radar críticos como o mais recente empreendimento emArte Contemporânea do tempo. Em 1907 Appolinaire, comentando sobre Matisse em um artigo publicado no La Falange, disse que " Nós não estamos aqui em presença de uma extravagante ou uma empresa extremista:. A arte de Matisse é eminentemente razoável "
Der Blaue Reiter era um movimento alemão que dura desde 1911 até 1914, fundamental ao Expressionism, junto com Die Brücke, um grupo de alemães expressionistas artistas formados em Dresden em 1905. Os membros fundadores do Die Brücke foram Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner e Karl Schmidt-Rottluff. Membros posteriores incluíram Max Pechstein, Otto Mueller e outros. Este era um grupo seminal, que na devida altura teve um grande impacto sobre a evolução da arte moderna no século 20 e criou o estilo de Expressionismo .
Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, cujo psiquicamente expressiva pintura do bailarino russo Retrato de Alexander Sakharoff de 1909, é na galeria acima, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger e outros fundaram o grupo Der Blaue Reiter, em resposta à rejeição da pintura de Kandinsky último julgamento de uma exposição. Der Blaue Reiter faltou um manifesto artístico central, mas foi centrado em torno de Kandinsky e Marc. Artistas Gabriele Münter e Paul Klee também estavam envolvidos.
O nome do movimento vem de uma pintura por Kandinsky criou em 1903 (veja a ilustração). Afirma-se também que o nome poderia ter derivado do entusiasmo de Marc para cavalos e do amor de Kandinsky do azul da cor. Para Kandinsky, azul é a cor da espiritualidade: mais escuro o azul, mais desperta o desejo humano para o eterno.
Expressionismo, Simbolismo, Modernismo Americano, Bauhaus
Gustav Klimt,Expressionismo, 1907-1908
Marc Chagall,expressionismoesurrealismo, 1911
Arthur Dove, cedomodernismo americano de 1911
Egon Schiele, Simbolismo e expressionismo , 1912
Amedeo Modigliani, Simbolismo eexpressionismo, 1917
Marsden Hartley, Modernismo americano de 1914
Paul Klee, Bauhaus de 1921
Stuart Davis, Modernismo americano de 1921
Expressionismo e Simbolismo são rubricas gerais que descreve vários movimentos importantes e relacionados em pintura do século 20 que dominou grande parte da arte avant-garde que está sendo feito em Ocidental, Leste e Norte da Europa. Expressionismo foi pintado em grande parte entre a Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial, principalmente na França, Alemanha, Noruega, Rússia, Bélgica e Áustria. Os artistas do expressionista estão relacionados tanto Surrealismo e Simbolismo e são cada única e um tanto excêntrica pessoal. Fauvismo, Die Brücke, e Der Blaue Reiter são três dos grupos mais conhecidos da expressionistas e simbolistas pintores. Artistas como interessantes e diversificadas como Marc Chagall, cuja pintura I e da Vila , (acima) conta uma história autobiográfica que analisa a relação entre o artista e suas origens, com um léxico de artístico Simbolismo. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Kollwitz Schmidt, Georges Rouault, Amedeo Modigliani e alguns dos americanos no exterior como Marsden Hartley, e Stuart Davis, foram consideradas influentes pintores expressionistas. Embora Alberto Giacometti é pensado principalmente de como uma intensa escultor surrealista, ele fez pinturas expressionistas intensas também.
Nos EUA, durante o período entre a Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial pintores tendem a ir para a Europa para o reconhecimento. artistas modernistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy e Stuart Davis, reputações criados no exterior. Enquanto Patrick Henry Bruce, criado cubistas pinturas relacionadas na Europa , tanto Stuart Davis e Gerald Murphy fez pinturas que eram primeiras inspirações para a American arte pop e Marsden Hartley experimentou com o expressionismo . Durante os anos 1920 fotógrafo Alfred Stieglitz exibido Georgia O'Keeffe , Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin e outros artistas, incluindo European Masters Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau, Paul Cézanne, e Pablo Picasso , em sua galeria de Nova York a 291 . Na Europa mestres como Henri Matisse e Bonnard Pierre continuou a desenvolver seus estilos narrativos independentes de qualquer movimento.
Dadaísmo e Surrealismo
Francis Picabia, 1916,Dada
André Masson, 1922, cedo Surrealismo
Marcel Duchamp, 1915-1923,Dada
Kurt Schwitters, 1919,colagem pintado,Dada
Max Ernst, 1920, cedo Surrealismo
Joan Miró, 1923-1924,abstrato Surrealismo
René Magritte, 1928-1929, Surrealismo
Yves Tanguy, 1927, Surrealismo
Marcel Duchamp ganhou destaque internacional na sequência do New York Armory Show, em 1913, onde seu Nu descendo a escada se tornou a causa célebre. Em seguida, ele criou o levavam a noiva Stripped por seus celibatários, mesmo, Grande Vidro (veja acima). O Grande Vidro empurrou a arte da pintura a novos limites radicais sendo parte pintura, colagem parte, construção parte. Duchamp (que estava prestes a renunciar artmaking para xadrez ) tornou-se associada a Dada movimento que começou em ponto morto Zürich, Suíça , durante a Primeira Guerra Mundial e atingiu o pico de 1916 a 1920. O movimento de artes envolvidos principalmente visuais, literatura (poesia, manifestos de arte , teoria da arte), teatro e design gráfico, e concentrou sua política anti guerra através de uma rejeição das normas vigentes em arte através de anti-arte obras culturais. Francis Picabia (veja acima), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp , juntamente com Duchamp e muitos outros estão associados com o movimento de Dadaist. Duchamp e vários dadaístas também estão associados com o surrealismo, o movimento que dominou pintura europeia em 1920 e 1930.
Em 1924 André Breton publicou o Manifesto Surrealista. O movimento surrealista na pintura tornou-se sinônimo de vanguarda e que contou com artistas cujas obras variaram do abstrato para o super-realista. Com obras em papel como Máquina de transformar rapidamente, (acima) Francis Picabia continuou o seu envolvimento no Dada movimento através de 1919 em Zurique e Paris, antes de romper com ele depois de desenvolver um interesse na arte surrealista. Yves Tanguy, René Magritte e Salvador Dalí são particularmente conhecidos por suas representações realistas de imagens oníricas e fantásticas manifestações da imaginação. de Joan Miró O lavrado Campo de 1923-1924 beira a abstração, esta pintura adiantada de um complexo de objetos e figuras, e arranjos de personagens sexualmente ativas; foi o primeiro de Miro surrealista obra-prima. O mais abstrato Joan Miró, Jean Arp, André Masson, e Max Ernst eram muito influentes, especialmente nos Estados Unidos durante os anos 1940.
Ao longo da década de 1930, Surrealismo continuou a tornar-se mais visível para o público em geral. A grupo surrealista desenvolvido na Grã-Bretanha e, segundo Breton, o 1936 London International Exhibition surrealista foi uma marca d'água alta do período e se tornou o modelo para exposições internacionais. Grupos surrealistas no Japão, e especialmente na América Latina, no Caribe e no México produziu obras inovadoras e originais.
Dalí e Magritte criou algumas das imagens mais reconhecidas do movimento. A pintura 1928/1929 Esta não é uma tubulação, por Magritte é o tema de um livro de Michel Foucault 1973, Isto não é um cachimbo (edição Inglês, 1991), que discute a pintura ea sua paradoxo. Dalí se juntou ao grupo em 1929, e participou no rápido estabelecimento do estilo visual entre 1930 e 1935.
Surrealismo como um movimento visual tinha encontrado um método: para expor a verdade psicológica retirando objetos comuns de seu significado normal, a fim de criar uma imagem atraente que estava além de organização formal comum, e da percepção, por vezes evocando a empatia do espectador, às vezes o riso e às vezes indignação e perplexidade.
1931 marcou um ano, quando vários pintores surrealistas produziram obras que marcaram pontos de viragem na sua evolução estilística: num exemplo (veja a galeria acima) formas líquidas tornou a marca registrada de Dalí, particularmente em seu A Persistência da Memória , o que caracteriza a imagem de relógios que sag como se eles estão derretendo. Evocações de tempo e de seu mistério atraente e absurdo.
As características deste estilo - uma combinação dos depictive, o abstrato, eo psicológico - veio para ficar para a alienação que muitas pessoas sentiram noperíodo modernista, combinado com o sentido de atingir mais profundamente na psique, a ser "feito com toda a individualidade. "
Max Ernst, cuja 1920 pintura Assassinando Avião (acima), estudou filosofia e psicologia, em Bona, e estava interessado em realidades alternativas experimentadas pelo insano. Suas pinturas podem ter sido inspirados pelo psicanalista Sigmund Freud estudo 's dos delírios de um paranóico, Daniel Paul Schreber. Freud identificou fantasia de se tornar uma mulher como um de Schreber complexo de castração. A imagem central de dois pares de pernas refere-se aos desejos hermafroditas de Schreber. A inscrição de Ernst na parte de trás da pintura lê: A imagem é curiosa por causa de sua simetria. A dois sexos equilíbrio entre si.
Durante os anos 1920 a obra de André Masson foi extremamente influente em ajudar o jovem artista Joan Miró encontrar suas raízes na nova pintura surrealista. Miró reconheceu em cartas a seu revendedor Pierre Matisse a importância de Masson como um exemplo para ele em seus primeiros anos em Paris.
Muito tempo depois de tensões pessoais, políticos e profissionais fragmentaram o grupo surrealista no ar e éter, Magritte, Miró, Dalí e outros surrealistas continuar a definir um programa nas artes visuais. Outros artistas surrealistas proeminentes incluem Giorgio de Chirico, Meret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, e Leonor Fini entre outros.
Neue Sachlichkeit, realismo social, o regionalismo, pintura de cenas americanas, Simbolismo
George Grosz, 1920,Neue Sachlichkeit
Thomas Hart Benton, 1920,Regionalismo
Charles DemuthPrimaverade 1921, AmericanPrecisionismo (protoPop Art)
Joaquín Torres García, 1932,América Latina abstrato Simbolismo
Durante os anos 1920 e os anos 1930 e da Grande Depressão , a cena da arte europeia foi caracterizado pelo surrealismo, cubismo tardio, o Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, e expressionismo; e foi ocupada por magistrais pintores modernistas como cores Henri Matisse e Bonnard Pierre.
Na Alemanha Neue Sachlichkeit ("Nova Objetividade") surgiu como Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz e outros politizado suas pinturas. O trabalho desses artistas cresceu fora do expressionismo, e foi uma resposta às tensões políticas da República de Weimar , e foi muitas vezes bruscamente satírico.
Pintura americana Cena eo Realismo Social e movimentos Regionalismo que continha tanto o comentário político e social dominado o mundo da arte nos EUA. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, e outros tornaram-se proeminentes. Na América Latina, além do uruguaio pintor Joaquín Torres García e Rufino Tamayo do México, o movimento muralista com Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martinez Delgado e as pinturas simbolista por Frida Kahlo começou um renascimento das artes para a região, com um uso de cores e histórico, e as mensagens políticas. Frida Kahlo simbolista 's trabalha também se relacionam fortemente ao surrealismo e ao movimento Realismo Mágico na literatura. O drama psicológico em muitos dos auto-retratos de Kahlo (acima) ressaltam a vitalidade e relevância de suas pinturas de artistas no século 21.
Diego Rivera é talvez mais conhecido pelo mundo público por seu mural 1933, " Homem no Crossroads ", no hall de entrada do edifício RCA no Rockefeller Centre. Quando seu patrono Nelson Rockefeller descobriu que o mural incluiu um retrato de Lenin e outras imagens comunista, ele disparou Rivera, ea obra inacabada foi finalmente destruído por uma equipe de Rockefeller. O filme Cradle Will rock inclui uma dramatização da controvérsia. Frida Kahlo (da esposa de Rivera) obras são frequentemente caracterizadas por seus retratos austeros de dor. De suas 143 pinturas 55 são auto-retratos, que frequentemente incorporam representações simbólicas de suas feridas físicas e psicológicas. Kahlo foi profundamente influenciado pela cultura indígena mexicana, o que resulta em cores brilhantes de seus pinturas e simbolismo dramático. Temas cristãos e judeus são descritos frequentemente em seu trabalho, bem como, ela combinou elementos do clássico religiosa mexicana tradição que eram muitas vezes violento e sangrento, com renderings surrealistas. suas pinturas Enquanto não são abertamente cristã, ela era, afinal, um comunista declarado que certamente contêm elementos do estilo mexicano Christian macabra de pinturas religiosas.
O ativismo político foi uma importante peça de David Siqueiros vida 'e, freqüentemente, inspirou-o a deixar de lado sua carreira artística. Sua arte foi profundamente enraizada na Revolução Mexicana, um período violento e caótico na história mexicana em que várias facções sociais e políticos lutaram por reconhecimento e poder. O período compreendido entre a década de 1920 até a década de 1950 é conhecido como o Renascimento mexicana, e Siqueiros foi ativo na tentativa de criar uma arte que era ao mesmo tempo mexicana e universal. Ele brevemente desistiu de pintura para se concentrar na organização de mineiros em Jalisco. Ele dirigia uma oficina de arte política, em Nova York, em preparação para o 1936 Greve Geral para a Paz e Dia de maio desfile. O jovem Jackson Pollock participou da oficina e ajudou a construir carros alegóricos para o desfile. Entre 1937 e 1938, ele lutou na Guerra Civil Espanhola ao lado das forças republicanas espanholas, em oposição ao golpe militar de Francisco Franco. Ele era exilado duas vezes do México, uma vez em 1932 e novamente em 1940, na sequência da sua tentativa de assassinato de Leon Trotsky .
Durante os anos 1930 a política de esquerda radicais caracteriza muitos dos artistas ligados ao Surrealismo, incluindo Pablo Picasso . Em 26 de abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola, o cidade basca de Guernica foi a cena do " bombardeamento de Gernika "pela Legião Condor da Luftwaffe da Alemanha nazista. Os alemães estavam atacando a apoiar os esforços de Francisco Franco para derrubar o Governo basco eo governo republicano espanhol. A cidade foi devastada, embora o conjunto biscainho eo carvalho de Gernika sobreviveu. Pablo Picasso pintou seu mural dimensionado Guernica para comemorar os horrores do bombardeio.
Na sua forma final, Guernica é uma imensa preto e branco, 3,5 metros (11 pés) de altura e 7,8 metros (23 pés) de largura mural pintado em óleo. O mural apresenta uma cena de morte, violência, brutalidade, sofrimento e desamparo, sem retratar suas causas imediatas. A escolha para pintar em contrastes em preto e branco com a intensidade da cena retratada e invoca o imediatismo de uma fotografia de jornal. Picasso pintou a pintura mural porte chamado Guernica em protesto contra o bombardeio. A pintura foi exibida pela primeira vez em Paris em 1937, em seguida, Escandinávia, depois de Londres em 1938 e, finalmente, em 1939, a pedido de Picasso a pintura foi enviado para os Estados Unidos em um empréstimo prolongado (por segurança) no MoMA. A pintura foi em uma excursão de museus em todo o EUA até seu retorno final para o Museu de Arte Moderna de Nova York, onde foi exibido por quase trinta anos. Finalmente em acordo com Pablo Picasso desejo 's para dar a pintura para o povo de Espanha como um presente, ela foi enviada para a Espanha em 1981.
Durante a Grande Depressão da década de 1930, ao longo dos anos de arte americana II Guerra Mundial foi caracterizado por Realismo Social e Pintura de cenas americanas (como visto acima) na obra de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, e vários outros. Nighthawks (1942) é uma pintura de Edward Hopper que retrate pessoas sentadas em um centro de jantar tarde da noite. Não é apenas a pintura mais famosa de Hopper, mas um dos mais reconhecidos na arte americana. Ele está atualmente na coleção do Art Institute of Chicago. A cena foi inspirada por um diner (já demolido), em Greenwich Village, bairro de Hopper casa em Manhattan. Hopper começou a pintar-lo imediatamente após o ataque a Pearl Harbor . Após este evento houve um grande sentimento de tristeza sobre o país, um sentimento de que é retratado na pintura. A rua urbana está vazia fora da lanchonete, e dentro de nenhuma das três patronos aparentemente está olhando ou falando com os outros, mas em vez disso está perdido em seus próprios pensamentos. Este retrato da vida urbana moderna como vazia ou solitária é um tema comum em todo o trabalho de Hopper.
American Gothic é uma pintura por Grant Wood a partir de 1930. Retratando um agricultor segurando-forcado e uma mulher mais jovem em frente de uma casa de estilo gótico Carpenter, é uma das imagens mais familiares no século 20 arte americana. Os críticos de arte tinham opiniões favoráveis sobre a pintura, como Gertrude Stein e Christopher Morley, que assumiu a pintura era para ser uma sátira da vida rural de cidade pequena. Foi, portanto, visto como parte da tendência de representações cada vez mais críticos da América rural, ao longo das linhas de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis 1920 Main Street , e de Carl Van Vechten O Tattooed condessa na literatura. No entanto, com o início da Grande Depressão , a pintura passou a ser visto como uma representação de firme espírito pioneiro americano.
O expressionismo abstrato
Willem De Kooning, 1952-1953,Figuras simbólicasexpressionismo abstrato
Jackson Pollock , No. 5, 1948 , Expressionismo Abstrato
Franz Kline, 1950, pintura Ação
Barnett Newman,Voz do Fogo,1967,Campo de cor - Expressionismo Abstrato
A década de 1940 em Nova York anunciava o triunfo do americano expressionismo abstrato, movimento modernista que combina lições aprendidas com Henri Matisse , Pablo Picasso , surrealismo, Joan Miró, Cubismo, Fauvismo, e início do modernismo através de grandes mestres na América como Hans Hofmann e John D. Graham. Artistas americanos beneficiaram da presença de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, galeria de Pierre Matisse, e galeria de Peggy Guggenheim The Art of This Century , bem como outros fatores.
Pós-Segunda Guerra Mundial americana pintura chamado expressionismo abstrato incluídos artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente , William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, e Theodoros Stamos, entre outros. Expressionismo abstrato americano tem o seu nome em 1946 a partir do crítico de arte Robert Coates. Ele é visto como combinando a intensidade emocional e auto-negação dos expressionistas alemães com a estética anti-figurativa das escolas abstratas europeus, como o futurismo, o cubismo sintético e Bauhaus. Expressionismo abstrato, pintura Ação e cor pintura Field estão sinônimo da Escola de Nova Iorque.
Tecnicamente Surrealismo era um predecessor importante para o expressionismo abstrato com sua ênfase na espontânea, criação automática ou subconsciente. Jackson Pollock tinta escorrendo 's em uma tela colocada no chão é uma técnica que tem suas raízes na obra de André Masson. Outra manifestação precoce importante do que veio a ser o expressionismo abstrato é o trabalho do artista americana Northwest Mark Tobey, especialmente suas telas "escrita branca", que, embora geralmente não é grande em escala, antecipar o "todo" olhar de pinturas do gotejamento de Pollock.
Além disso, expressionismo abstrato tem uma imagem de ser rebelde, anárquico, altamente idiossincrática e, alguns se sentem, em vez niilista. Na prática, o termo é aplicado a qualquer número de artistas que trabalham (principalmente) em Nova York que tiveram bastante diferentes estilos, e até mesmo aplicado ao trabalho que não é especialmente abstrato nem expressionista. Energéticas "de Pollock pinturas de ação ", com sua sensação de" ocupado ", são diferentes tanto tecnicamente e esteticamente, ao violentas e grotescas Mulheres série de Willem de Kooning. Como visto acima na galeria Mulher V é um de uma série de seis pinturas feitas por De Kooning, entre 1950 e 1953, que representam uma figura feminina de três quartos de comprimento. Ele começou a primeira dessas pinturas, Woman I coleção: O Museu de Arte Moderna de Nova York, em junho de 1950, mudando várias vezes e pintando a imagem até janeiro ou fevereiro de 1952, quando a pintura foi abandonado inacabado. O historiador de arte Meyer Schapiro viu a pintura no estúdio de De Kooning logo depois e incentivou o artista a persistir. A resposta de De Kooning era começar três outras pinturas sobre o mesmo tema; Mulher II coleção: O Museu de Arte Moderna de Nova York, Mulher III, Museu de Arte Contemporânea de Teerã, Mulher IV, Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri. Durante o verão de 1952, passamos em East Hampton, de Kooning explorado o tema através de pinturas e desenhos. Ele pode ter terminado o trabalho na mulher I até o final de junho, ou possivelmente como até Novembro de 1952, e, provavelmente, as outras três mulheres imagens foram concluídas em muito ao mesmo tempo. As séries da mulher são decididamente pinturas figurativas. Outro artista importante é Franz Kline, como demonstrado por sua pintura High Street, 1950 (veja a galeria) como com Jackson Pollock e outros expressionistas abstratos, foi marcado um " pintor de ação por causa de seu estilo aparentemente espontânea e intensa, concentrando-se menos, ou não tudo, em valores absolutos ou em imagens, mas nas pinceladas reais e uso de lona.
Clyfford Still,Barnett Newman, (veja acima),Adolph Gottlieb, e os blocos serenamente cintilantes de cor emMark Rothkotrabalho 's (o que não é o que normalmente seriam chamados expressionista e que Rothko foi negado abstrato), são classificados como expressionistas abstratos , embora a partir de queClement Greenberg denominadodireção do campo Cor do expressionismo abstrato. Tanto Hans Hofmann (veja a galeria) eRobert Motherwell (galeria) pode ser confortavelmente descrito como praticantes dapintura da ação eda cor da pintura de campo.
Expressionismo abstrato tem muitas semelhanças estilísticas para os artistas russos do início do século 20, como Wassily Kandinsky. Embora seja verdade que a espontaneidade ou da impressão de espontaneidade caracteriza muitos dos expressionistas abstratos obras, a maioria destas pinturas envolvido planejamento cuidadoso, especialmente desde que seu grande tamanho exigia. Uma exceção pode ser as pinturas do gotejamento de Pollock.
Por este estilo ganhou aceitação popular na década de 1950 é uma questão de debate. Americana realismo social havia sido o mainstream na década de 1930. Ele tinha sido influenciado não só pela Grande Depressão , mas também pelos Realistas Social do México, tais como David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera. O clima político após a Segunda Guerra Mundial não tolerar longo dos protestos sociais desses pintores. O expressionismo abstrato surgiu durante a Segunda Guerra Mundial e começou a ser exibido durante o início dos anos 1940 em galerias de Nova York como The Art of This Century Gallery . Final dos anos 1940 até meados dos anos 1950 inaugurou a McCarthy era. Era após a Segunda Guerra Mundial e um tempo de conservadorismo político e de censura artística extrema nos Estados Unidos. Algumas pessoas especulam que desde que o assunto foi muitas vezes totalmente abstrato, expressionismo abstrato tornou-se uma estratégia segura para artistas a perseguir este modelo. A arte abstracta poderia ser visto como apolítico. Ou se a arte era política, a mensagem era em grande parte para os insiders. No entanto aqueles teóricos estão em minoria. Como a primeira escola verdadeiramente original da pintura na América, expressionismo abstrato demonstrou a vitalidade e criatividade do país nos anos do pós-guerra, bem como a sua capacidade (ou necessidade) para desenvolver um sentido estético que não foi restringida pelas normas europeias de beleza.
Embora expressionismo abstrato se espalhou rapidamente por todo os Estados Unidos, os principais centros deste estilo foram Nova York e Califórnia, especialmente na escola de Nova York, e da área de San Francisco Bay. Pinturas expressionistas abstratas compartilham certas características, incluindo o uso de grandes telas, uma abordagem de "all-over", em que toda a tela é tratada com igual importância (em oposição ao ser centro de mais interesse do que as bordas. A tela como a Arena se tornou um credo de pintura ação, enquanto a integridade do plano pictórico se tornou um credo dos pintores do campo de cor. Muitos outros artistas começou a exibir suas pinturas expressionista abstrato relacionadas durante os anos 1950, incluindo Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Ray Parker, Nicolas Carone, Graça Hartigan, Friedel Dzubas, e Robert Goodnough entre outros.
Durante os anos 1950 pintura do campo de cor inicialmente se referia a um tipo particular de expressionismo abstrato, especialmente o trabalho de Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell e Adolph Gottlieb. É essencialmente descrito pinturas abstratas com grandes extensões planas de cor que expressa os sentimentos e as propriedades de grandes áreas da superfície nuances sensuais e visuais. O crítico de arte Clement Greenberg percebida pintura do campo de cor como relacionado, mas diferente da pintura de Acção. A expansão global e gestalt do trabalho dos pintores de campo cor primeiros fala de uma experiência quase religiosa, boquiaberto diante de um universo em expansão de sensualidade, cor e superfície. Durante os primeiros da década de 1960 a meados pintura do campo de cor era o termo usado para descrever artistas como Jules Olitski, Kenneth Noland, e Helen Frankenthaler, cujas obras foram relacionados para a segunda geração expressionismo abstrato, e aos artistas mais jovens, como Larry Zox, e Frank Stella, - todos se movendo em uma nova direção. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, e outros muitas vezes utilizadas referências muito reduzidos com a natureza, e pintada com um uso altamente articulada e psicológico de cor. Em geral, estes artistas eliminado imagens reconhecíveis. Em Montanhas e Mar, de 1952, (ver acima), uma obra seminal de pintura Colorfield por Helen Frankenthaler o artista usou a técnica de coloração pela primeira vez.
Na Europa, houve a continuação do surrealismo, cubismo, dadaísmo e as obras de Matisse . Também na Europa, Tachismo (o equivalente europeu ao expressionismo abstrato) tomou conta da mais nova geração. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein e Pierre Soulages, entre outros são considerados figuras importantes no Europeu do pós-guerra pintura.
Eventualmente pintura abstrata na América evoluiu para movimentos como o Neo-Dada, pintura do campo de cor, Pós abstração pictórica, arte Op, hard-edge, arte Minimal, pintura da lona em forma, Abstracção lírico, Neo-expressionismo e da continuação do expressionismo abstrato. Como uma resposta à tendência para a abstração imagery surgiu através de vários novos movimentos, designadamente arte Pop.
Realismo, Paisagem, figuração, ainda-vida, Cityscape
Edward Hopper,A Estação de El(1908)Cityscape
Arshile Gorky, 1929-1936, pré-figuração expressionista abstrato
Andrew Wyeth,de Christina Mundial(1948), Realismo
Lucian Freud, 1951 - 1952,FigurativoExpressionismo
Edward Hopper, 1953, Cityscape
Milton Avery, 1958,Pintura de paisagem
Frank Auerbach, 1960,FigurativoExpressionismo
Edward Hopper, Nighthawks(1942) Cityscape
Durante a década de 1930 até a década de 1960 como pintura abstrata na América e na Europa evoluiu em movimentos como o expressionismo abstrato, pintura do campo de cor, pós-pictórica Abstração, arte Op, pintura hard-edge, arte Minimal, pintura da lona em forma, e abstracção lírico. Outros artistas reagiram como uma resposta à tendência para a abstração que permite imagens para continuar através de vários novos contextos, como o Movimento Figurativo Bay Area na década de 1950 e novas formas de expressionismo da década de 1940 até os anos 1960. Na Itália, durante este tempo, Giorgio Morandi foi o mais importante pintor vida ainda, explorar uma grande variedade de abordagens para que descreve garrafas cotidianas e utensílios de cozinha. Ao longo do século 20 muitos pintores praticado Realismo e usou imagens expressiva; praticando paisagem e pintura figurativa com temas contemporâneos e técnica sólida e expressividade únicas, como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Graça Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning e outros. Juntamente com Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard, Georges Braque, e outros mestres do século 20.
Retrato de Arshile Gorky de Willem de Kooning (acima) é um exemplo da evolução do expressionismo abstrato a partir do contexto da figura pintura, cubismo e surrealismo. Junto com seus amigos de Kooning e John D. Graham Gorky criado-bio morphically em forma e composições figurativas abstratas que na década de 1940 evoluiu para pinturas totalmente abstratas. O trabalho de Gorky parece ser uma análise cuidadosa de memória, emoção e forma, utilizando a linha e cor para expressar sentimentos e da natureza.
Estudo depois de Velázquez Retrato do papa Inocente X , 1953 (veja acima) é uma pintura pelo artista irlandês nascido Francis Bacon e é um exemplo de Pós II Guerra Mundial Europeu Expressionismo . O trabalho mostra uma versão distorcida do retrato de Inocêncio X pintado pelo artista espanhol Diego Velázquez em 1650. O trabalho é parte de uma série de variantes do Velázquez de pintura que Bacon executado ao longo dos anos 1950 e início dos anos 1960, sobre um total de quarenta -Cinco obras. Quando perguntado por que ele foi obrigado a rever o assunto com tanta frequência, Bacon respondeu que não tinha nada contra os Papas, que ele apenas "queria uma desculpa para usar essas cores, e você não pode dar roupas comuns que cor roxa, sem entrar em um espécie de falsa maneira fauve ". O Papa nesta versão ferve de raiva e agressão, e as cores escuras dão à imagem uma aparência grotesca e pesadelo. As cortinas plissadas do cenário são tornadas transparentes, e parecem cair através de rosto do Papa. O trabalho figurativo de Francis Bacon, Frida Kahlo , Edward Hopper, Lucian Freud Andrew Wyeth e outros serviram como uma espécie de alternativa ao expressionismo abstrato. Uma das imagens mais conhecidas na arte americana do século 20 é a pintura de Wyeth, O Mundo de Christina , atualmente na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York . Ela retrata uma mulher deitada no chão em um sem árvores, principalmente campo tawny, olhando para e rastejar em direção a uma casa cinzenta no horizonte; um celeiro e várias outras dependências são pequenas ao lado da casa. Este tempera trabalho, feito em um estilo realista, é quase sempre em exposição no Museu de Arte Moderna de Nova York.
Após a Segunda Guerra Mundial, o termo Escola de Paris muitas vezes referida Tachismo, o equivalente europeu do expressionismo abstrato americano e os artistas também estão relacionados com a Cobra. Defensores importantes sendo Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, e Georges Mathieu, entre vários outros. Durante o início da década de 1950 Dubuffet (que sempre foi um artista figurativo), e de Staël, abandonado abstração, e voltou a imagens via figuração e da paisagem. Trabalho de De Staël foi rapidamente reconhecido dentro do mundo da arte do pós-guerra, e ele se tornou um dos artistas mais influentes da década de 1950. Seu retorno à representação (marinhas, futebolistas, músicos de jazz, gaivotas) durante a década de 1950 pode ser visto como um precedente influente para o americano Movimento Figurativo Bay Area, como muitos daqueles pintores abstratos como Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown e outros fizeram um movimento similar; retornando às imagens durante meados dos anos 1950. Grande parte do trabalho final de 's de Staël - em particular sua diluído, e óleo diluído em tela paisagens abstratas de meados dos anos 1950 prevê pintura do campo de cor e abstracção lírico dos anos 1960 e 1970. cores ousadas e intensamente vívida de Nicolas de Staël em sua última pinturas prever a direção de grande parte da pintura contemporânea que vieram depois dele incluindo a arte Pop da década de 1960.
Arte pop
O pop art na América foi em grande medida inicialmente inspirada pelos trabalhos de Jasper Johns, Larry Rivers, e Robert Rauschenberg. Embora as pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis e Charles Demuth durante os anos 1920 e 1930 pôr a mesa para a arte Pop nos Estados Unidos.
Em Nova York, durante meados dos anos 1950 Robert Rauschenberg e Jasper Johns criou obras de arte que a princípio parecia ser continuações de pintura expressionista abstrata. Na verdade, as suas obras e do trabalho de Larry Rivers, foram partidas radicais do expressionismo abstrato, especialmente no uso de imagens banal e literal ea inclusão ea combinação de materiais mundanos em seu trabalho. As inovações de uso específico Johns 'de várias imagens e objetos como cadeiras, números, metas, latas de cerveja e da bandeira americana; Rios pinturas de temas extraídos da cultura popular, como George Washington que cruza o Delaware, e suas inclusões de imagens de anúncios, como o camelo de cigarros Camel, e construções surpreendentes de Rauschenberg usando inclusões de objetos e fotos tiradas de cultura popular, lojas de ferragens, ferros-velhos, as ruas da cidade, e taxidermia deu origem a um novo movimento radical na arte americana. Eventualmente em 1963 o movimento passou a ser conhecido mundialmente como arte Pop.
O pop art é exemplificado por artistas: Andy Warhol , Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann e Roy Lichtenstein entre outros. Lichtenstein óleo usado e Magna pintura em suas obras mais conhecidas, como Drowning Girl (1963), que foi apropriada a partir da história de ligação em DC Comics corações secretos # 83. ( Drowning Girl agora está na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York.) Também com esboços grossos, cores fortes e pontos Ben-Dia para representar determinadas cores, como se criado pela reprodução fotográfica. Lichtenstein diria de seu próprio trabalho: expressionistas abstratos "colocar as coisas para baixo na tela e reagiu ao que eles tinham feito, para as posições de cores e tamanhos Meu estilo parece completamente diferente, mas a natureza de colocar para baixo linhas praticamente é o mesmo. ; mina simplesmente não sair procurando caligráfico, como Pollock ou de Kline do "Pop art funde cultura popular e de massa com belas artes, enquanto injetar humor, ironia e imagens reconhecíveis e conteúdo na mistura.. Em outubro de 1962, o Sidney Janis Gallery montado Os Novos Realistas a primeira grande exposição grupo pop art em uma galeria de arte parte alta da cidade de Nova York. Sidney Janis montada a exposição em uma loja 57th Street perto de sua galeria em 15 E. 57th Street. O show enviou ondas de choque através da Escola de Nova York e reverberou em todo o mundo. No início do outono de 1962 uma historicamente importante e inovador Nova Pintura de Common Objects exposição de arte Pop, com curadoria de Walter Hopps no Museu de Arte de Pasadena enviou ondas de choque em todo o oeste dos Estados Unidos. latas de sopa Campbell (por vezes referido como 32 latas de sopa Campbell ) é o título de um Andy Warhol obra de arte (veja a galeria) que foi produzido em 1962. É composto por trinta e duas telas, cada uma medindo 20 polegadas de altura x 16 polegadas de largura (50,8 x 40,6 centímetros) e cada uma consistindo de uma pintura de uma sopa Campbell pode-um de cada sopa enlatada variedade a empresa ofereceu na época. As pinturas individuais foram produzidos com uma semi-mecanizada processo de serigrafia, usando um não- estilo pictórico. Eles ajudou a inaugurar a arte Pop como um importante movimento artístico que se baseou em temas da cultura popular . Estas obras de Andy Warhol são repetitivas e eles são feitos de uma forma não-comercial pictórico.
Mais cedo, na Inglaterra, em 1956, o termo "Pop Art" foi utilizado por Lawrence Alloway para descrever as pinturas que celebravam o consumismo da era pós Segunda Guerra Mundial. Este movimento rejeitou expressionismo abstrato e seu foco na hermenêutica e interior psicológico, a favor da arte que retratava, e muitas vezes celebrada cultura material do consumidor, publicidade e iconografia da era da produção em massa. As primeiras obras de David Hockney cujas pinturas emergiram da Inglaterra durante os anos 1960 como A Bigger Splash , (ver acima) e as obras de Richard Hamilton, Peter Blake, e Eduardo Paolozzi, são considerados exemplos seminais do movimento. Enquanto na cena do centro da cidade em de Nova York East Village 10th Street artistas galerias foram formulação de uma versão americana do pop art. Claes Oldenburg teve sua montra, ea Galeria Verde sobre a 57th Street começou a mostrar Tom Wesselmann e James Rosenquist. Mais tarde Leo Castelli exibiu outro americano artistas, incluindo a maior parte das carreiras de Andy Warhol e Roy Lichtenstein e seu uso de pontos Benday, uma técnica utilizada na reprodução comercial e visto nas histórias em quadrinhos e comuns em pinturas como Drowning Girl, 1963, na galeria acima. Há uma conexão entre as obras radicais de Duchamp e Man Ray, os dadaístas rebeldes - com um senso de humor; e artistas pop como Alex Katz (cuja paródia da fotografia de retrato e da vida suburbana pode ser visto acima), Claes Oldenburg, Andy Warhol , Roy Lichtenstein e os outros.
Art Brut, Novo Realismo, Bay Area Figurativo Movimento, Neo-Dada, Photorealism
Jasper Johns, 1961,Neo-Dada
Robert Rauschenberg, 1963,Neo-Dada
Jean Dubuffet, 1962, Art Brut
Durante os anos 1950 e 1960 como a pintura abstrata na América e na Europa evoluíram para movimentos como pintura do campo de cor, Pós abstração pictórica, arte Op, hard-edge, arte Minimal, pintura da lona em forma, abstracção lírico, ea continuação do expressionismo abstrato. Outros artistas reagiram como uma resposta à tendência para a abstração com brut arte, Fluxus, Neo-Dada, Novo Realismo, permitindo que imagens de re-emergir através de vários novos contextos como arte pop, o Bay Area Figurativo Movimento e, posteriormente, na década de 1970 Neo-expressionismo. O Bay Area Movimento Figurativo dos quais David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira e Richard Diebenkorn cuja pintura da arquitectura da cidade 1, 1963 é um exemplo típico (ver acima) eram membros influentes floresceram durante os anos 1950 e 1960, na Califórnia. Embora ao longo do século 20 pintores continuaram a praticar o realismo ea utilização de imagens, praticando paisagem e pintura figurativa com temas contemporâneos e técnica sólida e expressividade únicas, como Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, e outros. Pintores mais jovens praticado o uso de imagens de maneiras novas e radicais. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney , Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, e Vija Celmins foram um poucos que tornou-se proeminente entre os anos 1960 e os anos 1980. Fairfield Porter (ver acima) foi em grande parte autodidata, e produziu um trabalho representacional no meio do movimento expressionista abstrato. Seus súditos eram principalmente paisagens, interiores domésticos e retratos de família, amigos e colegas artistas, muitos deles afiliado com a Escola de Nova Iorque de escritores, incluindo John Ashbery, Frank O'Hara, e James Schuyler. Muitas de suas pinturas foram criadas ou em torno da casa de verão da família em Grande Spruce Head Island, Maine. 
Yves Klein, 1962,Novo Realismo
Josef Albers, 1965,abstração geométrica
Barnett Newman, 1966,Campo de cor - Minimalismo
Richard Anuszkiewicz de 1978, Arte Op
Também durante os anos 1960 e 1970, houve uma reação contra a pintura. Críticos como Douglas Crimp viram o trabalho de artistas como Ad Reinhardt, e declarou a "morte da pintura". Artistas começou a praticar novas formas de fazer arte. Novos movimentos ganhou destaque alguns dos quais são: Postminimalism, arte Terra, vídeo arte, arte de instalação, arte povera, arte da performance, arte corporal, Fluxus, arte postal, os situacionistas e arte conceitual entre outros.
Neo-Dada também é um movimento que começou 1n 1950 e 1960 e foi relacionado para o expressionismo abstrato somente com a imaginação. Apresentando o surgimento de itens fabricados combinados, com materiais de artista, afastando-se das convenções anteriores de pintura. Esta tendência na arte é exemplificada pela obra de Jasper Johns e Robert Rauschenberg, cuja "combina" na década de 1950 foram precursores da Pop Art e arte de instalação, e fez uso do conjunto de grandes objetos físicos, incluindo recheadas animais, pássaros e comercial . fotografia Robert Rauschenberg, (ver sem título combinar, 1963, acima), Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, e Edward Kienholz entre outros foram os pioneiros importantes de ambos abstração e Pop Art; a criação de novas convenções de tomada de arte; eles fizeram aceitável em círculos sérios da arte contemporânea a inclusão radical de materiais improváveis como partes de suas obras de arte.
Abstração geométrica, Op Art, Hard-Edge, campo Imagem a cores, arte minimalista, Novo Realismo
Durante os anos 1960 e 1970 pintura abstrata continuou a desenvolver na América através de estilos variados. abstração geométrica, arte Op, hard-edge, pintura do campo de cor e pintura mínima, foram algumas direções inter-relacionados para a pintura abstrata avançada, bem como alguns outros movimentos novos. Morris Louis (veja a galeria) era um pioneiro importante em avançado pintura Colorfield, o seu trabalho pode servir como uma ponte entre o expressionismo abstrato, pintura Colorfield e Arte Minimal. Dois professores influentes Josef Albers e Hans Hofmann introduziu uma nova geração de artistas americanos para suas teorias avançadas de cor e espaço. Josef Albers é mais lembrado por seu trabalho como pintor abstracionista geométrica e teórico. O mais famoso de todos são as centenas de pinturas e gravuras que compõem a série Homenagem ao Quadrado, (veja a galeria). Nesta série rigoroso, iniciado em 1949, Albers explorado interações cromáticas planas com quadrados coloridos dispostos de forma concêntrica na tela. Teorias de Albers sobre arte e educação foram formativa para a próxima geração de artistas. Suas próprias pinturas formam a base de ambos hard-edge e arte Op.
Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento são artistas intimamente associada com Geometric abstração, arte Op, pintura do campo de cor, e no caso de Hofmann e Newman expressionismo abstrato bem. Agnes Martin, Robert Mangold (veja acima), Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, são exemplos de artistas associados com o minimalismo e (exceções de Martin, Baer e Marden) o uso da tela em forma também durante o período que começa no início de 1960. Muitos artistas abstratos geométricos, minimalistas e pintores Hard-edge eleito para usar as margens da imagem para definir a forma da pintura em vez de aceitar o formato retangular. Na verdade, o uso da tela em forma está associada principalmente com pinturas da década de 1960 e 1970 que são friamente abstrato, formalista, geométrico, objetivo, racionalista, limpo-alinhado, impetuosa afiada, ou minimalista em caráter. O Bykert Gallery, e o Park Place Gallery foram vitrines importantes para Minimalismo e pintura da lona moldada em Nova York durante os anos 1960.
Em 1965, uma exposição chamada The Responsive Eye , com curadoria de William C. Seitz, foi realizada no Museu de Arte Moderna, em Nova York. Os trabalhos apresentados foram amplo, englobando a [Minimalismo de Frank Stella, a arte Op de Larry Poons, o trabalho de Alexander Liberman, ao lado dos mestres do movimento Op Art: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley e outros. A exposição focada nos aspectos perceptivos de arte, que resultam tanto da ilusão de movimento e da interação de relações de cores. Arte Op, também conhecida como a arte óptica, é usado para descrever algumas pinturas e outras obras de arte que utilizam ilusões ópticas. arte Op também está muito próxima da abstração geométrica e hard-edge. Embora às vezes o termo usado por ele é abstração perceptual. Op art é um método de pintura a respeito da interação entre a ilusão eo plano de imagem, entre a compreensão e considerar. Obras de arte Op são abstratos, com muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto eo branco. Quando o espectador olha para eles, a impressão dada é de movimento, imagens ocultas, intermitente e vibração, padrões, ou alternativamente, de inchaço ou entortar.
Lona em forma, Washington Cor School, abstrato Ilusionismo, abstracção lírico
Pintura do campo de cor apontou claramente para uma nova direção na pintura americana, longe do expressionismo abstrato. Pintura do campo de cor está relacionada com a abstração pós-pictórica, suprematismo, o expressionismo abstrato, pintura Hard-edge e abstracção lírico.
Pintura do campo de cor tentou livrar arte da retórica supérfluo. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, e outros muitas vezes usado referências à natureza muito reduzida, e eles pintaram com um uso altamente articulada e psicológico de cor. Em geral, estes artistas eliminado imagens reconhecíveis. Alguns artistas fizeram referências à arte, passado ou presente, mas, em geral, pintura campo de cor apresenta abstração como um fim em si mesmo. Na prossecução deste direção de arte moderna, artistas queria apresentar cada pintura como uma imagem unificada coesa, e monolítico. Gene Davis junto com Kenneth Noland, Morris Louis e vários outros era um membro dos pintores Washington cor escola que começou a criar pinturas da cor de campo em Washington , DC durante os anos 1950 e 1960, preto, cinza, Beat (veja acima) é uma grande pintura listra vertical e típico da obra de Gene Davis.
Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, e Al Amar são exemplos de artistas associados com o uso da tela em forma durante o período que começa no início de 1960. Muitos geométrica abstrata artistas, minimalistas e pintores duro de ponta eleitos para usar as bordas da imagem para definir a forma da pintura em vez de aceitar o formato rectangular. Na verdade, o uso da tela em forma está associada principalmente com pinturas da década de 1960 e 1970 que são friamente abstrato, formalista, geométrico, objetivo, racionalista, limpo-alinhado, impetuosa afiada, ou minimalista em caráter.
De 1960 Frank Stella produziu pinturas em alumínio e pintura de cobre e são seus primeiros trabalhos, utilizando telas recortadas (telas em uma forma diferente da tradicional retângulo ou quadrado), sendo muitas vezes em L, N, L ou T-formas. Estes mais tarde evoluiu para projetos mais elaborados, no polígono irregular série (67), por exemplo. Também na década de 1960, Stella começou a usar uma ampla gama de cores, geralmente dispostos em linhas retas ou curvas. Mais tarde, ele começou sua série transferidor (71) de pinturas, em que os arcos , por vezes sobrepostos, dentro das fronteiras quadrados são dispostos lado a lado para produzir círculos completos e meio pintadas em anéis de cor concêntrica. Harran II, 1967, é um exemplo da Série transferidor (visto acima). Estas pinturas são nomeados após cidades circulares ele havia visitado enquanto no Oriente Médio no início da década de 1960. As telas Irregular Polygon e séries transferidor ampliou ainda mais o conceito da lona moldada.
O Andre Emmerich Gallery, o Leo Castelli Gallery, o Richard Feigen Gallery, eo Park Place Gallery foram vitrines importantes para a pintura do campo de cor, pintura da lona moldada e abstracção lírico em Nova York durante os anos 1960. Há uma conexão com abstração pós-pictórica, que reagiram contra o misticismo 'expressionisms abstratas, hiper-subjetividade, e ênfase em tornar o próprio ato de pintar dramaticamente visível -, bem como a aceitação solene do retângulo plano como um pré-requisito para quase ritual pintura grave. Durante os anos 1960 do campo de cor pintura e Minimal arte foram frequentemente associada com o outro. Na realidade pelas início de 1970 ambos os movimentos tornou-se decididamente diversa.
Outro movimento relacionado do final dos anos 1960 abstracção lírico é um termo que foi originalmente cunhado por Larry Aldrich (o fundador do Museu de Arte Contemporânea Aldrich, Ridgefield Connecticut) em 1969 para descrever o que Aldrich disse que viu nos estúdios de muitos artistas naquele tempo . É também o nome de uma exposição que se originou no Museu Aldrich e viajou para o Museu Whitney de Arte Americana e outros museus nos Estados Unidos entre 1969 e 1971.
Abstração lírica no final dos anos 1960 é caracterizado pelas pinturas de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young e outros, e junto com o movimento Fluxus e Postminimalism (um termo cunhado por Robert Pincus-Witten nas páginas da Artforum em 1969), procurou expandir as fronteiras de resumo pintura e Minimalismo concentrando-se em processo, novos materiais e novas formas de expressão. Postminimalism muitas vezes incorporando materiais industriais, matérias-primas, fabricações, objetos encontrados, a instalação, a repetição de série, e muitas vezes com referências ao Dadaísmo e Surrealismo é melhor exemplificada nas esculturas de Eva Hesse. Abstracção lírico, Arte Conceptual, Postminimalism, arte de terra, Vídeo, performance art, arte de instalação, juntamente com a continuação do Fluxus, expressionismo abstrato, cor pintura Field, Pintura Hard-edge, Minimal Art, Op art, arte Pop, Photorealism e Novo Realismo estendeu os limites de Arte Contemporânea em meados da década de 1960 até a década de 1970. Abstracção lírico é um tipo de pintura abstrata de roda livre que surgiu em meados dos anos 1960, quando pintores abstratos voltou a várias formas de pictórico, pictórico, expressionismo, com foco predominante no processo, gestalt e estratégias de composição repetitivos em geral.
Abstracção lírico compartilha semelhanças com pintura do campo de cor e expressionismo abstrato, especialmente no uso de roda livre de pintura - textura e superfície. Desenho direto, o uso caligráfico de linha, os efeitos da escovado, salpicado, manchado, squeegeed, derramado, e tinta espirrada lembram superficialmente os efeitos observados no expressionismo abstrato e pintura do campo de cor. No entanto, os estilos são muito diferentes. Defini-lo para além do expressionismo abstrato e pintura Ação da década de 1940 e 1950 é a abordagem a composição e drama. Como se vê na pintura de ação há uma ênfase em pinceladas, um grande drama de composição, tensão de composição dinâmica. Enquanto em abstracção lírico como exemplificado pelo 1971 Ronnie Landfield pintura Jardim das Delícias, (acima) há uma sensação de aleatoriedade composicional, em todo composição, baixo drama de chave e descontraído composição e ênfase em processo, a repetição, e um tudo sobre sensibilidade.
Abstract Ilusionismo, Monochrome, Minimalismo, Postminimalism
Um dos primeiros artistas especificamente associados com Minimalismo foi o pintor, Frank Stella, cujo início de "tarja" pinturas foram destacados em 1959 mostra, "16 americanos", organizado pela Dorothy Miller no Museu de Arte Moderna de Nova York. A largura das tiras em pinturas de banda de Frank Stellas foram determinadas pelas dimensões da madeira serrada, visíveis como a profundidade da pintura quando visto de lado, utilizado para construir o chassis de suporte sobre o qual a lona foi esticada. As decisões sobre estruturas sobre a superfície frontal da tela não foram, por conseguinte, inteiramente subjectiva, mas pré-condicionadas por uma característica "dado" da construção física do suporte. No catálogo show, Carl Andre observou: "Art exclui o desnecessário. Frank Stella considerou necessário para pintar listras. Não há nada mais em sua pintura." Estas obras foram redutivas em nítido contraste com as pinturas emocionalmente carregadas cheio de energia e, aparentemente, altamente subjetivas e de Willem De Kooning ou Franz Kline e, em termos de precedentes entre a anterior geração de expressionistas abstratos, inclinou-se mais para menos gestual, muitas vezes sombria colorístico pinturas de campo de Barnett Newman e Mark Rothko .
Embora Stella recebido atenção imediata do show MOMA, artistas comoLarry Poons cujo trabalho relacionado com a Op Art com sua ênfase em pontos, ovais e pós-imagens que saltam através dos campos de cor,Kenneth Noland, Ralph Humphrey,Robert Motherwell eRobert Ryman tinha começado a explorar listras,monocromáticas eformatos Hard-edge desde o final dos anos 1950 até os anos 1960.
Por causa de uma tendência em Minimalismo para excluir o pictórico, ilusionista e fictícia a favor do literal, (como demonstrado por Robert Mangold, que entendeu o conceito do formato da tela e sua relação com a objetidade ) - houve um movimento longe de painterly e direção preocupações esculturais. Donald Judd tinha começado como um pintor, e terminou como um criador de objetos. Seu ensaio seminal, "Objetos específicos" (publicado em Artes Yearbook 8, 1965), foi um marco da teoria para a formação da estética minimalista. Neste ensaio, Judd encontrou um ponto de partida para um novo território para a arte americana, e uma rejeição simultânea de valores artísticos europeus herdados residuais. Ele apontou para a evidência desse desenvolvimento na obra de uma série de artistas ativos em Nova York na época, incluindo Jasper Johns, Dan Flavin e Lee Bontecou. De importância "preliminar" para Judd foi o trabalho de George Earl Ortman , que tinha concretizado e destilada formas de pintura em contundentes, resistente, geometrias filosoficamente cobrados. Estes objetos específicos habitavam um espaço não, então confortavelmente classificável como uma pintura ou escultura. Que a identidade categórica de tais objetos em si foi em questão, e que eles evitado fácil associação com as convenções bem-vestida e sobre-familiares, era uma parte do seu valor para Judd.
Em um sentido muito mais amplo e geral, pode-se, de fato, encontrar raízes europeias do minimalismo nas abstrações geométricas pintores do Bauhaus, nas obras de Piet Mondrian e outros artistas associados ao movimento DeStijl, em construtivistas russos e na obra do escultor romeno Constantin Brâncuşi. Pintores americanos Larry Poons, Ronald Davis, Robert Mangold, Brice Marden e até mesmo um pintor mais orientada para o expressionista como Cy Twombly mostram uma influência europeia clara em sua pura abstração, pintura minimalista da década de 1960. Ronald Davis poliuretano funciona a partir do final dos anos 1960 pay homenagem ao Broken Glass de Marcel Duchamp .
Este movimento foi fortemente criticado pelos altos críticos de arte formalistas modernistas e historiadores. Alguns críticos ansiosos pensei arte minimalista representado um mal-entendido da dialética moderna da pintura e da escultura, como definido pelo crítico Clement Greenberg, sem dúvida, o crítico americano dominante da pintura no período que antecedeu a década de 1960. A crítica mais notável do Minimalismo foi produzido por Michael Fried, um crítico greenbergiano, que se opôs ao trabalho com base no seu "teatralidade". Em Arte e objecthood (publicado em Artforum, em Junho de 1967), ele declarou que o trabalho minimalista da arte, escultura minimalista particularmente, foi baseada em um compromisso com a fisicalidade do espectador. Ele argumentou que o trabalho como Robert Morris transformou o ato de ver em um tipo de espetáculo, em que o artifício do ato de observação e participação do espectador na obra foram revelados. Fried viu este deslocamento da experiência do espectador de um compromisso estético dentro, para um evento fora da obra de arte como um fracasso da arte Minimal. Ensaio opinativo da Fried foi imediatamente contestada pelo artista Robert Smithson, em uma carta ao editor na edição de outubro da Artforum. Smithson declarou o seguinte: "O que Fried mais teme é a consciência de que ele está fazendo, ou seja sendo ele próprio teatral. "
Outros artistas minimalistas incluem:Richard Allen,Walter Darby Bannard,John Hoyland,Larry Bell, Ronald Bladen,Mel Bochner,Norman Carlberg,Erwin Hauer,Dan Flavin,Sol LeWitt,Brice Marden,Agnes Martin,Jo Baer,John McCracken, Paul Mogensen , David Novros,Ad Reinhardt,Fred Sandback,Richard Serra,Tony Smith,Robert Smithson, eAnne Truitt.
Ad Reinhardt, na verdade, um artista dageração expressionista abstrato, mas cujapinturas todo-preta redutora parecia antecipar minimalismo, teve este a dizer sobre o valor de uma abordagem redutora à arte: "Quanto mais coisas nele, a mais movimentada do trabalho da arte, o pior é. Mais é menos. Menos é mais. O olho é uma ameaça para limpar vista. O que coloca nua de si mesmo é obsceno. Art começa com a livrar-se da natureza. "
Durante os anos 1960 e 1970 artistas como poderosos e influentes como Robert Motherwell, Adolph Gottlieb,Phillip Guston,Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff,Agnes Martin,Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly,Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis,Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell,Friedel Dzubas, e os artistas mais jovens, comoBrice Marden,Robert Mangold,Sam Gilliam,Sean Scully,Pat Steir,Elizabeth Murray,Larry Poons,Walter Darby Bannard,Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis,Dan Christensen, Joan Snyder,Richard Tuttle,Ross Bleckner,Archie Rand,Susan Crile, e dezenas de outros produziu pinturas vitais e influentes.
Ainda outras inovações importantes na pintura abstrata teve lugar durante os anos 1960 e os anos 1970, caracterizado pela pintura monocromática e pintura Hard-edge inspirado por Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, e Ellsworth Kelly. Artistas como diversificados como Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden e outros explorou o poder de simplificação. A convergência de pintura do campo de cor, arte Minimal, Pintura Hard-edge, abstracção lírico, e Postminimalism blurredthe distinção entre os movimentos que se tornou mais evidente nos anos 1980 e 1990. O movimento Neo-expressionismo está relacionada com acontecimentos anteriores na expressionismo abstrato, Neo-Dada, abstracção lírico e pintura Postminimal.
Neo-expressionismo
No final dos anos 1960 o expressionista abstrato pintor Philip Guston ajudou a liderar uma transição de expressionismo abstrato ao Neo-expressionismo na pintura, abandonando o chamado "pura abstração" do expressionismo abstrato em favor de renderizações mais cartoons de vários símbolos e objetos pessoais. Estas obras foram inspiração para uma nova geração de pintores interessados em um revival de imagens expressivo. Sua pintura pintura, fumar, comer 1973, visto acima na galeria é um exemplo de retorno final e conclusiva de Guston a representação.
No final de 1970 e início de 1980, também houve um retorno à pintura que ocorreu quase simultaneamente na Itália, Alemanha, França e Grã-Bretanha . Estes movimentos foram chamados Transavantguardia, Neue Wilde, Figuração Libre, Neo-expressionismo, a escola de Londres, e no final dos anos 80 os Stuckists respectivamente. Estes pintura foram caracterizados por grandes formatos, livre expressiva marca de fabricação, figuração, mito e da imaginação. Todos os trabalhos neste gênero passou a ser rotulado neo-expressionismo. Reacção foi dividida críticos. Alguns críticos consideraram como impulsionado por motivações de lucro por grandes galerias comerciais. Este tipo de arte continua em popularidade no século 21, mesmo após o acidente arte do final dos anos 1980. Anselm Kiefer é uma figura de liderança no Europeu Neo-expressionismo na década de 1980, (ver Para o Pintor Desconhecido 1983, na galeria acima) temas de Kiefer passou de um foco em alemão papel na civilização para o destino da arte e da cultura em geral. Seu trabalho tornou-se mais escultural e envolve não apenas a identidade nacional ea memória coletiva, mas também oculta simbolismo, teologia e misticismo . O tema de todo o trabalho é o trauma experimentado por sociedades inteiras, eo renascimento e da renovação contínua na vida.
Durante o final da década de 1970 nos Estados Unidos pintores que começou a trabalhar com superfícies revigorados e que retornou às imagens como Susan Rothenberg ganhou em popularidade, especialmente como visto acima em pinturas como cavalo 2, 1979. Durante a década de 1980 artistas americanos como Eric Fischl, (veja Bad Boy, 1981, acima), David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, e Keith Haring, e pintores italianos como Mimmo Paladino, Sandro Chia e Enzo Cucchi, entre outros definidos a idéia de Neo -expressionism na América.
Neo-expressionismo era um estilo de pintura moderna que se tornou popular no final de 1970 e dominou o mercado de arte, até meados dos anos 1980. Ela se desenvolveu na Europa como uma reação contra o conceitual e arte minimalista dos anos 1960 e 1970. Os neo-expressionistas voltou a retratar objetos reconhecíveis, como o corpo humano (embora às vezes de uma forma praticamente abstrato), de uma maneira áspera e violentamente emocional usando cores vivas e harmonias de cores banais. Os pintores veterano Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, AR Penck e Georg Baselitz, juntamente com artistas ligeiramente mais jovens, como Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Damien Hirst , Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, e muitos outros se tornaram conhecidos por trabalhar neste intensa veia expressionista da pintura .
Pintura ainda detém uma posição respeitada na arte contemporânea. arte é um campo aberto não dividido pelo objetivo contra dicotomia não-objetiva. Os artistas podem alcançar o sucesso crítico se suas imagens são representacionais ou abstrato. O que tem moeda é o conteúdo, explorando os limites do meio, e uma recusa de recapitular as obras do passado como um objetivo final.
Pintura contemporânea para o século 21
Ao longo do século 20 e no século 21, com o advento de Moderno e formas de arte pós-modernas, as distinções entre o que é geralmente considerado como asartes plásticase asbaixas artes começaram a desaparecer, como alta arte contemporânea continua a desafiar esses conceitos, misturando compopulares cultura.
No início da pintura contemporânea do século 21 e da arte contemporânea em geral continua em vários modos contíguas, caracterizada pela idéia de pluralismo. A "crise" na pintura e arte atual e atual crítica de arte hoje é provocada por pluralismo. Não há consenso, nem precisa haver, como a um estilo representante da idade.Existe umqualquer coisa vaiatitude que prevalece; um "tudo o que acontece", e, consequentemente, "nada acontecendo" síndrome; isso cria um engarrafamento estética sem direção firme e clara e com cada pista na artístico superestrada lotado. Consequentemente magníficas obras de arte importantes e continuam a ser feitos ainda que de uma grande variedade de estilos e temperamentos estéticas, o mercado sendo deixado para julgar o mérito.
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